"...Вышивка – это часть нашей культуры, нашего культурного наследия,
это декоративно-прикладное искусство.
И нельзя к вышивке относиться небрежно, принижать и упрощать до бесконечности. И ценить вышивку мы будем как положено, учиться вышиванию как любому другому делу. Как учатся музыканты, художники, танцоры, певцы. Где снисходительно не погладят по головке за фальшивую ноту и за кривую спину, а стремятся вырабатывать мастерство, проявляя характер, силу воли, упорство в достижении цели. Так и в настоящей вышивке: учимся - на лучших образцах, равняемся - на самых трудолюбивых и талантливых." ©
|
|
| · Народный УЧЕБНИК ·
Новые сообщения ·
Правила форума ·
Участники ·
Поиск ·
RSS
|
|
Картины: их истории и оригинальное обрамление
| |
zlataya  | Дата: Четверг, 01 Апреля 2010, 23:33 | Сообщение # 1 |
 Клуб на Лавочке П!
Администратор
Эстония, Tallinn
| Множество прекрасных произведений искусства, непревзойденных художественных шедевров созданых великими мастерами, собрано в музеях и галереях мира. Увидать знаменитые шедевры в реальности доступно не многим.
Но когда проходит 80 лет со дня смерти художника, то по законам авторского права, мы можем заказать схему для вышивания по картине своей мечты у мастеров создания схем и сотворить шедевр собственноручно на ткани и в нитках. Вышивка по картине - это очень большой труд многих месяцев и даже иногда нескольких лет вышивальщицы.
И эта тема сможет помочь нам в выборе картины.
Вспомним любимые картины, истории их создания, найдем наилучшие репродукции - электронные изображения, будущие возможные исходники для схем для вышивания.
А также увидеть как оформлены оригиналы.
Фото из музеев.
Музейное оформление картин - подборка фото в блоге Ирины
Все мои вышивки
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Четверг, 30 Ноября 2023, 21:38 | Сообщение # 301 |
 Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №7
Шоколадница. Не ясная схема? Чашка двоится?
Дорогие мои участники игры! Сегодня вы меня поставили простов тупик… Как всегда, ответов много, кратких и подробных, и, к моей радости, все
правильные! Спасибо! И в этот раз у нас есть очень четкий, понятный, короткийответ, и есть очень подробный, интересный, иллюстрированный ответ. Т.е. будет
два приза! НО!!! Их по два! Да-да, два коротких и два длинных, и при этом очень
похожих (как будто вдвоем писали!). Вот как определить победителя?
Нусс… чтоб не повторяться, я собрала из всех ваших писем одинбольшой рассказ. Слушайте! ...Конечно, япрекрасно знаю эту картину, и есликто-то упоминал «Шоколадницу», то всегда представляла себе в основном героиню,
не особо приглядываясь к подносу в ее руках. Правда, в детстве название картины
меня озадачивало: а где же здесь шоколад? Ведь никаких плиток шоколада на
картине не видно!Схема Эстэ как всегда на высоте и не вкоем случае не не ясная, и чашка не двоится и поперек нет никакой полосы!!!Все
разработано в точности как у Лиотара, ни шага влево или вправо от исходника.Со
схемой все в порядке! Никакой ошибки нет. Просто чашечка имеет секрет. Так с чего же начать? А начать надос шоколада.
Его родиной, как и дерева какао, является Центральная и Южная Америка.
Индейцы Майя, а позже и ацтеки, на протяжении многих столетий смешивали молотые
и обжаренные какао-бобы с водой, а затем добавляли в эту смесь горький перец.
В итоге получался горьковатый, острый, пенистый напиток высокой жирности
,который пили холодным. Назывался он chocolatel и предназначался только воинам-
мужчинам, потому что индейцы верили, что плоды какао, изкоторого делали шоколад, были даром богов и приносили своему владельцу знание и
мудрость.Забавно, чтоевропейцы могли познакомиться с шоколадом гораздо раньше,когда Колумб открыл Америку в 1502г, но…. Напиток Колумбу не понравился и он
отказался его пить :)Такчто первым из европейцев напиток попробовал конкистадор Эрнандо Кортес и в 1530
году привез какао-бобы в Европу. Далее с шоколадом экспериментировалииспанские монахи-иезуиты, потому что он был признан напитком, подходящим дляпостных дней.. Они тоже были не в восторге от горького вкуса напитка. Они стали добавлять к
тёртым какао-бобам мед, убрали перец Чили. Позже для приятного запаха и вкуса
стали добавлять ваниль и корицу, а мед заменили сахаром.
Для лучшей растворимости напиток разогревали и в этом виде он оказался вкуснее.
Для смягчения вкуса к напитку добавили молоко и получили в дальнейшем молочный
шоколад. Вскоре он стал излюбленным напиткомевропейской знати. Стоимость напитка в эти годы была так велика, что позволитьего себе могли только очень состоятельные люди. В XIX веке, когда число
плантаций по выращиванию какао значительно увеличилось и цена на бобы упала,
шоколад стал более доступным.А наш с вами любимый шоколад в плитках впервые появился в70-х годах XIX века. Они были изготовлены на английской кондитерской фабрике
«Фрай и Сыновья». Первый молочный шоколад появился в Швейцарии (откуда, кстати,
родом художник Лиотар). Он принес популярность фирме «Nestle». Швейцарец
Рудольф Линдт изобрел шоколад, тающий во рту.
РудольфЛиндт Именнотакой напиток несет героиня культовой картины швейцарского художника Жана-ЭтьенаЛиотара (Jean-ÉtienneLiotard), 1702- 1789«Шоколадница».
которая сразупосле создания приобрела статус шедевра. Лиотар создавал безупречно-гладкие
поверхности, используя особую технику: достичь эффекта эмали ему удалось,
втирая пастель в поверхность специальной палочкой. Картина была написана между
1743-м и 1745-м годами при дворе австрийской императрицы Марии Терезии.
Жан-Этьен Лиотар. Автопортреты 1768 и1773 гг.
Сюжет произведения прост — скромная девушка в белом накрахмаленномпереднике, смиренно потупившая взор, вероятно,перед посетителем кофейни, которому она спешит подать горячий шоколад.Девушка изображена на практически нейтральном фоне, образованном светлой стеной
и полом. Колорит произведения гармоничен.Нежное, спокойное, несколькомеланхоличное лицо красавицы покрыто легким румянцем. Мэтр удачно подобрал
цвета для ее костюма: золотисто-охристый корсаж с баской, белоснежные косынка с
полоской «белым по белому» и накрахмаленный фартук в складках, серая юбка из
тафты и шелковистый розовый чепчик с кружевом, скрывающий волосы, рождают
ощущение свежести, уюта, умиротворения… Еёмаленькая ножка в туфельке на каблуке чуть-чуть выглядывает из-под полы платья. Девушка не стоит, а идет, вся она устремлена вперед. На еёплатье видна каждая складочка. А фартук, кажется, только что вынут из комода.
Он даже не распрямился. 
А как изумительно изображены кружева на нежно-розовомчепчике! 
Почти фотографическая четкость этой картины заставляет вновь и вновьрассматривать её, находя новые детали. Картина живая. Зрители любуются девушкой
из далеко прошлого до сих пор. Её милое лицо притягивает взгляд зрителя. Глаза её скромноопущены. Но гордо поднятая голова говорит, что девушка прекрасно осознает свою
привлекательность. Её осанка, её умение преподнести себя говорят о том, что
прекрасная шоколадница знает себе цену. Это не просто портрет, а настоящая
жанровая сценка. Открытое пространство перед девушкой создает впечатление того,
что она не застыла, а продолжает движение, аккуратно неся поднос, дабы не
пролить модный и дорогостоящий шоколад. Это произведение искусства буквально
завораживает своим совершенством, картина притягивает, словно магнит. Кажется, вот-вот мы услышим шелестпышной юбки и стук маленьких каблучков. Личностьмолодой особы, позировавшей живописцу, точно не установлена. Одна из легенд
повествует о том, что моделью былапредставительница обедневшего дворянского рода Анна Бальтауф. На благородное
происхождение девушки указывают безупречная осанка, светлая со здоровым
румянцем кожа, изящные кисти рук, маленькая нога. По другим версиям девушку
звали Шарлоттой или Нандль, и была она служанкой императрицы Марии-Терезии, при
дворе которой тогда работал Лиотар.А может быть будущую княгиню звалиШарлотта Бальтауф, её отец был венским банкиром, и пастель была создана в его
доме .Также встречается вариант, согласнокоторому это был не заказной портрет: художник сам захотел его написать, поражённый
красотой девушки, камеристки императрицы Марии-Терезии, звавшейся Бальдуф и ставшей позжеженой ИосифаВенцеля фон Лихтенштейна. В конечном счёте личность моделиточно не установлена, ну а нам это не так уж и важно  Давайте рассмотрим, что же стоит наподносе? Стакан воды и чашка шоколада. А зачем вода? Дело в том, что у горького
топленого шоколада яркий вкус .Чтобы ощутить его в полной мере необходимо
сполоснуть рот чистой водой перед первым глотком .
Тогда наши рецепторы становятся более чувствительными, а вкус усиливается.
Лакомство довольно густое и сладкое: после него во рту остаётся липкий налёт,
его тоже стоит смыть водой,сделав ещё глоток.На серебряном блюдце картиныизображено печенье, которое призвано смягчить горький вкус шоколада.
И ещё к шоколаду могут подавать чайную ложечку, потому что шоколад может
быть настолько густым, что пить его невозможно -- поэтому массу едят как мусс
или суфле.  А теперь приглядитесь внимательно, как наша героиня несёт чашку с горячим напитком, которыйналит фактически вровень с краем! Ведь чуть собьёшься - и всё, даже если не
прольёшь, то уж неаккуратные потёки обеспечены… Здесь не могу удержаться и не процитировать роман «ЗамокБроуди» («Hatter’sCastle») Арчибальда Кронина, пусть действие там происходит и
много позже: «Как ни старалась миссисБроуди, результат никогда не удовлетворял ее супруга. Самый процесс подавания
ему этой чашки стал для нее своего рода епитимьей, так как, отлично зная, что у
нее трясутся руки, он требовал, чтобы чашка была полна до краев и чтобы ни
единая капля не пролилась на блюдце. Этот последний грех считался самым
непростительным».Есливнимательно рассмотреть чашку с напитком на подносе у девушки, то сразу
появляется недоумение – похоже, что шоколад налит в какую-то двойную чашку? Что
за ободок вокруг чашки? Или она вставлена в какой-то дополнительный стеклянный
низкий стаканчик? Оказывается, на картине художник запечатлел специальную чашку
под названием «тремблёз». Это чайная пара с особой вставкой, поддерживающей
чашку на блюдце. Чтобы не расплёскивать дорогие напитки, в конце XVII века придумали специальныеблюдца, в центре которых был высокий бортик. Чашка на таком блюдце не просто
стоит - она как будто уютно устроилась в гнёздышке. И куда меньше шансов
пролить шоколад или чай. А слово "trembleuse" в переводе с французскогоозначает дрожь, дрожание. Словом, чашечка для тех, укого руки дрожат. У самой императрицы Марии-Терезиибыл подобный сервиз, но не с серебряным креплением, а с золотым. Императрица
же! А еще удобно пить, лёжа в постели - меньше рискперевернуть чашку.
И знаете, я бы не отказалась от такой чайной или кофейной пары, - добавляет
наша участница. Тремблёзы были двух видов: с высоким бортиком в центре блюдцалибо с углублением, в которое помещалась чашка.
Такие чашки могли быть полностью отлиты изфарфора. Либо же дорогие фарфоровые чашки, в которых подавался напиток,стояли на серебряных блюдцах, снабженныхсеребряным филигранным креплением, как на картинеЛиотара. Первые тремблёзы появились во Франции: поговаривают, что необычная
форма фарфоровой пары была изобретена на знаменитой королевской мануфактуре в
Севре специально для мадам де Помпадур - главной фаворитки Людовика XV,
отличавшейся слабым здоровьем.
В Россиичашечки тремблез впервые изготовили на Петербургском Императорском фарфоровом
заводе (бывшая Порцелиновая мануфактура) в последней четверти 18 века.
  
  
Небезынтересно добавить, что чашка на картине изготовлена изтончайшего мейсенского фарфор; его производство началось близ города Мейсен в
Верхней Саксонии (Германия), за 35 лет до написания «Шоколадницы». И поныне этот фарфор считается лучшим в Европе.Считается, что в благодарность за то, что Жан-Этьен Лиотар запечатлел продукцию их мануфактуры, мастера компании«Мейсен» создали фарфоровую фигурку «Шоколадницы», которая и сегодня не падает
в цене: образцы начала ХХ века доходят на аукционах до двух тысяч евро.  А победителей в7 туре нашей игры мы выбрали так: Заточный, краткий, четкий ответ по существу – приз разделили Татьяна Виноградская
и Ильсия НадершинаЗа подробный,красивый, детальный ответ с иллюстрациями - приз разделили Наталья Шакина и Инна Демиденко!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Четверг, 30 Ноября 2023, 22:22 | Сообщение # 302 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №8
ЭстЭ 121 Водяная мельница
Работает ли сейчас мельница и зачем ей два колеса?
Что это,голубь воркует -Ключли журчит неустанно -Нет,это плачет, тоскуетВодная панна.Чтона лугу там белеет,Светитсялунно и странно -Этотуманы лелеетВодная панна.Чтоэто в мельницу бьется,Жерновкрутит первозданно -Этохохочет, смеетсяВодная панна.Плакала,больше не хочетПлакатьтак струнно-обманно,Вмельничных брызгах хохочетВодная панна.Кто-тоходил на откосах,Сним она вьется слиянно,Нежитсяв мельничных росахВодная панна.Возлекрутого обрываТайнацарит невозбранно.О,как бледна и красиваВоднаяпанна!(КонстантинБальмонт, 1907)Итак,вот что рассказали участники 8 тура викторины «Все дело в деталях, или Знаем ли
мы, что вышиваем?» о картине Якоба Рёйсдала «Водяная мельница» и о мельницах вообще:…Явсегда при слове «мельница» представляла себе почему-то ветряную мельницу, как
в «Дон Кихоте», но погрузившись в эту тему, поняла, что водяные мельницы
гораздо старше ветряных и они были когда-то очень распространены и востребованы.
А также до меня – наконец!- дошло, что именно о водяной мельнице поетсяв известной когда-то песне Игоря Николаева «Мельница»! Ну, помните, где «Старая
мельница, крутится-вертится, бьется о камни вода…». ….Яникогда в жизни не видела ни одной настоящей мельницы, и вот теперь, рассматривая
эту картину и почитав о ней и о мельницах вообще, смогла расширить свои
познания и в этой области. Оказывается, мельницы – это очень красиво,
величественно и загадочно. Наверное, не на меня одну они производят такое
впечатление, ведь недаром в старину считалось, что на заброшенных мельницах
водится нечисть, а все мельники – колдуны…Участницыконечно рассказали и об авторе этого пейзажа. А начал этот рассказ Иоганн Вольфганг фон Гете: «ЯкобРёйсдал, родившийся в Гарлеме в 1635 годуи усердно трудившийся до 1681 года, признан
одним из превосходнейших пейзажистов. Картины его удовлетворяют всем
требованиям, которые самый изощренный ум может предъявить к произведениям
искусства»Якоб Исаксван Рёйсдал (1628/1629 -1682) – голландский живописец и гравёрXVIIвека, считается ведущим мастером пейзажной живописи Нидерландов. Родился и умер
в г Харлем. Он создавал свои картины в Золотой век голландской живописи,
периода великого богатства и культурных достижений, когда голландская живопись
приобрела невероятную популярность. Ему удалось одухотворить свои пейзажи
большими личными чувствами и переживаниями. В его картинах даёт себя знать
чуткая, напряжённо-страстная восприимчивость художника к жизни природы в её
частных и общих проявлениях. Манера письма маленькими мазками характеризует разнообразие
форм увиденного в пейзажном мотиве и вместе с тем эмоциональное их переживание,
образное восприятие.Также, как и другие крупнейшие художники Голландии, Рёйсдал не шёл на уступки
вкусам буржуазных заказчиков, всегда оставаясь самим собой. Живописец не
ограничивался определенными темами изображения. Круг его пейзажных мотивов
очень широк – это виды деревень, равнины и дюны, лесные болота и море,
изображенные в самую различную погоду и разные времена года.Врейтинге знаменитых голландских художников Рёйсдал занимает 7-е место; первое
место отдано Рембрандту.Большаячасть сведений о жизни Рёйсдала была собрана исследователями только в ХХ веке.
Точной информации о нем у нас очень немного, поэтому в биографии художника есть
некоторая путаница. К примеру, точно неизвестно, была ли его матерью первая
жена его отца или вторая. Учитель Рёйсдала также неизвестен. Считается, что
Рёйсдал учился у своего отца и дяди, но этому нет никаких архивных
доказательств. Похоже, что на него оказали сильное влияние другие современные
местные художники Харлема, города в Голландии, где художник родился и умер.Вомногих источниках в интернете написано, что художник имел вторую профессию –
врач. Некоторые искусствоведы (Питер Шелтема, Сеймур Слив, Ян Пол Хинрихс)
считают, что это был случай ошибочной идентичности. Творческое наследие
Рёйсдала составляют около 450 картин, при том, что прожил художник всего недолгие
55 лет. Его необычайно высокая продуктивность в живописи предполагает, что
времени на изучение медицины и практику было бы мало.Рёйсдалне был евреем, как полагает некоторые. Исследователь С. Слив сообщает, что
из-за изображения Рёйсдалем еврейского кладбища и различных библейских имен в
семье Рёйсдалов он часто слышал предположения, что мастер обязательно должен
быть евреем. Свидетельства же, которые обнаружил исследователь, показывают
иное. Имеется церковная запись о том, что 14 июня 1657 года Якоб
ванРёйсдалпринял крещение в голландской реформатской церкви. До этого момента,
вероятно, художник принадлежал к меннонитам, как егоотец и дядя.ЯкобванРёйсдал не был женат. Неизвестно, как выглядел художник, поскольку не
существует ни одного известного портрета или автопортрета.Дляпейзажиста Рёйсдал путешествовал относительно немного: он был в некоторых
местах родной Голландии, а также несколько раз путешествовал вдоль немецкой
границы. Несмотря не многочисленные норвежские пейзажи, нет никаких записей о
том, что он был в Скандинавии.Своикартины Рёйсдал писал не по частным заказам, а для свободной продажи, поэтому
сложно судить об уровне его доходов. Правда, имеются косвенные свидетельства
того, что финансовые дела живописца постепенно шли в гору, к примеру, за 12 лет
до смерти он перебрался в самый центр города, на площадь Дам.Его картины,
согласно исследователю Хэндрику Фредерику Вейнману, оценивались при жизни
довольно высоко (средняя цена на его картины составляла 40 гульденов,
тогда так для других художников цена составляла в среднем 19 гульденов).Долгоевремя считалось, что художник умер в нищете и забвении в одной из богаделен
Харлема, и только в 1932 году ученым удалось доказать, что богадельне умер
вовсе не он, а его двоюродный брат, сын дяди Соломона. Причиной недоразумения
стало совпадение профессии и почти полное совпадение имен и фамилий.Принципы голландского реалистического пейзажа складывались напротяжении первой третиXVII столетия. Вместо условных канонов иидеализированной, придуманной природы в картинах мастеров итальянского
направления создатели реалистического пейзажа обратились к изображению
действительной природы Голландии с ее дюнами и каналами, домиками и селениями.
Они не только запечатлели характер местности со всеми приметами, создавая
типические мотивы национального пейзажа, но стремились передать атмосферу
времени года, влажный воздух и пространство. Это способствовало развитию
тональной живописи, подчинению всех компонентов картины единому тону.Крупнейший пейзажист Голландии XVII века Якоб ванРёйсдал вранних произведениях изображал скромные виды окрестностей Харлема («Домик в
роще», 1646, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Около 1650-1655 гг.,
путешествуя по Нидерландам и Германии, Рёйсдал писал монументальные пейзажные
композиции, в которых суровая холодная гамма и резкие контрасты светотени
воплощают ощущение драматической изменчивости жизни («Еврейское кладбище»,
Картинная галерея, Дрезден). В зрелый период творчества Рёйсдал создавал
городские, сельские, морские, речные пейзажи («Вид деревни Эгмонд», ГМИИ,
Москва; «Пейзаж с водяной мельницей», 1661, Рейксмузеум, Амстердам), отдавая
предпочтение сумрачным и таинственным лесным чащам у болот и рек («Болото»,
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).У Рёйсдала почти всегда важную роль играет небо, котороезадает настроение полотну. Как и в природе, оно всегда разное, но автор
постоянно наполняет его облаками, различными красками и светотенями, поэтом оно
получается рельефное, глубокое, динамичное. Еще одна из характерных
особенностей [url=https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9A%D0%BE%D0%BC%D0%BF%D0%BE%D0%B7%D0%B8%D1%86%D0%B8%D1%8F_(%D0%B8%D0%B7%D0%BE%D0%B1%D1%80%D0%B0%D0%B7%D0%B8%D1%82%D0%B5%D0%BB%D1%8C%D0%BD%D0%BE%D0%B5_%D0%B8%D1%81%D0%BA%D1%83%D1%81%D1%81%D1%82%D0%B2%D0%BE)]композиции[/url] многих картин художника — низкий горизонт, прикотором большая часть картины отведена небу с облаками, что придаёт живописи
особую пространственную глубину.Также большое внимание уделяется деревьям, с
могучими ветвями, буйной листвой, они вторят небу, усиливая ту неспокойную
атмосферу, которую автор создает во многих своих работах. А она почти всегда
тревожна благодаря небу, которое никогда не бывает безоблачно, будто художник
постоянно ожидает непогоды…Ну, а теперь мы постепенно движемся в направлении мельниц.Начнем с ветряной мельницы.
«Мельница в Вейке», прим. 1670 Масло,холст, 83х101 см. Государственный музей в Амстердаме«Мельница в Вейке» прочно входит в тройку картин (наряду с«Ночным дозором» Рембрандта и «Видом Делфта» Яна Вермеера), которые голландцы считают своими национальными символами. На картине Рёйсдала запечатлен
крошечный городок Вейк, расположенный в нескольких милях к юго-востоку от Утрехта. В этом городке и поныне можно увидеть старую ветряную мельницу, но – увы! – она не та, что увековечена на картине. От той, старой, к сожалению, сохранились лишь остатки фундамента. Удивительно, но Рёйсдал крайне редко писал ветряные мельницы. И это несмотря на то, что они был «фирменным знаком» Голландии (не говоря уже о том, что любая ветряная мельница живописна сама по себе). Дотошные исследователи подсчитали, что Рёйсдал изображал ветряные мельницы всего 15 раз, причем большую часть этих картин он создал в начале своего творческого пути. Впрочем, лучшую свою мельницу, «Мельницу в Вейке», мастернаписал уже в зрелом возрасте. Композиция этой картины выдержана в типичной для Рёйсдала манере. Низкий ракурс, выбранный им, делает очертания мельницы и
других зданий несколько размытыми, и от этого кажется, что они готовы вот-вот растаять в неприветливом, покрытыми серыми облаками небе.
Кипит вода, ревёт ручьем,
На мельнице и стук, и гром.
Колеса-то в воде шумят
А брызги вверх огнем летят.
От пены-то бугор стоит,
Что мост живой, весь пол дрожит.
Шумит вода…
(И.С. Тургенев «Гнездо ласточки»)
Ну, вот мы и добрались до картины Якоба ванн Рёйсдала, которуюмы вышиваем и по которой задан восьмой вопрос викторины «Всё дело деталях, или
знаем ли мы, что вышиваем?». Стоит упомянуть, что водяная мельница – не такой
частый мотив в голландской живописи в целом, как ветряная. Тем не менее,
главная мельница на этой картине Рёйсдала – водяная. И она даже не одна, а их
две – по обе стороны плотины.
Полное ее название «Двеводяные мельницы с открытым шлюзом»(хотя есть и другие варианты названия: «Двеводяные мельницы и открытый шлюз»«Две подливные водяные мельницы с открытым
шлюзом»). Картина создана в 1653 году. Сейчас она находится в коллекции Музея
Гетти в Лос-Анджелесе. Хотя другие западные художники и раньше изображали
водяные мельницы, Рёйсдал был первым, кто превратил ее в основной сюжет в своей
картине.На картине изображены две водяные мельницы, основная изкоторых, расположенная в центре полотна, фахверковая[1](каркасная)со стяжками и фронтоном из вертикальной доски. Это характерно для водяных
мельниц в районе Бентхайм в Германии, гдеРёйсдал путешествовал в начале 1650-х
годов. Эта картина является одной из шести известных вариаций на эту тему и
единственной, которая была датирована. На нескольких картинах, похоже,
изображена одна и та же водяная мельница с разных ракурсов.Наталья показывает еще одну картину, «Две водяные мельницы и открытый шлюз наСингравен», (давайте условно назовем ее«Картина №2»),очень похоже, что изображены те же самые две мельницы, но с
другого ракурса. Та мельница, что на нашей вышиваемой картине изображена
«спиной» и виден только обшарпанный уголок от нее и «кусочек» мельничного колеса,
на этом втором пейзаже видна во всей красе. Также хорошо можно рассмотреть и мельничную
плотину.Запомните ее пожалуйста, мы к ней еще вернемся!
«Две водяные мельницы и открытый шлюз наСингравен», 1652…Ветер, кажется, преследует облака на этой картине, позволяясквозь призрачное солнце на мгновение осветить падающую воду. В следующий
момент луч солнца исчезнет, а после упадет на овец на крутом склоне холма через
долину, или, может быть, на отдаленную ветряную мельницу и шпиль церкви за ее
пределами. Человек на мосту шлюза собирается закрыть заслонку, чтобы остановить
поток воды. Кажется, он замер, возможно, чтобы собраться с силами, а, возможно,
просто задумался, завороженный мерцающим светом на стремительном потоке…Окружение мельницы на этом полотне - это изобретение Рёйсдала: нигде в Голландии нет холмов такойвысоты. Путешествуя, художник делал эскизы и рисунки, которые впоследствии использовал
образно в своих пейзажах.С этого ракурса на картине №2можно рассмотреть плотинуво всех подробностях, заметить,что у более старой мельницы с одним колесом, хорошо
видно фундамент, сложенный на века, и крышу, которую давно пора подлатать. Желоб,
расположенный рядом с этой старой мельницей не заполнен водой, значит,
мельничное колесо не крутится, иэта мельница не работает. Тогда как у мельницы
с двумя колесами вода бежит по обоим желобам стремительным потоком. На этом же
ракурсе можно рассмотреть, что колеса на большой мельнице стоят не в одной
плоскости, а в двух разных, а значит,они работают независимо друг от друга.Происторию создания человеком водяного колеса, а впоследствии и водяных мельниц
можно найти довольно много информации и написать целый трактат, ибо всё это уходит
корнями в историю очень глубоко. Но само техническое устройство мельницы
довольно сложно для нас, девушек-вышивальщиц,поэтому вот только самое основное.Оказывается,раньше редко на какой речке не стояла мельница! В сельской местности она была
чем-то особенным. С её помощью мололи зерна на муку и делали из зерна крупу, готовили
толокно, получали льняное масло. Сообразительный мельник мог устроить в
мельничном амбаре и просеивание муки, и сукновальню. С ближайшей округи
тянулись к мельнице подводы с зерном, а обратно - те же подводы со свежей
мукой: возницы и лошади чуть белые от мучной пыли. Дорога часто шла через
мельничную плотину. Так как место для устройства мельничной плотины тщательно
выбирали в овражистых местах, по возможности с высокими крутыми берегами, то и
омут, который возникал перед плотиной после наполнения искусственного озера,
нередко являлся самым глубоким местом на реке. Считалось, что омут у мельничной
плотины бездонный и здесь живут водяной и русалки. Водяной особенно любит
забираться на ночлег под водяную мельницу, возле самого колеса. Из омута под
плотиной всегда можно было наловить рыбы, в пруду плавали утки, гуси, на
заливных пойменных лугах сочно зеленела трава. Пруд и плотина оживляли сельский
пейзаж. На мельнице в ожидании помола встречались крестьяне из разных деревень.
Шёл обмен новостями, разгорались хозяйственные дискуссии…Стоитзаметить, что мельница несла в себе элементы техники и архитектуры иявлялась
памятником человеческому знанию, но тем не менее она удивительным образом вписывалась
в живописное полотно природы. Эта добрая кормилица не загрязняла землю.
Хрустальная водица, выйдя из пруда и покружив колесо, уходила дальше такой же
прозрачной.Водянаямельница – сооружение более древнее, чем ветряная, и она в старину имела
намного большее значение. Она не зависит от непостоянства ветра, а использует
воду, материю, в общем, менее капризную. Она была более широко распространена в
силу своей древности, большого числа рек и речек, водохранилищ, отводных
каналов, водоводов, которые могли заставить вращаться колесо с лопастями или
черпаками. Изобретение водяной мельницы имело большое значение для истории и
развития техники. Первые такие конструкции использовались для перелива воды еще
в Древнем Риме, позже их стали применять для получения муки и в других
промышленных целях. Первыеупоминания о применении водяного колеса относятся к глубокой древности.Наша главная пища — хлеб. Он готовится из муки, а её получают, измельчаязерно. Перемалывание муки — тяжёлый труд, и, когда с развитием сельского
хозяйства стали производить много зерна, проблема с его переработкой встала
особенно остро. Неудивительно, что именно в мукомольном деле возникла одна из
первых в истории машин — водяная мельница, вращаемая энергией течения рек.В древнейшие времена зерно толкли пестиком в ступке, потом выяснили, что легчерастирать зерно между двумя камнями, в зернотёрке. Идея
использовать вращательные движения при растирании зерна пришла с
изобретением колеса. Так появился ручной жёрнов — два дисковидных
камня, скользящих один по другому, между которыми перетиралось зерно. В Древней
Греции и Риме уже были жернова всех размеров. Маленькие жернова, наподобие кофемолок, одной рукой держали, а другойвращали. Большие жернова ставили на колоду и вращали двумя руками. Были и огромные
жернова, которые крутили рабы, быки или ослы. Монотонность этой работы
натолкнула на мысль придумать двигатель, заменивим мускульную силу человека и животных.Прототип мельничного колеса --водочерпательное колесо, чадуфон, который появился ещё в V в. до н.э. в Египте, Китае и Индии. Чадуфоны поднимали из реки воду для орошения полей.
По периметру большого обода, нижней частью погружённого в реку, насаживались
черпаки. Обод вращался, черпаки по очереди опускались воду, зачерпывали её,
поднимались наверх и опрокидывались в жёлоб, ведущий к оросительному каналу.
Первые чадуфоны вращались вручную, но там, где течение быстрое, обод сталиснабжать лопатками — появилось водяное колесо. Течение напирало
на лопатки и проворачивало колесо — так появилась поливальная машина, первый механизм,работающий без участия человека, за счёт природной энергии. Там, где
течение было недостаточно сильным для вращения колеса, реку перегораживали
плотиной, создавая искусственный водопад, а колесо ставили под ним так, чтобы
вода вращала его, падая на лопатки сверху. Изобретение такого природного двигателя
породило идею его использования и для других целей — например, для вращения
жерновов. Антипатриз Фессалоник, писавший в I столетии до н. э., оставил первое литературное
упоминание простой водяной мельницы, избавившей крестьян от тяжелой работы по
ручному обмолоту зерна:«Не возлагай рук своих на мельницу, оженщина, вращающая жернов! Спи крепко, несмотря на то, что гребень петуха
возвещает рассвет, ведь Церера (богиня, отвечающая за произрастание злаков)
отдала нимфам труд, который занимал руки твои. Они, устремляясь с вершины
колеса, заставляют вращаться его ось, и та с помощью движущихся спиц приводит в
действие все четыре жернова. Мы заново ощущаем вкус жизни первых людей,
поскольку мы научились радоваться без устали дарам Цереры». Елена подробно рассказала как работает водяная мельница: Водяное колесо вращается в вертикальном положении, а жернова вращаются вгоризонтальном положении. Как передать движение от водяного колеса к жерновам? Древние
изобретатели, например Ктесибий, уже использовали для аналогичных
устройств колёсную (зубчатую) передачу. Если 2 колеса плотно соприкасаются, то, как только одно начинает вращаться,другое из-за возникающей между ними силы трения тоже будет вращаться. Но
гладкие колёса проскальзывали, и «связку» меж ними усилили с
помощью зубцов. Зубчатое колесо также называют шестерёнкой. Вращающееся
колесо называется ведущим, аколесо, которому передаётся вращение, — ведомым.Рядом с рекой, накоторой установлено водяное колесо, строилось здание, в котором помещался
мельничный механизм. На одной оси сводяным колесом крепилась вертикальная шестерёнка, которая через систему
зубчатых передач вращала жернова.Нижний жернов неподвижен и называется «лежак», а верхний вращается иназывается «бегун». На соприкасающихся поверхностях жерновов нанесены
специальные борозды и желобки для лучшего перетирания зерен.Зерно в мешках поднимется на верхний этаж с помощьюлебедки, и засыпается по желобу в жернова, а смолотая мука по специальному
лотку ссыпается в мешки на первом этаже. Водянаямукомольная мельница – крупное деревянное сооружение с мельничным поставом,
приводимым в движение водяным колесом или водяной турбиной. Постав –самая
важная часть мукомольной мельницы - состоял из двух каменных дисков (жерновов).
Устроен постав так же, как жернова в ручной мельнице. Размер постава и скорость
его вращения определяют производительность мельницы. Она зависела от размера
камня (жернова) и от скорости его вращения. Жернова брали диаметром от 50 до
120 см. На маловодных речках на мельнице ставился небольшой бегун (верхний
жернов), который вращался поверх неподвижного лежака (нижнего жернова) со
скоростью в пределах 60 оборотов в минуту. Река помноговоднее могла крутить
камень побольше, и он совершал до 150 оборотов. В зависимости от этого один
постав размалывал от одного пуда (16 кг) до 4 пудов (64 кг) в час. Одна
мельница обслуживала две-три деревни с общим населением тысяча человек.
Заметим, что мука шла не только для людей, но и скоту. Водяная мельница - это гидротехническое сооружение, которое используетгидроэнергию, получаемую с водяного колеса. В прошлом без мельницы не
обходились ни в одной деревне. она была важным сооружением, которым
пользовались для помола и просеивания зерна, для изготовления бумаги и ковки
железа, для резки брёвен и других работ.Хотя впервые о водяных мельницах в летописях упоминалось только в 13 векен.э., они были известны ещё в Римской империи во 2 веке до н.э. о них писал
Витрувий, римский архитектор и механик в своих трактатах, точнее, он детально
описал устройство водяной мельницы. Широкое распространение водяные мельницы
уже получили в Средневековье и чаще их строили при монастырях. Таково было
указание Бенедикта Нурсийского, который был родоначальником западного
монашеского движения. он предписывал каждому монастырю обзавестись водяной
мельницей, которая могла бы перерабатывать продукты сельского хозяйства. В
России водяные мельницы появились около 12 века, и постепенно их начали строить
в тех местах, где протекали реки. А в 16 веке уже работали и бумажные
мельницы. Но всё же основной работой водяной мельницы оставался помол зерна.
так как с этим было связано благополучие целого края. Аполлоний Пергемский упоминал о водяном колесееще в 240 году до нашей эры. Уже тогда водяное колесо использовали в качестве
привода для водяных мельниц, для подъема воды для орошения полей, для откачки
воды из шахт, привода кузнечных молотов и даже для привода всевозможных
станков, благодаря чему человек получил надежный и простой двигатель,
применение которого с каждым годом все расширялось.Историямельниц ведет свое начало от первых жерновов, которые использовали древние люди
для получения муки. Такие устройства были вначале ручными, затем стали
использовать физическую силу рабов или животных, которые вращали мукомольное
колесо.Историяводяной мельницы началась с использования поливальных устройств, называемых
чадуфонами (у древних египтян и персов они назывались нориями), которые
применялись для поднятия воды из реки для орошения земли и полей. Такие
устройства представляли собой несколько черпаков, насаженных на обод: при
вращении они погружались в воду, зачерпывали ее, а после поднятия вверх
опрокидывали в желоб.Современем люди стали строить водяные мельницы и использовать силу воды для
получения муки. Причем на равнинных территориях при низкой скорости течения рек
для увеличения напора устраивали запруды, обеспечивая тем самым повышение
уровня воды. Для передачи движения к устройству мельницы были изобретены
двигатели с зубчатой передачей, которые делались из двух колес, соприкасающихся
ободами.Водяныеколеса устанавливали в нескольких положениях по отношению к потоку воды: нижнебойные,
или подливные— на реках с большой скоростью течения. Самыми распространенными
были «висячие» конструкции, устанавливаемые на свободном течении, погруженные в
воду нижними лопастями. В простейшем водяном колесе на ободе установлены прямые
лопатки; нижние лопатки погружаются в водный поток. Течение давит на лопатки, и
колесо вращается. Для увеличения отбора энергии из водного источника лопатки колеса
стали делать в виде ковшей. Подливные водяные колеса могли работать почти в
любых относительно обильных потоках с умеренной скоростью воды, но наиболее
эффективны они были в узких протоках.Для повышения эффективности работы часто
использовали плотину, перегораживающую только часть реки, называемую буном
.
В потоке с некоторым перепадом уровня воды используют среднебойное или подливное
колесо вместе с направляющим аппаратом (желобом с затвором, которыми
регулируется набегающий водный поток). Когда высота перепада достигает диаметра
колеса или больше него, устанавливают наливное (верхнебойное) колесо.Прииспользовании верхнебойных колес вода падала сверху на лопасти (или черпаки),
приделанные к ободу колеса, что намного увеличило его мощность. Это колесо
можно было устанавливать не только на реках, но и на отводных каналах,
применять в разных отраслях промышленности — сукноделии, горнорудном,
металлургическом и бумажном производствах.Доэпохи Возрождения применялось множество типов только подливных колес; остальные
виды водяных колес привлекли в себе внимание позже.Строилимельницу без каких-либо чертежей. Вся техническая документация: расчеты, детали
– содержалась у мастера в памяти. Конечно, он брал за образец уже имеющиеся
мельницы, но приходилось порой кое-что менять или добавлять новое. Умение и
мастерство, безусловно, требовалось огромное. Хотя и с образца, но не так-то
просто сработать водяное колесо, распределить равномерно по окружности на
шестернях места под зубья. И всё это из дерева! Основными инструментами служили
топор, пила, долото, бурав, тесло, аршин. Циркулем служили шнур или рейка, на
конце с угольником; так окружность и намечали. Мельнику помогал кузнец. Он
ковал вспомогательные детали (оси, крепежные части, скобы).Стоит заметить, что
промышленные водяные мельницы часто строили по чертежам и проектам
(«прожектам», как тогда говорили). Об этом свидетельствует техническая
литература XVII –XVIII и XIX веков.Небольшуюмукомольную мельницу 3-4 человека нередко ставили за один сезон. Запруду делали
простейшими подручными средствами всей деревней. Вспахивали участок целины, а
из дерна выкладывали плотину. Пласт был плотный, как ремень, тянулся, не
разрываясь, на несколько сажен. Укладывали его ровно, прочно. Для крепления
применяли жерди, колья, связки из хвороста. Начав дружную работу с раннего
утра, к вечеру реку останавливали. Благодарность за такую великую услугу
полагалась только в виде обильного угощенья, которое мельник выставлял
крестьянам.Некоторыеплотины снабжали подъемным щитом-затвором, который спасал от весеннего
половодья. Без такого предохранительного устройства запруду весной прорывало, и
ее приходилось возводить заново.Набольших реках плотину строили при помощи ряжей. Из дубовых брёвен рубили срубы
с крепким полом. Такие бревенчатые коробки – ряжи – заполняли камнями, бутом,
валунами, и они опускались на дно реки. По мере погружения на сруб наращивали
новые венцы, и так вели до возвышения над водой. Угол ряжа ставили против
течения реки. Об него раскалывались льдины во время ледохода.
В старые времена сезонами работы мельника были осень (когда мололи свежесжатое
зерно) и весна. Мельник брал себе в качестве оплаты фиксированный объём зерна
из каждого мешка. При этом крестьянин мог оставить на мельнице часть своего
зерна и сверх этого объёма — эту долю мельник уже не имел права забрать себе,
её он распределял между, как бы сейчас сказали, социально незащищёнными
гражданами: одинокими стариками, вдовами, сиротами и т. п. Критериев
порядочности мельника было немало — например, приличный мельник должен был
железно соблюдать очередь: кто первый приехал — того зерно первым и молоть.
Если мельник начинал пропускать без очереди своих родственников, друзей-приятелей
или просто тех, кто побогаче — количество желающих приехать на его мельницу
постепенно сокращалось.Когдая разбиралась в принципах работы мельницы, то у меня возник такой вопрос: а как
мельницу остановить? Ведь явно, что долго работать вхолостую мельнице вредно:
жернова при этом изнашиваются. Ответ оказался прост: прекратить подачу воды на
водяное колесо. Делалось это двумя способами. Первый – выпустить воду в люк,
устроенный в дне жёлоба, идущего от пруда. Если крышку открыть, то вода хлынет в
пройму. Второй способ, когда хотят сохранить уровень пруда, желоб перекрывают
задвижкой – как бы его запруживают.
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Четверг, 30 Ноября 2023, 22:34 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Четверг, 30 Ноября 2023, 22:55 | Сообщение # 303 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Так что же происходит на нашей мельнице сейчас?
Мельник не пошел пасти козу :), мельник сейчас идет по плотине от левой мельницы к правой. Он уже открыл шлюзы левой мельницы, и по желобу уже побежал ручеек воды. Сейчас мельник закроет шлюзы холостого сброса воды, и бурный поток, который мы видим на картине, уменьшится, почти иссякнет. А дальше мельник пойдет к правой мельнице и откроет ее шлюзы, и вода ворвется в сухой пока желоб. Колеса закрутятся, и начнется работа!
А зачем у мельницы два колеса?
Наэтой мельнице можно одновременно выполнять разные виды работ, например,
в одной части с помощью одного колеса молоть зерно на муку, а в другой части
мельницы делать что-то другое (например, делать крупу из зерна (просо, гречиха
или овёс) – там установлен другой механизм, который не перетирает зерно, а
снимает с него оболочку; такие устройства назывались крупорушками). Также с
помощью второго колеса предприимчивый хозяин мог приспособить в мельничном
амбаре и толчею для толчения кудели, и сукновальню для валяния домотканого сукна,
и чесальный барабан для шерсти и т. д.
 
Победителями 8 этапа стала Наталья Шакина с правильным ответом на вторую часть вопроса (приз 50%)
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Четверг, 30 Ноября 2023, 22:58 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Пятница, 01 Декабря 2023, 22:51 | Сообщение # 304 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №9
ЭстЭ 161 Всадница
Что написано на ошейнике собаки?
Ура-ура! Как сегодня много участников! Какие замечательные рассказы! И ВСЕ (!) ответы – правильные!
Конечно, участники рассказали и о художнике, и о заказчице картины, и о моделях, и о самой картине.
Было высказано много различных спорных версий и точек зрения. Например о том, как именно написана фамилия на ошейнике (Самойло, Самойлова, Самойлофф), вышита эта надпись или выгравирована, является или нет Джованина дочерью Пачини, и даже разногласия о породе собаки. (Этого никто точно не скажет, ведь картина написана до начала разведения заводских пород. Первые породы регистрируются только во второй половине 19 века. До этого существуют региональные варианты, одних только спаниелей насчитывались "десятки отродьев")
Я обожаю Ваши комментарии и личностные отношения к вопросу!
Надежда говорит: Сколько же приходится перелопатить материалов ,чтобы ответить и на короткие ,и не очень короткие вопросы викторины!
Светлана вспоминает, что Репродукции картины в том или ином виде присутствовали у наших дедушек, бабушек, родителей.....
Инна восклицает: Я ооооочень ждала вопрос именно об этой картине, так как собственно с нее и началась моя многоцветная вышивка. Со Всадницей связаны лучшие воспоминания о моем детстве. У многих в памяти наверняка есть картины, репродукции которых висели на стенах дома, чаще всего, как и в моем случае у бабушки, в которых мы разглядывали каждую мелочь много лет подряд. Бабули нет уже 25 лет, дом был продан вместе с картиной, а Всадница до сих пор не оставляет меня равнодушной видимо из-за детских чувств и воспоминаний. Поэтому, когда после 20 лет вышивки небольших наборов я решила вышить шедевральную многоцветную картину, выбор сюжета для этой грандиозной работы был предопределен. Вышивала я эту работу более двух лет, разработана схема Голден Кайт, но в моих планах вышить ее и от Эстэ.
А Наталья – про собаку: Благодаря этой пометке собаку легко было бы вернуть владелице, если бы резвый спаниель решил сбежать из дворца-виллы графини на застроенной патрицианскими особняками улице Боргонуово, что на окраине Милана.
… Казалось бы, какая нам разница кто изображен на картине? Но бывают такие модели, жизнь которых или их взаимоотношения с художником не менее интересны, чем само произведение искусства. Одним из таких является «Всадница» Брюллова.
Поэтому я очень благодарна участницам, которые нашли и прислали интереснейший материал о художнике, заказчице, моделях и собственно картине. Чтобы не повторяться, я собрала все вместе, послушайте, и вы еще больше влюбитесь в Брюллова и его картины!
О ХУДОЖНИКЕ:
 
Карл Брюллов (при рождении и до 23 лет – Брюлло) родился в Петербурге 23 декабря 1799 года в семье скульптора французского происхождения Павла Брюлло.
В детстве Карл очень много болел. До 7–ми лет он почти не вставал с кровати. Отец с ранних лет обучал сына живописи, причем часто был излишне строг с ним. Карла Брюллова могли не пустить к обеденному столу, пока он не напишет нужное количество животных и человеческих фигур. За оплошности наказывали строго. Однажды отец так ударил ребенка, что Брюллов остался глухим на одно ухо на всю свою жизнь.Позже Брюллов вспоминал, что способность «опрятно рисовать» у него родилась благодаря детским упражнениям.
В 10 лет его без экзаменов зачислили в петербургскую Академию художеств. Он учился лучше своих сверстников и часто поправлял работы товарищей.Преподаватели рано позволили Брюллову писать собственные полотна, в то время как его сверстники еще копировали учительские картины
В качестве выпускной работы Брюллов в 1821 году создал «Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского».
За нее он получил Большую золотую медаль, а меценаты Общества поощрения художников назначили ему пенсионерскую поездку в Италию.
В 1822 году Карл Брюллов вместе с братом Александром отправился в Рим. (именно тогда он сменил фамилию с Брюлло на Броюллов по настоянию императора) Дорога в итальянскую столицу заняла почти год. По пути они останавливались в разных городах и изучали европейскую живопись и культуру.
В Рим Брюллов прибыл в мае 1823 года. Там он сразу взялся за парадные и камерные портреты. Брюллов писал акварелью, маслом, работал в технике простого рисунка и сепии. Кроме портретов Брюллов пробовал писать жанровые картины.
В 1823 году он написал «Итальянское утро» и отправил его в Россию.
Полотно понравилось меценатам Общества поощрения художников, и те подарили картину Александре Федоровне, супруге императора Николая I. Император пожаловал Брюллову бриллиантовый перстень и поручил написать парную картину. Так возникла вторая композиция — «Итальянский полдень».
В общей сложности Брюллов прожил в Италии 12 лет. Именно здесь Брюллов состоялся как художник, стал известным и популярным мастером.За это время он создал около 120 портретов, несколько автопортретов для Галереи Уффици во Флоренции.
Жизнь в Италии протекала бурно и весело. В Италии в 1827 году художник познакомился с русской аристократкой, графиней Юлией Павловной Самойловой (в девичестве – Пален), ставшей многолетней покровительницей, моделью, другом, возлюбленной художника.
В 1833 году Брюллов заканчивает картину «Последний день Помпеи»Свое самое знаменитое полотно Брюллов писал 6 лет.Картину выставляли на Парижском салоне в Лувре, после чего отправили в Петербург. Император Николай I, увидев ее, пригласил художника на личную встречу для вручения лаврового венка.
На родине картина выставлялась в Императорском Эрмитаже, затем в Академии художеств. Ее смогли увидеть не только представители русской знати, но и купцы, крупные ремесленники, мастеровые.
Уезжая из Италии, ему пришлось оставить там свою любовь – графиню Самойлову, которая также очень сильно любила художника. «Люблю тебя более, чем изъяснить умею, обнимаю тебя и до гроба буду душевно тебе привержена» ̶ из письма Ю.П. Самойловой Карлу Брюллову.
В России Карл Павлович Брюллов стал героем. Его встречали с цветами и ликованием. Но личная жизнь в России оставляла желать лучшего. Он влюбился в Эмилию Тимм, 18-летнюю виртуозную пианистку, и женился на ней. Уже через считанные недели брак распался, дав богатую почву для слухов о каждом из супругов, один отвратительнее другого. Громкий скандал сильно подпортил положение Брюллова при дворе и его репутацию в свете. В итоге потрясённый художник нашёл утешение в обществе графини Самойловой. После этого случая художник стал часто болеть, а особенно не давало ему покоя его больное сердце.
В 37 лет Брюллову было присвоено звание младшего профессора Академии художеств. В Академии он руководил классом исторической живописи.
В 1843 году Брюллов начал расписывать плафон купола только что построенного Исаакиевского собора.
Площадь сферического плафона составляла более 800 квадратных метров. Стоя на лесах, художник шутил: «Мне тесно! Я бы теперь расписал небо!» Из-за плохого состояния здоровья, Брюллов не смог закончить роспись Исаакия, по его эскизам роспись купола заканчивал художник Петр Басин.
В апреле 1849 года Карл Брюллов отправился на лечение за границу — на остров Мадейра, а затем в Италию, где и провел последние годы. Смерть наступила внезапно: 11 (23) июня 1852 года Карл Павлович отдыхал на минеральных водах в Манциано, в 40 км от Рима. Он чувствовал себя прекрасно, и после хорошего обеда курил сигару, когда последовал резкий приступ удушья. Через три часа великого живописца не стало. Ему было всего 53 года. Похоронен на римском протестантском кладбище Монте-Тестаччо.
Карл Брюллов – один самых знаменитых выпускников Академии художеств Российской империи. Яркий представитель позднего романтизма, Брюллов создал множество прекрасных картин, в том числе ряд портретов выдающихся людей своего времени.
Его художественному стилю были присущи теплые сочные тона, резкие контрасты, порою – трогательная женская нагота; он умел отразить в своих полотнах человеческие настроения, страхи и чувства.
Его называли Карл Великий за его живопись. По уровню живописи Карл Брюллов считал себя не ниже, чем Джотто и Леонардо да Винчи и другие мастера итальянского Возрождения.
Одним из жанров, которым прославился Карл Брюллов, была историческая картина.
Второй жанр, в котором он был успешен, были дамские портреты. На портретах Брюллова, ходили слухи среди дам, все получались прельстительными, поэтому дамы стояли в очереди, чтобы заказать портрет у Великого Карла.
Будучи ценителем женской красоты, Карл Брюллов умел в каждой модели найти что-то прекрасное и отличительное, индивидуальное и, в тоже время, настолько ее выделяющее красотой среди других светских дам. Он говторил: «Удержать лучшее лица и облагородить его — вот настоящее дело портретиста», Не удивительно, что дамы заказывали ему много портретов.
Художник создавал не простые парадные портреты – он сочетал их с сюжетной живописью. Получавшаяся в результате картина вызывала настоящий восторг и восхищение не только у людей, изображенных на картине и их знакомых, но и у настоящих знатоков изобразительного искусства.Брюллов много внимания уделял обстановке на портретах. И на многих его картинах мы можем увидеть, что почти одинаковое внимание оказано моделям и окружению вокруг них. И это тоже показывает, насколько он ценил красоту окружающего мира. Все фактуры тканей, фактуры камней, дерева, все передано со знанием дела и с большим мастерством реалистической живописи.
Брюллов и художники его времени очень старались показать как человек, человеческий разум способен к совершенству, в отличие от природных стихий, которые ведут себя открыто, эмоционально, но крайне неразумно.
Картина «Всадница» является квинтэссенцией стремления Карла Брюллова и его моделей быть запечатлёнными в веках в совершенном образе. «Всадница» представляет в наилучшем виде и сам жанр женского парадного портрета первой половины XIX века, и живописца Карла Павловича Брюллова.
Живописная картина «Всадница», которую Карл Брюллов написал во время пребывания в Италии, стала едва ли не самой загадочной в творчестве художника Картина была написана в 1832 году по просьбе графини Юлии Павловны Самойловой. Сам художник назвал свою работу «Джованин на лошади», в разное время ее называли «Всадница», «Наездница» или «Амазонка». Сейчас полное название картины звучит так: «Всадница. Портрет Джованнины и Амацилии Пачини, воспитанниц графини Ю.П. Самойловой»
Так выглядел Брюллов, когда писал «Всадницу»
Долгое время считалось, что на картине изображена сама Юлия Самойлова вобразе всадницы. Однако позже искусствоведам все же удалось доказать, что на картине – не сама графиня, а ее воспитанницы Джованина и Амацилия, а путаница возникла именно из-за надписи на ошейнике собаки «Samoylo » - намеке на фамилию заказчицы картины.
А моделями Брюллова стали воспитанницы Юлии Самойловой. Младшая из девочек - Амацилия была дочерью друга графини композитора Джованни Пачини, автора более 70 опер в том числе, оперы "Последний день Помпеи", одним из источников вдохновения Брюллова для написания его главного шедевра. Девочка родилась в 1828 году, после родов умерла ее мать и в дальнейшем она попала на попечение к Юлии Самойловой.
Джованина - старшая дочь композитора Пачини, сестра Амацилии. Есть альтернативная версия о личности Джованины, но достоверно известно, что она была на попечении у графини вместе с Амацилией.
Оригинальный масштаб картины – 291×206 см., для портрета полотно довольно крупное. Картина написана на стандартном холсте с помощью масляных красок.
Всадница совершает прогулку на резвом, холеном вороном коне в сопровождении своей собаки – спаниеля в красном ошейнике. Лошадь, вставшая на дыбы, придает картине динамики. Возвышенная красота, подчиняющая дикую силу, — популярный мотив романтизма. Художник подчеркивает контраст между хрупкостью наездницы и мощью коня. Стоящая рядом девочка завороженно смотрит на наездницу – возможно, ей тоже не терпится оказаться в седле. Дальний план полотна «Всадница» лишен четких деталей и выглядит немного размытым – по замыслу Брюллова, он не должен отвлекать внимания от изображенных в центре героинь. Картина отражает романтику молодости, энергии, легкости и цветущей прелести, воплощенной в юных и прекрасных героинях. Пейзаж на фоне здесь не играет большой роли – он нужен, чтобы уравновесить композицию «Всадницы» и сделать ее более живой и реалистичной. Практически все герои полотна находятся в движении: конь гарцует, девочка протягивает руку к наезднице, собаки обернулись к своим хозяйкам и готовы броситься с места в любой момент…
Необычно и цветовое решение этой картины – для передачи удивительной экспрессии, которой просто заряжен этот портрет, художник выбирает контрастные цвета, смело размещая рядом с блестящим вороным конем маленькую девочку в розовом платье, которое отлично гармонирует с бело-голубым нарядом юной всадницы, а кипенно-белые воротники подчеркивают свежесть юных лиц и блеск черных волос. Не менее яркими акцентами в композиции смотрятся изумрудная вуаль девушки на фоне тусклой листвы, и красная портьера на входе в дом. При этом ощущения перегруженности картины цветом вовсе не появляется – напротив, возникает восхищение гениальностью художника, столь мастерски точно подобравшего каждый мазок кисти.
В замысле художника счастливо соединились величавость парадного портрета и простота, поэтическая одухотворенность живых, непосредственных характеров двух героинь. Удивительный талант Брюллова позволил ему с помощью одной картины проявить себя, как искусного портретиста и великолепного пейзажиста – с одинаковым успехом он изображает и переживания людей, и реакцию животных, и волнение природы. Согнутые под порывом ветра стволы деревьев, экспрессия коня, передающего свое настроение взлохмаченному псу, восторженное и немного взволнованное лицо маленькой Амацилии, восхищённо наблюдающей за старшей девушкой с крыльца, прильнув к перилам, – все это служит обрамлением для спокойного изящества юной всадницы.
Девушка словно парит над лошадью, придерживая поводья кончиками пальцев, тогда как разгоряченный конь едва не встает на дыбы. Волнение резко осажденного скакуна, его беспокойство, готовность встать на дыбы, казалось, вынудили бы девушку натянуть поводья и наклониться. Всадница же Карла Брюллова на полотне демонстрирует безупречную осанку и спокойствие, ее лицо почти бесстрастно. Однако художник сделал так намеренно: ему важно было подчеркнуть, насколько ангелоподобная красавица превыше окружающей обстановки и несовершенства мира.
Брюллову удалось небольшое чудо - девочки как будто из золушек превратились в принцесс: он пишет их особенно нарядными, парадными. Старшая изображена в наряде холодных оттенков и это подчеркивает ее сдержанность, благовоспитанность, светскость и противоречит всей той бушующей природной стихии, которая вокруг нее – лошади, мятущемуся ветру, облакам на небе. Младшая же девочка изображена в платье теплого розового оттенка и это передает ее свежесть, естественность. И Карл Брюллов показывает нам, что оба типа красоты прекрасны.
Скромную воспитанницу графини Ю.Самойловой - Джованину, художник изобразил так, как до него изображали только прославленных полководцев или титулованных особ.
Картина необычайно динамична: прекрасно переданные ткани платья, живая, колышущуюся под ветром листва, мускулы лошади, переливающиеся под блестящей кожей. И все это написано очень живо и реалистично. И только фигура всадницы, по мнению Манина, «вне движения физического и вне движения духовного».
Зрители восхищались возвышенной красотой наездницы, называя девушку летящим ангелом
Тем не менее, «Всадницу» Карла Брюллова ожидала и жесткая критика: Критики указывали, что безмятежное выражение лица и статичная поза всадницы не соответствуют ситуации, в которой героиня показана. Они находили это неестественным: слишком резко невозмутимость всадницы контрастирует с взбудораженным состоянием коня. В появившейся в том же году статье, приписываемой Амбриозоди, говорилось: «Если что-нибудь может показаться невероятным, так это то, что прекрасная наездница или не замечает бешенность движений лошади, или, от излишней уверенности в себе, совсем не затягивает узды и не нагибается к ней, как, быть может, было бы нужно».Многие исследователи указывают также на разное направление ветра. Вуаль от ветра развивается вправо, а деревья на заднем плане показывают ветер влево. И при этом локоны волос наездницы вообще висят неподвижно, как если бы никакого ветра не было.
  
 
Но, несмотря на критику «Всадницы» или восхищение ею, полотно признано гениальным и вошло в летопись мирового искусства как непревзойдённый шедевр.
Время показало, что более верна другая рецензия в в итальянской газете в 1832 год: «Русский живописец Карл Брюллов написал портрет в натуральную величину девушки на коне и другой девочки, которая на неё смотрит. Мы не припоминаем, чтобы видели до этого конный портрет, задуманный и исполненный с таким мастерством. Конь… прекрасно нарисованный и поставленный, движется, горячится, фыркает, ржёт. Девушка, которая сидит на нём, это летящий ангелочек. Художник преодолел все трудности как подлинный мастер: его кисть скользит свободно, плавно, без запинок, без напряжения; умело, с пониманием большого художника, распределяя свет, он знает, как его ослабить или усилить. Этот портрет выявляет в нём многообещающего живописца и, что ещё важнее, живописца, отмеченного гением»
И еще, что «работа живописца превзошла все ожидания, а его стиль и мастерство ожно сравнить с легендарным Рубенсом».
Всадница» отражает эволюцию романтического стиля автора и достижения его реалистичной техники, чётко вырисовывающей мельчайшие детали композиции. Когда была создана «Всадница», Карлу Брюллову исполнилось тридцать три года. Впереди был триумф «Помпеи», серия знаменитых портретов современников, дружба с Пушкиным, Глинкой. Впереди была целая жизнь…
… Картина Карла Брюллова «Наездница» более 40 лет хранилась у Юлии Самойловой. Лишь после того, как графиня окончательно разорилась и лишилась всего, она вынуждена была ее продать, а в конце XIX века полотно приобрел Павел Третьяков. Картина хранится в Третьяковской галерее в Москве.
О САМОЙОВОЙ:
Но, узнав все это, нам ведь не терпится поскорее узнать, кто ж такая эта загадочная графиня Юлия Самойлова?
Графиня Юлия Павловна Самойлова блистала в высшем свете России и Италии в первой половине 19 векаОна была наследницей рода Скавронских, Пален, Литто и Висконти — богатейших домов Российской империи и Италии, и была наследницей огромного состояния.
Обладательница независимого, свободолюбивого и даже взбалмошного характера, Самойлова нередко раздражала петербуржское общество. В конце концов концов император Николай I выразил желание, чтобы графиня удалилась от двора и не посещала обе столицы.
Подчинившись воле императора Самойлова переезжает в Италию, на Миланскую виллу, которая изображена на картине «Всадница».
Одним из ее гостей оказался петербуржский живописец Карл Брюллов.
Самойлова была страстной натурой, ей претили любые ограничения и запреты. Это и покорило художника, который восхитился не только её темпераментом, но и красотой.
 
Юлия Павловна влюблялась часто, что не вызывало одобрния у почтенных дам. Впрочем, Самойловой было все равно, что о ней говорят за глаза, и ей даже нравилось, что ее сумасбродство считают возмутительным.
Вызовом обществу было и то, что объектами ее страсти становились исключительно люди творческих профессий: оперные певцы, актеры. композиторы, художники, то есть незнатные. а чаще всего и бедные. Графиня Самойлова их щедро поддерживала, но роль мецената ее в полной мере не удовлетворяла. Ее душа жаждала восторга и преклонения перед настоящим гением. Юлия Павловна полагала своим предназначением бросить свою жизнь и всю свою аристократическую гордость к ногам того, кто ниже ее по происхождению, но много выше по дарованиям.
В лице Карла Брюллова она нашла тот идеал, о котором мечтала. Ведь он и в самом деле был не просто талантлив: он был гением. Настолько погруженным в творчество, что все, не имевшее отношение к живописи, воспринимал как досадную помеху, препятствие на пути к главному - к холсту и кисти. Он бы, вероятно, и не заметил прекрасную графиню, если бы Юлия Павловна не явила собой тот идеал красоты, который Брюллов создал в своем воображении и воплощал на полотнах, не надеясь увидеть во плоти.
Брюллов писал портреты графини Самойловой неоднократно, и на всех картинах чувствуется его теплое отношение к позирующей. А. Бенуа писал: «Вероятно, благодаря особенному его отношению к изображаемому лицу, ему удалось выразить столько огня и страсти, что при взгляде на них сразу становится ясной вся сатанинская прелесть его модели...».
Она познакомила художника с многими представителями высшего общества в Риме, от них Брюллов получал заказы на дорогостоящие парадные портреты.
Современники восхищались ею, отдавая дань её красоте. Так, например, описывал графиню Юлию Павловну Николай Гоголь: «Она — не женщина Рафаэля, с тонкими, незаметными, ангельскими чертами, — она женщина страстная, сверкающая, южная, италианская во всей красоте полудня, мощная, крепкая, пылающая всей роскошью страсти, всем могуществом красоты..».
На красоту, стать и неординарное поведение Юлии Павловны отреагировал и Пушкин:
Ей нет соперниц, нет подруг,
Красавиц наших бледный круг
В её сиянье исчезает...
Исследователи творчества Карла Павловича Брюллова отмечают сходство темпераментов художника и графини Самойловой. Они были похожи как брат с сестрой. По иронии судьбы, даже их отчества совпадали.
Среди итальянских друзей графини был композитор Джованни Пачини, автор оперы «Последний день Помпеи». Когда он овдовел, заботу о двух его дочерях- старшей Джованнини и младшей Амацилии взяла на себя Самойлова. Этих девочек, воспитанниц графини и изобразил Карл Брюллов на парадном конном портрете в 1832 г.
Летом они вместе путешествовали по Италии и бродили среди руин Помпеи, где и зародился замысел прославившего мастера полотна.
В 1827 году Брюллов начал работу над одним из своих масштабных произведений — «Последний день Помпеи».
Графиня вызвалась позировать ему. И на полотне её образ запечатлён трижды: в роли женщины, укрывающей дочерей в левом нижнем углу картины; матери, с младенцем на руках и девушки с кувшином над головой, стоящей рядом с самим художником.
Карла Брюллова графиня называла «своим драгоценным Бришкой», которого так любила и которым восхищалась, как одним из величайших когда-либо существовавших гениев. Они расстались в 1845 г. После того художник прожил 7 лет. Графиня Самойлова еще дважды выходила замуж, денег она считать не привыкла и со временем от ее некогда огромного состояния почти ничего не осталось. Юлия Павловна Самойлова пережила Брюллова почти на четверть века, а незадолго до своей смерти в 1872 г вынуждена была продать его картины, которые хранила , как реликвию.
И прежде чем объявить победителя хочу прочитать стихотворение Всеволода Александровича Рождественского, которое напомнила нам Наталья Килина:
ВСАДНИЦА
Ловя восторженные взгляды,
Вуаль небрежно отклоня,
Она, царица кавалькады,
Уздою вздернула коня.
И вот строптиво и сердито
В сверканье бляшек и колец
Взметнул точеные копыта
Гнедой атласный жеребец.
Он весь – строфа стихотворенья,
Дань романтической мечты,
Сдержал порыв и нетерпенье,
Смиренный властью красоты.
Великий праздник светотени –
Брюлловской кисти полотно,
В нем все условно, как на сцене,
И тайной прелести полно.
Не все ль равно, кто был моделью
Для амазонки прежних лет,
Кому польстил, с какою целью
Волшебно созданный портрет.
Пусть переливчато струится
Отважной всадницы атлас,
А эта юность вечно длится
И веет свежестью на нас!
А победителем мы выбрали Надежду Афанасьеву (она прислала свой ответ, а потом не выдержала, и прислала еще подробный рассказ о графине Самойловой, который мы также использовали в рассказе).
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Пятница, 01 Декабря 2023, 23:19 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Пятница, 01 Декабря 2023, 23:17 | Сообщение # 305 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| ну и P.S. от Натальи Шакиной:
PS. Позволю себе изложить далее некоторую информацию, которую мне удалось найти о судьбе юных героинь картины.
У Брюллова есть еще два изображения юной Джованнины:
 
Портрет Джованнины Пачини, 1831 Портрет графини Ю. П. Самойловой с воспитанницей Джованниной Пачини и арапчонком, 1834.
В одной итальянской публикации есть ссылка на заверенную неаполитанским нотариусом дарственную, по которой дом Самойловой в Милане должен был перейти после её смерти «сироте Джованнине Кармине Бертолотти, дочери покойного дона Джероламо и госпожи Клементины Перри», которую русская графиня «взяла к себе».
Исходя из того, что девичья фамилия матери сироты та же, что и второго мужа Самойловой — оперного певца Перри, было высказано предположение, что Джованнина была его племянницей.
Когда Джованнина выходила замуж за австрийского офицера, капитана гусарского полка Людвига Ашбаха, Самойлова обещала выделить ей сверх дорогого свадебного наряда и набора личных вещей приданое в сумме 250 тыс. лир под гарантию миланского дома. Согласно нотариального акта, он должен был перейти в её собственность после смерти дарительницы, но который так ей и не достался.
Да и с получением денег возникли трудности. Джованнине пришлось искать адвоката для достижения «соглашения с мамой» о переводе обещанной суммы в Прагу, куда она переехала со своим гусаром. Злого умысла со стороны Самойловой в этом быть не могло. Даже недоброжелательно настроенные к графине за проавстрийские симпатии итальянские авторы признавали за ней необыкновенную щедрость. Но при её широком образе жизни она часто испытывала недостаток в наличных средствах, которые поступали из многочисленных поместий в России.
Что касается Амацилии, то она родилась в 1828 году. Ее появление на свет стоило жизни её матери. Пачини в упоминавшейся автобиографической книге «Мои артистические воспоминания» писал: «В то время… меня постигло большое несчастье — через три дня после родов умерла моя ангельская жена». Когда Самойлова взяла Амацилию на воспитание точно неизвестно, но, судя по картине «Всадница», написанной в 1832 году, уже четырехлетней она жила у нее.
Затем Брюллов написал девочку в одиннадцатилетнем возрасте на портрете «Портрет графини Ю. П. Самойловой, удаляющейся с бала…».
Портрет графини Юлии Павловны Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью АмацилиейПачини, 1842
Тогда Амацилия написала отцу из Петербурга: «Если бы, дорогой папа, ты видел этот город, как он красив! Все эти улицы такие чистые, что ходить по ним настоящее удовольствие. Мама всё время возит меня смотреть окрестности. О театрах ничего не могу тебе сказать, потому что они закрыты из-за смерти короля Пруссии, но скоро они снова откроются, и тогда я сообщу подробности…».
В 1845 году, в возрасте 17 лет, Амацилия вышла замуж за некоего Акилле Манара. Поначалу семейное счастье Амацилии было полным, но со временем супруги разъехались. В письмах отцу она горько жаловалась на одиночество, на то, что у неё нет детей.
В 1861 году её муж умер, оставив вдову без средств, поскольку, как она писала, покойный «тратил и тратил». Один французский мемуарист вспоминал, как в Париже в годы империи Наполеона III графиня Самойлова, по третьему мужу графиня де Морнэ, старалась «запустить в свет хорошенькую госпожу Манара».
Амацилия вторично вышла замуж за французского генерала де ла РошБуетт. Но затем, оставшись снова вдовой, ей пришлось вернуться в Милан, где она и провела последние годы жизни в доме для престарелых при монастыре.
По иронии судьбы приют находился неподалеку от бывшего дома Самойловой, который графиня когда-то обещала завещать не только Джованнине, но и Амацилии. Умерла Амацилия в очень преклонном возрасте незадолго до начала первой мировой войны.
PPS.
Еще одна история, связанная с тем, за кого принимали прекрасную «Всадницу».
В 1975 году знаменитый оперный театр «Ла Скала» выпустил книгу, которая посвящалась выдающимся певцам, чьи голоса звучали с его сцены. Картину «Всадница» в этом издании представили как «Романтический портрет Малибран» из Театрального музея «Ла Скала».
Марию ФелиситуМалибран-Гарсия, сестру Полины Виардо, называют одной из самых ярких легенд в истории оперного искусства. Певица владела дивным голосом, обладала горячим темпераментом и имела великий дар актёрского перевоплощения. Кроме того, у неё была внешность, соответствовавшая романтическому канону. Стройная фигура, бледное лицо, иссиня-черные волосы и большие сверкающие глаза. Ею восхищались Россини, Доницетти, Беллини, Шопен, Мендельсон, Лист, Готье, Брюллов, посвящали стихи Мюссе и Ламартин. И это именно её образ вошёл в роман Жорж Санд «Консуэло».
Страстная любительница верховой езды, Мария Малибран скончалась от ушибов, полученных при падении с лошади. Ей было всего двадцать восемь лет. Безвременная кончина закрепила родившуюся ещё при жизни певицы легенду: один миланский адвокат, подаривший Театральному музею «Ла Скала» гравюру с картины «Всадница», посчитал, что на ней изображена Мария Малибран.
Директор Театрального музея профессор ДжанпьероТинтори напрочь опроверг это предположение после посещения Третьяковской галереи. Он, в частности, сказал: «…светловолосая всадница (в жизни Джованнина была рыженькой) не может изображать жгучую брюнетку Малибран. Я говорил об этом тем, кто подбирал иллюстрации для книги, но они лишь добавили к слову «портрет» эпитет «романтический», то есть представили картину как некую фантазию на тему увлечения певицы верховой ездой».
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Пятница, 01 Декабря 2023, 23:47 | Сообщение # 306 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №10
102 Мушкетеры
Какой рукой дАртаньян нажимает на курок мушкета? И…. что-то тут не то?...
Ооооооо! Знатоков военного дела среди вышивальщиц оказалось еще меньше, чем технарей :))) .. не порядок… надо как-то привлекать товарищей к вышивальному делу! :))
Но ответы, хоть редкие, зато опять меткие! Так много полезной и интересной информации!
О ХУДОЖНИКЕ:
...Странно, но не сохранилось ни одного портрета или фотографии Лесреля.
Адольф Александр Лесрель (1839-1929)90л 19-20в - выдающийся французский живописец, один из главных представителей историзма в живописи.
Адольф-Александр Лесрель родился 19 мая 1839 года в небольшой деревушке Жене вблизи от таинственного романтического острова-аббатства Мон-Сент-Мишель.
Может быть поэтому, будучи сыном землевладельцев, Лесрель с ранних лет он мечтал о творческой карьере.В возрасте 22 лет Адольф-Александр поступает в Школу изящных искусств в Париже. Он хотел стать историком, пишущим сцены из Древней Греции и Рима, но в процессе обучения он открывает для себя жанрово-историческое направление. С этим связана и художественная манера Лесреля: тщательно прописанные детали картины, бытовые сюжеты, богатая и насыщенная цветовая гамма. Лесрель разработал стиль, который сочетает в себе внимание к деталям с блестящей техникой и чувством цвета.Именно историческая тема принесла ему признание и экономическую безопасность на долгие годы.
В картине Лесреля«Флирт на городской площади», написанной в 1873 году, сюжет романтической встречи рыжеволосой девушки и лихого молодого трубадура. Возможно, картина отражает и личную жизнь художника в этот период. В 1872 г. он женился на Жозефине Летанг, которая была одной из его натурщиц. Молодожены поселились в Париже, у них родились две дочери - Марта-Тереза (будущая мадам Хюзе (Heuzé)) и Жанна (будущая мадам Фонтэн (Fontaine), которые иногда позировали для картин своего отца.
«Флирт на городской площади», А.-А. Лесрель, 1873
На протяжении всей своей карьеры Лесрель выставлял одну-две картины в ежегодном Салоне, а в 1885 г. стал членом Общества французских художников. Его работыполучали благожелательные отзывы критиков и количество заказов художнику увеличилось. 1890 году Лесрель становится Членом-корреспондентом Национального общества изящных искусств.
В этот периодЛесрель стал уделять больше внимания историческим жанровым картинам, в первую очередь сценам времен короля Людовика XIII (1601-1643) - блистательному XVII веку. Его картины — это романтические жанровые сцены, относящиеся к светской жизни XVII столетия. Костюмы, платья, предметы искусства, мебель были подробно изучены художником, чтобы в дальнейшем отобразить их с исторической точностью. Сложные многофигурные композиции и бытовые детали картин художника прописаны так тщательно и подробно, что возникает чувство личного присутствия и участия в изображаемых художником событиях.В отличие от средневековых полотен прежних времен, Лесрель изображал утонченных джентльменов, занятых интеллектуальными занятиями, такими как коллекционирование произведений искусства, архитектурное проектирование, шахматная игра, музыкальные вечера и употребление изысканных вин. Женщин на этих картинах очень мало, а обстановка почти всегда представляет собой некий домашний интерьер.
Картины Лесреля создают не столько образ «мушкетера», сколько образ щеголеватого, городского мужчины, хорошо образованного, культурно искушенного и безупречно одетого.Несмотря на то, что в этих полотнах часто присутствует сдержанный юмор, они, по-видимому, пришлись по душе коллекционерам, которые считали себя современными аналогами тех, кто изображен на картинах XVII века. Работы Лесреля находили радушную аудиторию как в Лондоне, так и в США.
В 1907 г. Лесрель покинул Париж и вернулся в свой родной городок Жене. Ему было уже 68 лет, и он просто надеялся на спокойную жизнь у моря. Эта мирная жизнь была нарушена семь лет спустя началом Первой мировой войны в 1914 году. Хотя Жене расположен далеко к западу от мест боевых действий, был неспокойный периоддля человека, которому было уже за семьдесят.Известно, что в последние годы своей жизни художник много болел и мало писал.
Лесрель пережил ужасы Первой мировой войны, скончался он в родном Жене 25 февраля 1929 г., за два месяца до своего 90-летия. Там же его и похоронили.
****************************************************************************************************************************************************
... У нас в этот раз также два победителя. И пусть они сами скажут, каким трудом им даются победы:
Наталья Шакина: «Увидев, по какой картине вопрос задан в этот раз, я подумала: «Ну, вот, про это я вообще ничего не знаю; книгу Дюма не читала, хотя советский музыкальный фильм с М. Боярским, конечно, смотрела… Что я смогу ответить? Просто попробовать поиграть в “угадайку”? Да и вообще: какие же это мушкетёры?! Разве мушкетёры – такие?! Где же их синие плащи с крестами, как в фильме? Где шпаги? Это какие-то богатые французские дворяне за столом…» Но всё же решила поискать информацию про художника и про тему картины и… как всегда, увлеклась! Для того чтобы подготовить короткие ответы на «военные вопросы» (в которых я не сильна), нужно было изучить очень много информации, помощь в поиске которой мне оказали даже мои родственники, которым тоже стало интересно»
Наталья Килина:Во-первых, хочется сказать «Браво» за такие замечательные вопросы викторины. На самом деле, отвечая на них, стараешься найти и изучить информацию из разных источников настолько досконально, насколько это возможно. Еще чуть-чуть и вышивальщицы будут разбираться не только в каунте канвы, иглах, пяльцах, рамах, станках, в видах стежков и техниках вышивания, но и во многом другом, что напрямую не касается столь мирного хобби. Мы уже приобрели знания о голландской архитектуре, о животных, о механизмах и устройстве мельниц и т.д. А знакомство с художниками, с их историей жизни и творчества по-новому открывает восприятие их полотен. Теперь же добрались до военного ремесла, да еще и XVII века. Интересно, что же еще будет дальше?
Ну и прежде чем перейти к ответам –стихотвтрение от Натальи Килиной, которое она нашла в интернете, автор Верлухин. Имя, увы, не указано.
Песенка мушкетеров.
Неважно когда, при каком короле
Живешь ты. Лишь жил бы по чести.
Неважно какое вино на столе,
Коль пьешь ты его с другом вместе.
Неважен покрой и рисунок плаща,
Когда перед схваткой он сброшен.
И если мы выход нашли сообща -
Неважно кем был он предложен.
Неважно, что женщин непросто любить.
Люби - и любим будешь вечно.
Неважно, что трудно без денег прожить.
Потрать их легко и беспечно.
Неважно, что чаще ночуешь в стогу,
Чем дома на мягкой перине.
Дремать на скаку и жевать на бегу
К лицу молодому мужчине.
Неважно, что враг превосходит числом -
Ведь друг твой сражается рядом.
Неважно, что шрамы своим ремеслом
Нам проще добыть, чем награды.
Неважно, что вечно мундир твой в пыли -
Лишь не заржавела бы шпага.
Неважно, что славу пожнут короли -
С тобой остается отвага.
А важно другое, поверьте, месье,
Поверьте, мадам, бросьте споры.
Назло кардиналам всегда и везде
На свете живут мушкетеры.
Ответы Натальи Килиной:
Вопрос: Какой рукой д'Артаньян нажимает на курок мушкета?
Попробуем порассуждать. На картине «Мушкетеры» мы наблюдаем динамичную сцену:
д'Артаньян рассказывает что-то интересное своим сотоварищам, а они очень внимательно его слушают. При этом рассказ сопровождается жестикуляцией. Активно задействована правая рука, а это значит, что именно она является его рабочей рукой. Стоит обратить внимание, что перевязь с мешочками с порохом перекинута через левое плечо. При перезарядке мушкета д'Артаньян будет держать его в левой руке, а с помощью правой руки засыпать порох через дуло. Остальные манипуляции деревянным или железным шомполом также будут выполняться правой рукой.
Мушкет тяжелое (8- 10 кг) и длинное (до 1400 мм) стрелковое оружие. Значит при стрельбе д'Артаньян будет использовать специальную сошку — одноупорную металлическую или деревянную подставку с развилкой наверху. Это приспособление, придающее устойчивое положение мушкету при стрельбе. Так вот, левой рукой он будет держать сошку, а в правой — мушкет. Поскольку при стрельбе из мушкета (как, впрочем, и из любого другого оружия, имеющего приклад) будет очень сильная отдача, то его необходимо прижимать как можно плотнее к плечу. В данном случае именно к правому. Чтобы не получить травму и для смягчения отдачи при стрельбе имелась специальная подушка для плеча, которую мушкетер оденет на правое плечо, и в нее будет упираться приклад мушкета. Учитывая вышеизложенное, делаем вывод что д'Артаньян именно правой рукой нажимает на курок мушкета.
Кстати, Атос и Арамис- левши — кубок вина и трубку они держат в левой руке, а перевязь проходит через правое плечо.
Вопрос: И... что-то тут не то...?
Если считать, что наши мушкетеры собираются воевать, то, конечно же, многие детали могут смущать при взгляде на картину.
1. Первое, что бросается в глаза - это отсутствие казакинов у всех мушкетеров, кроме д'Артаньяна (правда казакин у него почему-то красного цвета. Красный цвет присущ гвардейцам кардинала). У мушкетеров была собственная форма или точнее элемент формы, знаменитый лазоревый (расцветка меняется от голубого до фиолетового) плащ с крестом. Казакин (плащ) не только обозначал принадлежность к подразделению, но и должен был скрывать кирасу, которую надевать мушкетеры не любили даже в бою, а также прятать повседневную одежду. Это была единственная часть экипировки, которую мушкетеру предоставляло государство (ну и, конечно, мушкет).
2. Смущает отсутствие шпаг. Шпага была обычным холодным оружием, которое использовалось в пешем бою. В конном бою использовался палаш. Вообще все вооружение мушкетера состояло из: мушкета, шпаги и палаша, даги (кинжал с трехгранным лезвием, который использовался как вспомогательное оружие для левой руки) и пары пистолетов. Из всего выше перечисленного мы видим на картине только мушкет и все, что необходимо для стрельбы из него (хотя сошка тоже отсутствует).
3. На картине также не изображены перчатки, которые изготовлялись из замши. Мушкетер их носил практически постоянно, не снимая их ни в бою, ни в строю, ни во время несения караула во дворце.
4. Что касается головного убора, мы привыкли видеть широкополые шляпы, украшенные большим пером или плюмажами белого цвета. А на картине явно заметно их отсутствие на шляпах. Это довольно непривычно. Шляпа мушкетера изготавливалась из фетра. Внутри она имела металлическую чашку, которая не только придавала форму, но и служила защитой для головы по типу каски в боевых условиях. Видимо поэтому мушкетеры не любили кирасы, считая, что шляпа может их защитить. Также, как и перчатки, мушкетеры не снимали шляпы ни в помещении, ни за столом, ни в бою. Была единственная причина, по которой мушкетер мог снять шляпу, это присутствие дамы.
5. У всех героев на картине довольно короткие стрижки. Длинные волосы были не ради красоты и не являлись только данью моде. В волосы вплетались ремешки из сыромятной кожи. Наряду с широкополыми шляпами и широкими воротничками это служило в первую очередь для того, чтобы защитить шею от рубящего удара шпаги или сабли неприятеля.
Ответы Натальи Шакиной:
В оригинале картина называется Musketeer'sTale («Рассказ мушкетера»), она написана в 1897 году.
Первая часть вопроса: «Какой рукой Д’Артаньян нажимает на курок мушкета?»
Мой ответ:Мушкетер на этой картине А.-А. Лесреля, которого Вы назвали условно «Д’Артаньяном», будет нажимать на курок мушкета правой рукой. Такой вывод я делаю и-за того, что перевязь у него надета через левое плечо. Тогда как у «Атоса» и «Арамиса» перевязи надеты через правое плечо, из чего я делаю заключение, что они оба левши; в подтверждение этой версии, на мой взгляд, говорит то, что Атос держит трубку левой рукой, а Арамис держит бокал левой рукой.
Вот как выглядел порядок действий при стрельбе из мушкета: мушкет в левой руке, правой рукой насыпать порох в ствол, умять шомполом, отправить туда же пулю, пыж и утрамбовать. Высыпать пороха на затравочную полку, вставить фитиль, взвести курок (ПРАВОЙ РУКОЙ, ЕСЛИ СТРЕЛОК ПРАВША) и установить заряженный мушкет на подставку.
 
На приведенных иллюстрациях видно, что и мушкетер, и русский стрелец из пищали (оружие, сходное по принципу действия с мушкетом) имеют перевязь с пороховыми футлярами через левое плечо, при этом приклад держат на правом плече и на курок нажимают правой рукой. Значит, так же действует и наш Д’Артаньян с картины Лесреля.
Вторая часть вопроса: «Что-то тут не то... Как вы думаете, они уже в полной амуниции и готовы воевать?»
Мой ответ: Нет, думаю, что мушкетеры пока не в полной амуниции и еще не готовы воевать. Дело в том, что на них не надеты отличительные голубые плащи, показывающие принадлежность к королевским мушкетерам. А также у них нет никакого холодного оружия: шпаг или другого необходимого оружия (только у Атоса видна рукоятка какого-то короткого меча (тут я немножко не е соглашусь: то, что Вы приняли за рукоятку меча – это носик пороховницы, сделанной из гнутого рога)
А вообще-то, рассматривая картины Леслера, мне кажется, что Адольф-Александр, при всей его скрупулезной точности в написании деталей, не так уж въедливо относился к изучению военной науки VII века, как это делаем сейчас мы с вами, и его не очень заботило, какой рукой мушкетер будет нажимать на курок, через какое плечо у него перевязь с патронами, почему он забыл шпагу и зачем надел ботфорты на музыкальный вечер… Так было красиво!
Два Сертификата разлетелись к двум Натальям!
 
 
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Суббота, 02 Декабря 2023, 00:40 | Сообщение # 307 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| … и еще огромный том информации от Натальи об истории мушкетеров, их одежде, оружии, не особо богатой жизни, о первых русских «мушкетерах» и даже о… бутылках! Все это очень интересно, почитайте, если вам интересно, Знаем ли мы, Что вышиваем? :))
Благодаря замечательному писателю Александру Дюма, королевские мушкетёры Франции всемирно известны, но вместе с тем окутаны нескончаемым количеством штампов и мифов, происходящих из весьма неисторичных экранизаций, уже переваливших за сотню. Тем не менее, история рот королевских мушкетёров гораздо более интересна, чем любые телесериалы и полнометражные фильмы.
Оказывается, мушкетеров в армиях XVIIвека было немало; так назывались все солдаты, вооруженные мушкетами (об этом виде оружия чуть позже). Как отмечает французский историк Жан-КристианПтифис, «вооружённые мушкетами солдаты в XVI веке тоже именовались так». То есть, в общем и целом это род пехоты, вооружённый передовым в то время оружием — огнестрельным. Мушкетёры служили не только во французской армии. Вооружены были мушкетами армии на севере Индии, в мусульманском Сефемидском государстве и, конечно, во всех европейских странах. Как правило, в бою мушкетёры стреляли медленно, очень тщательно целясь, словно снайперы: одна пуля — один человек должен упасть замертво.А вот у королевских мушкетеров была своя узкая и очень почётная роль (я думаю, что на вышиваемой нами картине Лесреля изображены именно королевские мушкетеры).
История подразделений королевских мушкетеров началась задолго до XVII века и восходит ко временам описанным другим великим писателем Вальтером Скоттом в историческом романе «Квентин Дорвард». В 1445 году Карл VII обзавёлся личной охраной, состоявшей из сотни стрелков-шотландцев, личная охрана короля менялась со временем, и в 1593 году в составе охраны появилась рота лёгкой кавалерии (карабинеров). Французский король Людовик XIII имел все основания беспокоиться за свою жизнь при дальних выездах. На королевский трон во Франции постоянно поглядывали разного рода герцоги — они ведь тоже были королевской крови. Людовик хотел быть уверенным, что выезд из дворца не обернётся несчастным случаем на охоте, когда сразу несколько охотников разрядили карабины в короля. И вот Людовик XIII, любивший военное дело, в 1622 году перевооружил отряд карабинеров мушкетами, и он стал ротой конных мушкетёров, выделившейся с 1629 года в самостоятельное подразделение. Этот год можно считать годом образования роты королевских мушкетёров, знакомых всем по книгам и фильмам.
Памятник Д’Артаньяну в Париже
Вот, что писал один из первых мушкетеров г-н де Пюисегюр о формировании роты: «..Его Величество перевел меня в мушкетеры по той причине, что я смелый воин, известный славными свершениями. Он пожелал сформировать роту из одних лишь дворянских представителей, лично отобранных из гвардии. Также в роту войдут отдельные солдаты, дослужившихся до офицерови имеющих большой опыт за спиной...».
По сути своей королевские мушкетёры в начале являлись внешней охраной дворца и обязаны были сопровождать монарха в любых поездках вне дворца. Эта служба требовала не только мгновенно вставать на защиту своего короля, но и соблюдать определённый протокол. А всё потому, что мушкетёры входили в ближний королевский круг. Так что нет ничего удивительного в том, что королевские мушкетеры ходили в Лувр, словно к себе домой. Там, по сути, и был их второй дом.
Поэтому вполне вероятно, прибавлю я от себя, что герои нашей картины находятся в одной из комнат Лувра, а здание, которое видно из окна, это просто другое крыло королевского дворца (это, конечно, просто мое допущение). Хотя с другой стороны не исключено, что наши мушкетеры находятся в одном из двух мушкетёрских отелей При каждом таком «отеле» были, кроме конюшен, еще и площадки для конных занятий и для парадов. Так что, кроме охраны королевского двора теперь мушкетеры ежедневно должны были выделять наряд из четырех солдат под командой сержанта для охраны «отеля» и конюшни.
По статусу королевские мушкетеры находились ниже личной охраны короля, однако набирались исключительно из гвардейских частей, куда попадали только беспорочные дворяне с 200-летней историей рода. Переход в мушкетёры считался значительным повышением.От них требовалась идеальная физическая форма и бесконечная преданность королю.Королевские мушкетёры должны были метко стрелять, отлично фехтовать и быть абсолютно бесстрашными.Именно по этим критериям в королевские мушкетёры отбирали, во-первых, очень молодых дворян, во-вторых, из очень хороших, зарекомендовавших себя как всегда хранивших свою честь и преданностью королю семей, в-третьих, лучше с окраин — амбициозность и отсутствие связей со знатью центральной Франции были лучшей рекомендацией того, что мушкетёры на службе будут из кожи вон лезть. Именно потому и де Тревиль, и Д’Артаньян, и как минимум два из трёх мушкетёров известного романа А. Дюма — гасконцы, по нашим меркам это, как если бы покорять столицу времён Российской империи приехали уроженцы, например, казачьей Кубани или грузинские князья.
Те из королевских мушкетеров, кто не находились на полях сражений, несли службу во дворце — даже в случае войны при короле оставалось по 100 мушкетёров от каждой роты. Они несли караул, охраняли знамёна и дежурили в королевских конюшнях.За верную службу король платил своим мушкетёрам жалование, но более чем скромное. Рядовой получал, к примеру, порядка 300 ливров в год, примерно столько же, сколько зарабатывал обычный извозчик.
Как понятно из названия, мушкетёр должен был пользоваться, прежде всего, мушкетом, то есть дульнозарядным длинноствольным стрелковым оружием, это единственное из вооружения, что давалось королём, остальное вооружение и снаряжение, коня и слугу (также обязательного для военных нужд)мушкетёр должен был приобретать сам (по другим источникам плащ мушкетера также выдавался). Недаром в 1740 году командование рекомендовало кандидатам в мушкетеры иметь личный годовой доход не менее 1500 фунтов, да еще быть готовыми изначально потратить такую же сумму на приобретение всего необходимого при поступлении в роту. Заявки на прием в мушкетеры кандидатур, неспособных на такие траты, даже не рассматривались.
Мушкет - тяжёлое (до 9 кг) и длинное (до 1400 мм) стрелковое оружие. Этот громоздкий предшественник винтовки приводился в действие кремневым замком или, как пушка, зажженным фитилем. В обоих случаях стрельба была делом сложным: дуло мушкета требовалось устанавливать на специальную сошку (подставку в виде рогатины), что позволяло хоть как-то прицелиться. Приклад мушкета располагался на специальной подушечке на плече. Не в последнюю очередь именно из-за этого каждого мушкетера должен был сопровождать слуга, который носил подставку, запас пороха и всевозможные приспособления для чистки капризного оружия. О кучности и точности боя говорить не приходится, они компенсировались залповым огнём и калибром – на расстоянии 200 м мушкетная пуля пробивала кирасу (нательное защитное снаряжение, закрывавшее грудь и спину воина); индивидуальную цель можно было поражать на расстоянии до 50 м.
Замки на мушкете были, как правило, фитильными; мушкетёр имел перевязь с дюжиной пенальчиков (футляров)с деревянными пробками (у наших стрельцовподобную перевязь называли берендейкой), причем один из пенальчиков обязательно использовали в качестве пороховницы-натруски – для досыпания пороха на ружейную полку и передачи огня заряду, а в остальных хранились сами пороховые заряды на один выстрел («огненное зелье»).Также к перевязи подвешивался мешок с пулями и фитиль. Пенальчики изготовлялись из металла, кости или дерева и хорошо оберегали порох от сырости. Так что при некоторых маневрах нещадно гремели, демаскируя бойца. И, чтобы избежать таких неприятностей, их обшивали кожей или прятали в особые мешочки из плотного сукна.
Перезарядка мушкета требовала несколько минут, поэтому мушкетёры, как правило, больше использовали холодное оружие, а королевские мушкетёры и вовсе считались посредственными снайперами. Также мушкетеры могли иметь и пару седельных пистолетов. Со временем мушкет превратился в парадное оружие, а мушкетёры чаще пользовались ружьём, приобретаемым, естественно, из собственных средств.
Королевский мушкетёр образца 1630 года. Знаменитый плащ, под которым проглядывает камзол с баской. Широкие штаны с пуговицами скреплены с чулками лентами.
Уже упоминалось, что в ближнем бою мушкет был бесполезен, поэтому основной наступательно-оборонительный комплекс мушкетёра составляло холодное оружие. Мушкетёр было вооружён обычной для того времени боевой шпагой, являющей собой тонкий меч, длиной около 1000 мм или чуть длиннее и весом от 1 до 1,5 кг. Шпагой и предпочитали действовать, ибо с ней можно было доказать свою настоящую храбрость; со шпагой мушкетёры героически врывались на бастионы, внушая законный трепет врагу. Фехтованию и конной езде обучали как родственники, так в полках, а также в многочисленных законных и незаконных школах и блистательных академиях, как например в академии Плювинеля. Шпага с «мушкетёрским» крестом и некоторые парадные экземпляры появились на закате рот мушкетёров. Реже в конном строю мушкетёры использовали кавалерийский палаш.
Боевая мушкетёрская шпага и дага
Обязательно во времена своего образования и расцвета мушкетёры носили с собой дагу – длинный кинжал, его держали в левой руке и на неё в основном принимали удар шпаги. Как правило, про дагу забывают даже в очень грамотных современных реконструкциях и не изображают её на иллюстрациях как вооружение мушкетёра, вместе с тем, дага весьма характерное оружие для мушкетёра. Дага является отголоском как раз боя на мечах, когда как такового фехтования не было, мечи между собой не соприкасались, а удар меча принимали на щит (в основном из-за боязни повредить дорогой и хрупкий клинок). В какой-то мере, дага является развитием щита или кулачного щита и латной перчатки, также дага использовалась как самостоятельное оружие в ближнем бою, особенно при рукопашной схватке.
Мало когда упоминают, что вооружение мушкетёров дополнял еще ибагинет (или байонет), то есть штык. Багинет появился в 1647 году и изначально вставлялся в ствол мушкета, позволяя хоть как-то противостоять коннице и пикинёрам, хотя большой популярностью в войсках не пользовался, предпочтение отдавалось шпаге и палашу.
Мушкетёры: 1. Барабанщик и гобоист, 1622 г. 2. Мушкетёр короля и гвардеец кардинала, 1646 г. 3. Гобоист, 1660 г. 5. Униформа мушкетёров 1-й роты в 1676 г. 6. Униформа мушкетёров 1-й роты в 1685 г. 10. Кираса, XVIII век.
Жизнь мушкетеров была нелегка. Получали они немного, как я уже упоминала, к тому же гвардейский этикет предписывал транжирить жалованье в кабаках. Денег у короля вечно не хватало, и его охранники на свои деньги покупали обмундирование, включая знаменитые плащи и шляпы с перьями. Требовалось одеваться как можно моднее, чтобы не отстать от ненавистных соперников — гвардейцев кардинала.
У мушкетёров короля была самая красивая во Франции форма — по желанию самого короля. Ну, вернее, элемент формы, - знаменитый лазоревый плащ с крестом. Этот короткий плащ назывался казакин и по сути являлся гербовой коттой , как у крестоносцев, показывающий принадлежность к тому или иному сюзерену или ордену. Прошедшие годы и скудость данных, а главное, полное отсутствие настоящих сохранившихся плащей предоставляют широкие возможности для художников вообще (и их коллег по костюмам, в частности) пофантазировать на данную тему.
Например, основной цвет плаща мушкетера. А ведь он варьируется от голубого к синему и далее аж до фиолетового! По описанию Филиппа де Виллье от 1657 года, «каждый мушкетер получал… синий плащ с серебряной или золотой окантовкой» (а вышивальщицы знают сколько существует оттенков синего )
Мушкетёрский плащ обшивался по краям серебряными галунами; спереди, сзади и по бокам плаща находились бархатные белые (или серебряные) кресты, нижняя часть которых была удлинена, с королевскими золотистыми лилиями на концах. У первой роты королевских мушкетеров в углах креста имелись четыре алых трилистника (иногда их называют языки пламени), у второй роты - серебряных. Все, хоть и не многочисленные источники свидетельствуют о том, что плащи XVII века доходили мушкетеру до бедер. Из свисающих боковин при необходимости посредством 150 пуговиц можно было сделать длинные рукава.Главное, что плащ должен был обозначать - принадлежность к подразделению, а также скрывать кирасу, которую надевать мушкетеры не любили даже в бою, и прятать повседневную одежду. Плащ мушкетера был первым введенным в армии предметом одежды, к которому подходили с точки зрения красоты и эстетики. Он задал определенную моду, открыл целое направление, оказав влияние на развитие военного обмундирования не только Франции, но и всей Европы.
Вот именно этих-то плащей и не хватает нашим мушкетерам на картине Лесреля!
Различались две мушкетерские роты также мастью коней: первая - серая - рота имела белых коней или серых в яблоках, вторая - чёрная рота - коней вороной масти. кстати, у первых двух рот различались эфесы – первая носила позолоту, а для второй главным металлом в декоре являлось серебро.В более поздние времена был введён красный мундир, где серые мушкетёры имели золотой галун по обшлагам, на шляпе, на полах камзола и по низу пистолетной седельной кобуры; чёрные мушкетёры второй роты соответственно имели серебряный галун. Ботфорты полагались чёрной кожи, шляпа чёрная с белыми перьями, лазоревые плащи-казакины были заменены в 1688 году на лазоревые супервесты (безрукавки).
Штандарты полка королевских мушкетеров. 1745 г.
Эфесы шпаг 1-й и 2-й рот королевских мушкетеров. 1762 г.
Пока не была введена жёсткая форма, под плащом-казакином мушкетёр носил любую одежду доступную ему по средствам (кстати, на нашей картине видно, что мушкетеры одеты довольно богато). Золотого шитья перевязи, лильские, миланские, брабантские и брюссельские кружева обильно украшали одежду мушкетёров. Также неизменным атрибутом мушкетёров была широкополая фетровая шляпа со страусовыми перьями и металлической чашкой внутри, она как придавала форму, так и носила чисто утилитарное назначение защиты головы по типу каски в боевых условиях. Шляпу не снимали ни в помещении, ни за столом, кроме случая приветствия дамы, перчатки тоже, как правило, не снимались ни за столом, ни в бою. Ну и на ногах мушкетеры носили туфли только во времена мира – на войне их заменяли ботфортами, поскольку те хорошо предохраняли ноги при передвижении верхом, причем даже длительных – за счет жесткой конструкции и надежной фиксации голеностопа.Ботфорты имели мощный высокий каблук. В моде были квадратные носы, а раструбы голенищ украшали кружевами, опять же по достатку владельца.Шпоры мушкетер носил, даже не имея лошади; как правило, их не снимали в помещении, а только загибали кверху, чтобы не испортить подолы дамских платьев.
 
Лишенные указом ЛюдовикаXIV возможности участвовать в дуэлях, мушкетеры 1-й и 2-й рот нашли другой способ «меряться размерами»: они развернули негласное соревнование между ротами по показу наивысшей роскоши. Это своеобразная «война кружев» не прекращалась даже во время военных походов! В стремлении утвердиться в качестве «самых крутых» мушкетеры тратили на украшательство своей формы бешеные деньги, совершенно несравнимые с получаемым ими жалованьем. Поэтому многие мушкетёры залезали в непомерные долги, только бы не ударить в грязь лицом.
Я уже несколько раз упоминала, что было две роты королевских мушкетёров; чёрные мушкетёры появились гораздо позже. Вначале была сотня рядовых мушкетёров первой, вернее, тогда единственной роты, сам король с 1634 года был капитаном, ещё было два лейтенанта и четыре корнета. Первым командиром роты был капитан Жан де Берар, шевалье, маркиз де Монтале, а далее фактическим командиром, носившим звание капитан-лейтенанта был Жан-Арман де Пейре, с 1643 года граф де Труавиль, более известный как де Тревиль (вспомним Дюма!). С 1646 года по 1657 год рота была распущена кардиналом Мазарини, но была восстановлена королём и её лейтенантом, а затем капитан-лейтенантом становится Шарль де Бац де Кастельмор, более известный как граф Д’Артаньян (внимание: историческая личность, а не литературный герой!). Он расширяет роту со ста двадцати до двухсот пятидесяти человек, иногда штатный состав доходит до трёхсот тридцати человек. Ранее мушкетёры квартировали, где придётся, сейчас создаётся «Дом мушкетёров», их первая казарма (об этом я уже писала выше).
Формируется вторая рота мушкетёров, некоторое время даже считавшаяся более престижной, чем первая, рядовые служили шесть месяцев в году, офицеры - четыре, капитан-лейтенант - три, произвольно распределяя время службы, но все были обязаны быть во время войны на театре военных действий. К концу царствования Людовика XIV каждая рота имела по штату двести пятьдесят рядовых и стала нести службу во внутренних покоях дворца, будучи уже личной охраной.
В 1746 году королевские мушкетёры в последний раз участвовали в битве при Фонтенуа и были распущены 15 декабря 1775 года из-за финансовых трудностей королевства. Попытки возродить роты мушкетёров успехом не увенчались, 1 января 1816 г. королевские мушкетёры были ликвидированы окончательно.
 
Мушкетёры первой и второй роты, 1740 год
Мушкетёры прославились не только битвами, но и зачастую участвовали в политических арестах и репрессиях, подавлении крестьянских восстаний, популярных, невзирая на запрещающие эдикты дуэлях, аферах, интригах, дебошах и непристойном поведении.
Настоящий Д’Артаньян, в частности, хотя и сделал блестящую военную карьеру, проявив себя отчаянным храбрецом, став «полевым маршалом» (генерал-майором), однако в основном занимался поручениями кардиналов, политическими интригами и арестами, знаменит, например незаконным и необоснованным арестом министра финансов Николя Фуке.Дуэли были популярны как во Франции, так в среде мушкетёров, причём о соблюдении каких-либо правил дуэльного кодекса, речи не шло – противников калечили намерено, использовали засады, добивали, применяли огнестрельное оружие против холодного.
Стоит ли говорить, что при довольно скромном содержании, питались мушкетёры «гасконской кухней», а это: сыр, хлеб, яичница и много кислого бургундского вина. Так что неудивительно, что в те времена во Франции было популярно выражение: «пить как мушкетер», означавшее «пить много и со знанием дела и только самые лучшие вина»...Поэтому повсеместные пьяные драки и дебоши мушкетёров были широко известны, даже приключались настоящие уличные сражения с десятками убитых и раненых. Это происходило при распивочных, коих было очень много. Мушкетёрские роты пополнялись провинциальными юношами, быстро впитывающими дурные наклонности и, невзирая на старания отцов-командиров образовать их и обучить манерам, моральный облик мушкетёров оставлял желать лучшего, их считали совершенно неуправляемыми.
Ну, думаю, что наши благородные мушкетёры – не такие!
PS. А теперь, как всегда, немного дополнительной информации, о чем Вы не спрашивали Но, возможно, это будет Вам также интересно, как было и мне. И еще мой риторический вопрос о том, что такое стоит у наших мушкетёров на столе, причем не только на этой вышиваемой нами картине, но и на других картинах Лесреля?
Сначала пару слов о вине и винных бутылках. Сюжеты многих картин А.-А. Лесреля посвящены, как мы уже знаем, XVII веку. А в этом веке во Франции вино очень редко пили из бутылок. Итальянские бутылки были очень хрупкими и требовали дополнительной оплетки из прутьев (вот, кстати, одну из таких бутылок мы наблюдаем на нашей картине), а более прочные бутылки научились делать промышленным способом в Англии в 1640 г.
Определить дату изготовления бутылки можно по форме:
В XVII в. стекольные мастерские располагались в лесах, т. к. дерево служило основным топливом при производстве стекла. До XVII в. разогреть кварцевый песок до нужной температуры при тогдашнем уровне техники не удавалось. Поэтому старинные изделия из стекла мутноваты и содержат маленькие пузырьки. И только в XVII в. мастера научились производить полностью прозрачное стекло. Кстати, в XVII в. пить вино из бокала – такой же знак социального отличия, как сейчас – дорогие часы. Голландский художник и теоретик искусства Жерар Лересс(1640- 1711) писал, что «художник должен изучать изящество, вращаясь среди социальной и интеллектуальной элиты, чтобы то, что он изображает, передавало высшие моральные принципы и идеальную красоту». В своем руководстве по рисованию он, в том числе, уделил внимание тому, как утонченный человек должен держать бокал: за основание, а не за ножку. Именно так держат свои бокалы знатные дамы на картинах Яна Вермеера. Обратите внимание на то, как держат бокалы персонажи многих картин Лесреля!
«Мушкетеры», А.-А. Лесрель, 1897 «Веселый мушкетёр», А.-А. Лесрель, 1907
 
«Перед дозором», А.-А. Лесрель, 1899 «Игра в карты»,А.-А. Лесрель, 1907
«Отдых после охоты», А.-А. Лесрель, 1890 (здесь бутылка более привычной нам формы)
Еще один важный для понимания картин Лесреля момент. В XVII в. ребенок считался маленьким взрослым. К примеру, зрелища вроде публичных казней или родов матери не считались чем-то, что детская психика вынести не может. То же самое касалось и вина: вино и пиво дети начинали употреблять очень рано, как правило, после 7 лет.
Есть такой исторический анекдот. Однажды восьмилетний Людовик XIII зашел вечером к своей сестре Елизавете и увидел, что ей наливают в кубок вино. Дофин возмутился: «Сестра, вы слишком молоды, чтобы пить вино; я пью его в этот час, но я на целый год старше!» и велел виночерпию более не подавать принцессе вина к ужину.
Кроме того, вино было основой многих гигиенических и медицинских препаратов того времени. Аристократы чистили зубы коралловым порошком или измельченными устричными раковинами, смешанными с белым вином. Поэтому дети, участвующие в распитии вина, на картинах XVII века - вполне закономерное явление.
Так вот, возвращаясь к Лесрелю, нужно отдать ему должное и еще раз отметить, что он воспроизводил в своих картинах все исторические подробности с большой тщательностью.
«Крещение Конде», А.-А. Лесрель, 1884
PPS 1
Но для меня осталось загадкой, что же за сосуд стоит на столах у кавалеров/мушкетёров помимо бутылок на многих картинах мастера? (см. предыдущие репродукции). Сосуд явно металлический, сложной формы (не гладкий), похож на высокий кубок, но с открывающейся, по всей видимости, крышкой, вот на этой картине это видно:
«Знаток», А.-А. Лесрель, 1914
Могу предположить, что это тоже мог быть сосуд для вина, поскольку стеклянных бутылок, как мы уже знаем, производилось недостаточно. На подсвечник тоже не особо похоже… А может, это могла быть и какая-то награда (приз, кубок), ведь одна из картин, где герой Лесреля держит такой сосуд, называется «Трофей»:
Посмотрите, какую картинку выбрало для обложки издательство «Азбука классики» для книги Александра Дюма «Двадцать лет спустя»в 2018 г.- это же знакомая нам картина «Рассказ мушкетёра», которую мы вышиваем!
PPS 3
В 1978 организатор сверхдальних пробегов француз Марк Буэ устроил необычную эстафету. Его бегуны преодолели расстояние от Парижа до Лондона по маршруту Д’Артаньяна, спешившего в Лондон за подвесками королевы. На всё про всё у участников пробега ушел 41 час, и в том же1978 на экраны нашей страны вышел фильм «Д’Артаньян и три мушкетёра» с Михаилом Боярским в главной роли. Марк Буэ, наверное, об этом не знал. А не то его бегуны, передавая эстафету, напевали бы песни из этого фильма, ну или хотя бы шептали судьбе: «Мерси боку»
PPS 4
В Восточной Европе аналогом мушкетёров в то время были русские стрельцы и украинские и русские казаки. Казаки одними из первых воинских формирований в мире были вооружены ружьями (еще в начале XVI века, благодаря их первым атаманам, в частности старосте Черкасскому, Евстафию Дашкевичу, потомку князей Глинских, Рюрика и Чингисхана), и к XVII веку обладали огромным опытом обращения со стрелковым оружием, считаясь одними из лучших воинов в Европе того времени. Так отряд казаков под предводительством атаманов Войска Запорожского Богдана Хмельницкого и Ивана Серко принимал участие в Тридцатилетней войне и в частности во взятии неприступной на то время крепости Дюнкерк, которая была взята благодаря казакам. Человек, который послужил прототипом главного героя романа известного французского писателя Александра Дюма «Три мушкетёра» (реальный Д'Артаньян) также участвовал в этой битве, т. е. он мог встречаться с казацкими вождями и воевать с ними бок о бок.
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Суббота, 02 Декабря 2023, 00:42 | Сообщение # 308 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №11
036 Ален Шартье
Быль или сказка?
.. Я не перестаю удивляться и восхищаться интеллектуальным уровнем наших участников! Вот нас, вышивальщиц, считают «домохозяйками с пяльцами», а между тем наш вышивальщицы пишут настоящие искусствоведческие статьи, причем еще и переводят из с иностранных языков! А какой слог! Это безумно интересный материал, который очень приятно читать! Тем более, когда ты целый год вышиваешь картину, и можешь узнать о ней, об авторе, о героях, о технике живописи, и еще что-нибудь интересное!
…Ответы участников становятся все интереснее, расширеннее, длиннее… и еще длиннее :))
И целых восемь (!) стихотворений! Ну, поэтический сборник выпускать не будем, и оставим только стихотворение самого Алена Шартье
И вот я собрала все самое интересное, и сейчас "коротенько" вам расскажу.
Картина Ален Шартье была создана мастером в 1903 году. Время действия этой картины – Средневековье. В картинах Лейтона Средневековье чаще всего предстает как сказочное время. Вонь, грязь, дремучесть и жестокость этой эпохи остаются за скобками. А на картине «Ален Шартье», на которой изображены веселые, чистенькие придворные дамы в ярких одеяниях, наблюдающие за тем, как одна из них целует прикорнувшего у лестницы мужчину. В светлой, радостной картине, от которой веет беззаботностью и легкомыслием, нет ни намека на реалии тех лет - войну, кровь, зверства, дикие нравы. Мы попадаем будто в сказку. Обращает на себя внимание лестница: прекрасно написан камень, из которого она сделана, декор и это изваяние, напоминающее гаргулью на Нотр-Дам-де-Пари. А как передана фактура тканей на платьях прекрасных дам! А что здесь происходит? Почему прекрасная принцесса целует какого-то спящего юношу? Это же, наверное, как минимум неприлично! Оттого-то придворные дамы так изумлены, переглядываются и перешёптываются…
За основу для сюжета данного полотна художник взял легенду. Авторство ее спорно, не будем отвлекаться, нам не очень важно кто именно это был.
Легенда такова: дофина Франции Маргарита Стюарт встречает во время прогулки по саду спящего поэта Алена Шартье и целует его. Поэт, якобы, воскликнул: «Миледи, я удивлен, что вы проявили милость к такому некрасивому человеку, как я!». На упрёки своих фрейлин королева ответила, что «поцеловала не человека, а уста, одарённые поэтическим талантом, и поступок её оставит память о ней на века».
Согласно другим источникам ответ Маргариты был такой: "Я поцеловала не мужчину, но уста, из которых исходило столько золотых слов, прекрасных высказываний, серьезных замечаний и изящных речей."
А и правда, в 1436 году Маргарита Шотландская прибыла во Францию и стала дофиной Франции. При дворе Маргарита покровительствовала писателям и поэтам. Дофина прекрасно владела французским языком и сама сочиняла на нём стихи — рондо и баллады, и, действительно, могла восхищаться и поэзией Шартье….
… Но вот только самого Алена Шартье к этому времени уже несколько лет, как не было в живых. Дело в том, что в тот год, когда Маргарите исполнилось шесть лет, Алена Шартье не стало
Поэтому сцены с поцелуем у них и во Франции случиться - ну никак - не могло! К нашему сожалению…
Но выдуманная история всем понравилась. И появились стихи и картины на тему этого Поцелуя, и одну из них мы с вами вышиваем.
Есть другая картина Пьера-Шарля КОнта(Pierre-CharlesComte), написанная в 1859 году, которая называется «Поцелуй, или Ален Шартье и Маргарита Шотландская».
А кто же они, герои нашей вышивки?
Ален Шартье родился около 1385 года в Байе в Нормандии. Один его брат, Гийом, стал епископом Парижа, а другой, Томас, секретарем короля Карла VII. Ален же прославился как поэт, писатель и оратор, и даже получил прозвище "Французский Сенека". Внешне он не был привлекательным. Напротив, его считали ужасно некрасивым, если даже не сказать уродливым. Однако это не помешало ему получить образование в Парижском университете и поступить на королевскую службу. Ален Шартье работал секретарем и нотариусом при Карле VI, позже Карле VII. Он выполнял различные дипломатические миссии для короля, а в 1428 году его отправили в Шотландию для переговоров о браке Маргариты Шотландской с будущим Людовиком XI.
Его литературные работы, написанные в основном с 1415 по 1430 год, отличаются разнообразием тематики и формы. Шартье был поэтом, оратором, историком, моралистом и памфлетистом, писавшим на латыни и французском. Его прозаический памфлет– четырехлог написан в виде диалога между Францией и тремя сословиями королевства (духовенством, знатью и простолюдинами). В этом произведении рассказывается о страданиях крестьянства, злодеяниях церкви и злоупотреблениях феодальной армии, но утверждается, что Францию еще можно спасти, если противоборствующие группировки королевства отбросят свои разногласия перед лицом общего врага. (не правда ли, звучит очень современно и актуально на сегодняшний день?)
Стихи Шартье в основном являются аллегориями в придворной традиции.
Вот одно из его стихотворений:
Баллада прописных истин
Лишь негодяй опасен нам,
Лишь выскочка везде чванлив,
Лишь тропки вьются по холмам,
Лишь друг всегда с тобой правдив,
Лишь ревность отравляет разум,
Лишь зависть нас лишает сил,
Лишь роскошь тяготится сглазом,
И лишь счастливый всюду мил.
Лишь королю присягу дам,
Лишь подлый рад, грехи забыв,
Лишь голод тянется к столам,
Лишь юный ищет перспектив,
Лишь тот бедняк, кто слаб к заразам,
Лишь щедрый почесть заслужил,
Лишь во дворцах уютно вазам,
И лишь счастливый всюду мил.
Лишь здравый знает счёт деньгам,
Лишь холостяк братолюбив,
Лишь смерть – конец любым делам,
Лишь ей покорны, не кадив,
Лишь честный верит всем рассказам,
Лишь от любви – задор и пыл,
Лишь золото под стать алмазам,
И лишь счастливый всюду мил.
Каким закончить мне наказом?
Лишь тот поэт, кто стих сложил,
Лишь смерть заслуги явит разом,
И лишь счастливый всюду мил.
Умер Ален Шартье около 1433 года в Авиньоне, совсем молодым 40-45 лет от роду.
Маргарита Стюарт - дофина Франции (Маргарита Шотландская), принцесса из дома Стюартов, урождённая принцесса Шотландская, дочь Якова I, короля Шотландии, а также первая супруга дофина Франции Людовика, будущего короля Франции под именем Людовика XI.
Ее жизнь началась как в сказке, родилась в королевской семье, да еще и на Рождество 25 декабря 1424 года в Эдинбургском замке.
Маргарита была очень красивой и имела добрый нрав. Как и младшие сестры, она унаследовала от отца увлечение литературой и поэтическое дарование, имела личную библиотеку.
В 1427 (или 1428) году французский король Карл VII направил послов к Якову I с предложением о браке принцессы Маргариты с его сыном, принцем Людовиком.
 
Если бы у супругов не оказалось других детей, то их дочь могла унаследовать шотландскую которну. Но в этой семье королева дарила мужу едва ли не по ребенку в год, поэтому, когда прибыли французские посланники с предложением увезти Маргариту на континент, никто особенно не возражал.
Маргарите на тот момент исполнилось всего четыре года. Она хотя и принцесса, но все же еще ребенок, чье мнение вряд ли учитывалось. Переговоры от имени французского короля вёл поэт Ален Шартье,. Соглашение сторонами было достигнуто в ПЕрте 19 июля 1428 года
Тут необходимо предпринять небольшой экскурс в историю: шотландцы в период Столетней войны - естественные друзья французов. Друзья по принципу «враг моего врага – мой друг». Их отношения колебались от неплохих до откровенно замечательных. Как только англичане принимались активничать за Ла_Маншем, шотландцы начинали тыкать грозного соседа «вилкой в бок». Значит, надо было разворачиваться и наводить порядок на рубежах. Франция же получала передышку. И так до бесконечности, с незначительными вариациями.
И вот было решено скрепить давнюю, пусть и вынужденную, дружбу супружеским союзом детей: шотландской принцессы и французского принца. И вот, сказка продолжается, к Маргарите Шотландской сватается принц Людовик из самой Франции. Естественно, что сам он посвататься не может, он же еще маленький мальчик. Но в этом ничего необычного нет, очень часто королевских детей обручают еще в колыбели, а иногда их судьба решалась родителями в интересах государства еще до рождения. Принцессы были разменным товаром в руках венценосных родителей, а королевы — в руках мужей.
Как ни странно, возраст 11-12 лет для девушек, а для мальчиков — 13-14 был разрешенным для брака и для супружеских отношений.
Из двух королей этот брак больше всего был нужен именно Карлу – ведь он продолжал войну с англичанами на своих землях, и от шотландца ему требовалась как раз военная помощь. По брачному договору король Франции получал такую поддержку, а именно 6 тысяч воинов. Маргариту ожидало безбедное существование (стороны оговорили ее содержание и выплаты после заключение брака) и гарантированная корона. Даже если бы принц Людовик не дожил до брачного возраста, девушка должна была выйти замуж за следующего из рода Валуа.
Юной принцессе разрешили немного подрасти на родине. До 11 лет Маргарита воспитывалась при Дворе отца, и от Якова I переняла страстное увлечение литературой, а в особенности, поэзией. Шотландского государя вообще называли «король-поэт», и такой же талант унаследовала его старшая дочь. С самых малых лет принцесса увлекалась сочинительством, записывая свои произведения в специальные тетради.
В 1436 году наступил час расставания. В начале июня под усиленной охраной (опасались нападения англичан) принцессу перевезли через море, чтобы передать ее на французском берегу доверенным лицам короля Карла VII.
23 или 24 июня 1436 года тринадцатилетний жених Людовик Валуаи одиннадцатилетняя невеста Маргарита Стюартбыли представлены друг другу. На следующий день в часовне замка в Туре состоялась церемония бракосочетания.
Жених казался старше, чем был на самом деле. Его лицо было непроницаемым, во взгляде не чувствовалось ни намека на теплоту, а при взгляде на фигуру становилось понятно, что этот молодой человек склонен к полноте. Невеста была полной противоположностью: изящная, как статуэтка, улыбчивая и ослепительно красивая. Двор смотрел на нее с восхищением и одобрением. Ему давно не хватало блеска.
Свадебный пир оказался таким скромным, что более язвительные люди назвали бы его «убогим». Увы, у французов катастрофически не хватало денег на торжества. Сам король выглядел неряшливо, и даже не снимал шпор, садясь за стол. После пары здравиц Карл VII резко поднялся со своего места, знаменуя окончание праздника. Ошарашенные шотланцы наблюдали, как гасят свечи, а придворные суетливо уходят прочь. Такого приема они никак не ожидали…и обиделись…
После церемонии придворные медики посоветовали отложить консуммацию брака из-за относительной незрелости невесты и жениха.
…Между молодоженами не замечали ни тени симпатии. Дофин Людовик большую часть времени проводил в седле – он обожал охоту, и нежнее относился к своим псам, нежели к юной красавице-жене. Вернувшись «с полей» принц садился за стол и с молниеносной быстротой уничтожал так много съестного, что казалось, будто бы он никак не может насытиться.
Но Маргарита, при всем при этом, не выглядела удрученной. Она нашла при французском Дворе источник вдохновения для своих виршей, и единомышленников. Молодые знатные особы, приставленные к ней в качестве фрейлин, с удовольствием поддержали увлечение поэзией. Они приглашали в свой кружок самых именитых поэтов Франции.
Проходило время, но между дофином и его женой так и не произошло сближения. Людовик Валуа, наследный принц, демонстрировал все такое же холодное равнодушие.
У Маргариты были прекрасные отношения со свёкром Карлом VII и свекровью Марией Анжуйской, но счастья в браке с Людовиком Маргарита не испытала, как и радости материнства. Ее совместная жизнь с дофином не была счастливой - отношения между ними были напряженными, он её не любил, но почему-то это не мешало ему ревновать её к придворным поэтам…
Шотландская принцесса продолжала много писать. Муж, знавший об этом ее увлечении, не воспринимал поэзию всерьез. Складывалось ощущение, что его раздражает все, связанное с Маргаритой.
В начале августа 1445 года дофина простудилась. В слишком знойный день, находясь в Шалон-сюр-Марн, она то ли выпила ледяной воды, то ли переодевалась в своей каменной опочивальне, и вскоре почувствовала себя плохо. Началась лихорадка. Поначалу никто не придавал этому большого значения, но уже спустя неделю состояние Маргариты Шотландской сильно ухудшилось.Болезненное состояние принцессы усугубляли переживания из-за слухов о её супружеской неверности
Прекрасная дофина умерла в ночь на 16 августа 1424 года. . Её похоронили в Шалонском соборе, а позднее перезахоронили в Ланском аббатстве в Туаре.
Все стихи, написанные Маргаритой Шотландской, дофин Людовик сжег сразу же после ее смерти.
Прошло чуть больше пяти лет после её смерти, когда овдовевший супруг снова женился. Второй супругой Людовика стала Шарлотта Савойская, в браке с которой у него родились восемь детей, но до совершеннолетия дожили только три ребёнка: дофин Карл, будущий король Франции под именем Карла VIII, и принцессы Анна и Жанна.
А красавица Маргарита Шотландская так и не стала королевой Франции. Не оставила наследника. Не была любимой мужем. Сплошные "не". Но для нас осталась легенда о прекрасной принцессе, поцеловавшей некрасивого поэта.
И еще немножко о том, кому мы, собственно, должны быть благодарны за эту картину :
Достоверных сведений о жизни и творчестве Эдмунда БлераЛейтона (EdmundBlairLeighton) настолько мало, что сегодня известны только даты рождения и смерти художника, места рождения и смерти, и имя супруги художника, коей в 1885 году стала Кэтрин Нэш и от которой он имел сына Эрика Джеймса Блэр-Лейтони дочь Софи.
Известно, что художник окончил жизнь в Лондоне, в доме близ Бедфорского парка.
Эдмунд Блэр-Лейтон снискал репутацию «мистера Икс» среди живописцев, поскольку не оставил после себя дневников и не стремился афишировать свою частную жизнь – как ни странно, не существует даже упоминаний о нём в биографиях того времени. Художник не гнался за официальными регалиями: писал он в стиле прерафаэлитов, но не состоял в знаменитом Братстве; более 40 лет – с 1878 по 1920 год – выставлял свои работы в Королевской академии, но никогда не был её членом…
 
Эдмунд Блэр-Лейтон (1853 – 1922) был очень популярен при жизни, его работы пользовались спросом и любовью публики. А сегодня специалисты говорят о том, что историческая и художественная ценность полотен живописца настолько высока, что имя Эдмунда Блэра-Лейтона и его творческое наследие можно смело включать в золотой фонд мировой живописи.
Всю сознательную жизнь художник посвятил написанию картин на исторические темы. Работы Блэйра-Лейтона отражают его ностальгическое видение романтического, изящного, галантного прошлого. Главными темами его творчества стали эпоха Средневековья и Регентства. в качестве источников он использует не только историю, но и легенды и литературные произведения, кроме этого, художник писал и жанровые картины о современной ему Англии
Одним из главных отличий Блэйра-Лейтона от других художников-прерафаэлитов пожалуй является особое внимание к деталям. Его картины прекрасно прописаны и выглядят завершенными.Живописная манера художника почти фотографична, множество мелких исторических деталей на его картинах, отличающихся праздничной пышностью, прописаны с большой тщательностью и, по возможности, с натуры.Детали костюма выписаны с величайшей тщательностью. Платья, платки, прически, ленты, кружевные воротники, диадемы – все это великолепие точно передает дух реального либо мифологического времени.
Так и в нашей любимой картине Живописец Эдмунд Блэр Лейтонс исторической точностью воспроизвел костюмы 15 века. На принцессе королевский наряд: Атур на голове с прозрачной вуалью, длинное платье со шлейфом из золотого атласа, отделанное горностаем,
Лейтон получил репутацию дотошного художника. Его стиль называли слишком реалистическим. В конце XIX века редко кто писал тщательно прорисованные картины,поэтому Эдмунда и считали слишком придирчивым мастером.
Такое точное изображение предметов антиквариата и старинной мебели на картинах Лейтона благодаря тому, что художник коллекционировал и часто изображал эти предметы на своих картинах. Блэр-Лейтоночень гордился своей коллекцией, однако домашнийинтерьер , по словам современника, был «загроможден неплохой коллекцией старой мебели, оружия, изделий из металла, керамики и других уникальных реликвий прошлого».
Картины художника поразительно реалистичны – словно открывается скрытая ковром из плюща потайная калитка, ведущая в Зазеркалье. Зачарованный мир вдруг всплывает из прошлого и разворачивается на мгновение перед изумлёнными глазами. И вот уже мы сами спускаемся по замковым ступеням, слышим гул толпы, вдыхаем пьянящий аромат роскошных садовых роз или собираем в корзину спелые яблоки…
У картин Блэра-Лейтона обычно легко прочитывающийся сюжетв них нет тайных символов и замысловатых аллюзии, которые нужно додумывать.
Заслуживает внимания также талант Блэра-Лейтона давать краткие и точные названия своим картинам. Это даже не названия, а гениально лаконичные рассказы, несколькими словами описывающие целую историю. Из названия сразу понятно, что происходит: посвящение в рыцари, отъезд на войну, бегство из замка или что-то еще. Поэтому не очень типично для Лейтона, название картины по имени главного героя – поэта Ален Шартье .
Эдмунд родился в Лондоне 21 сентября 1853 г. Его отец умер, когда мальчику было всего около трёх лет, и мать с его старшей сестрой Фанни и будучи беременной младшей сестрой будущего живописца, вынуждена была переехать и открыть школу для девочек, позволявшую содержать семью. Не закончив обучение в школе, в возрасте пятнадцати лет он был направлен на работу к торговцу чаем в лондонском Сити.
Но юноша твердо решил следовать профессии своего отца, и в возрасте двадцати одного года, оставил работу и поступил в Школу Королевской академии.
Кстати, дебют Эдмунда Блэра-Лейтона в Королевской академии состоялся в тот же год, когда Фредерик Лейтон стал ее президентом, и вполне возможно, что Эдмунд подчеркнул свое второе имя (Блэр), сделав его частью своей фамилии (художника принято называть Блэр-Лейтон, а не просто Лейтон), чтобы избежать путаницы со своим знаменитым, но совершенно не связанным с ним однофамильцем.
Блэр-Лейтон всегда был тесно связан с Королевской академией и в течение сорока двух лет, с 1878 по 1920 годы, непрерывно выставлялся в ней. Несмотря на такую преданность, любопытно, что Королевская академия не стала делать Блэра-Лейтона ни ассоциированным, ни тем более действительным своим членом.
Блэр-Лейтон никогда не покидал ту живописную территорию, которую он «застолбил» ещё в начале своей карьеры. Это более примечательно, чем может показаться, поскольку исторические и литературные сюжеты, столь популярные в середине XIX века, становились все менее модными по мере того, как импрессионизм и другие формы французского реализма изменяли вкусы публики в конце 19в..
многие молодые художники, начавшие свою карьеру в той же традиции, как и Лейтон, в дальнейшем обратились к портретной живописи и другим более прибыльным жанрам. Типичными примерами являются Дж. У. Уотерхаус и Фрэнк Дикси.
Эдмунд Блэр-Лейтон не стал следовать модному курсу, но он адаптировал свои исторические сюжеты ко вкусам народа он стал выбирать сентиментальные и анекдотические сюжеты, в которых его аудитория могла видеть отражение своих повседневных надежд, страхов, горестей и стремлений. Как выразился автор ежегодного альманаха ArtAnnual«часто он изображал современную жизнь, но она всегда была под маской прошлого».
Творчество Блэра-Лейтона не такое простое, как может показаться на первый взгляд. Он исследовал многие исторические периоды, и его работы иногда обладают искусствоведческой глубиной, которая может удивить тех, кто привык считать его картины «живописью для развлечения».
действие картины «К оружию!» (Toarms!) (1888 г.), на которой юноша, выходящий из церкви за руку со своей невестой, сталкивается с вооруженным рыцарем, требующим немедленной записи в армию, происходит в лютеранской Германии.
Картина «Бог в помощь» (GodSpeed), появившаяся в Королевской академии в 1900 году, изображает молодую женщину, завязывающая узлом вышитый красный шарф на руку своего рыцаря, когда он отправляется на турнир верхом на лошади, в полном вооружении и с копьем, украшенным вымпелами (по средневековому поверью, это должно воссоединить влюблённых). Другие рыцари уже прошли под решеткой и выходят на поле битвы. Эта картина была первой из нескольких, написанных Блэром-Лейтоном в 1900-х годах, на которых рыцарь и его дама изображены в сценах, иллюстрирующих рыцарский кодекс; за ней в 1901 году последовала картина «Акколада, или Посвящение в рыцари» (TheAccolade), еще позже – в 1908 году – была создана картина «Посвящение» (Dedication). Оружие и доспехи, изображенные на всех этих картинах, несомненно, находились в собственной коллекции художника, которая, как известно, включала множество экземпляров.
  
Как можно понять из его биографии жизнь мастера в целом была спокойной и лишена каких-либо резких поворотов. Эдмунд Блэр-Лейтон, как истинный английский джентльмен, был безукоризненно постоянен, храня верность Королевской академии, Лондону, любимому району Бедфорд-парк и одной женщине. Щедрый и нежный сентябрь, ставший месяцем рождения художника, его и упокоил: солнце взошло 21 сентября 1853 года и закатилось навеки 1 сентября 1922-го…
Кратко уместить всю эту историю в 25 строк сумела Надежда Афанасьева. Она и становится победителем в 12 этапе нашей викторины «Все дело в деталях, или Знаем ли мы, что вышиваем?»
.. но я не могу не оценить замечательные, полные, подробные, иллюстрированные ответы еще двух участнинц: Инна Демиденко и Наталья Шакина также получают Призовые Сертификаты!!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Суббота, 02 Декабря 2023, 01:26 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Суббота, 02 Декабря 2023, 03:06 | Сообщение # 309 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №12
110 Охотники на Привале
На кого охотятся охотники и какой предмет лишний?
… охотников у нас еще меньше, чем инженеров и оружейников :))
Но, после подробного изучения этой картины, я так думаю, наши дамы потянутся на охоту: кто на утку, кто на зайца, кто на рябчика, а кто даже на оленя ..
Да-да, версий и предположений у нас было много:
- например, что это охота с сетью на зайца - Да, на зайцев охотятся с сетями: но это длииинная сеть, ведь неизвестно, в какие кусты побежит заяц. Маленькие сети тоже есть, но только зимой, их ставят на заячьих тропах, которые зайцы протаптывают в снегу и по ним бегают. Но у нас не зима, а то, что вы приняли за сеть на зайца – это сетка от охотничьей сумки, видите какая она красивая: и разное плетение, и бахрома… Молодой купил.. выпендривается :))
- или предположили, что это охота на оленя – ну, здесь просто: в нашей средней полосе олени просто не водятся
Еще меня очень греют вот такие примечания: Инна пишет: «Картину «Охотники на привале» В. Перова я видела воочию в Третьяковской галерее в 2021 году. Понимаю, что для некоторых обыденное дело посетить Третьяковку, либо другие музеи и полюбоваться шедеврами живописи. Для меня же это было грандиозным событием, оставшемся в памяти на всю жизнь и каждый раз, когда вопросы викторины касаются картин, которые я видела в живую, это уже моя личная история.»
Еще были очень интересные рассуждения и соображения (правда взятые от одного и того же источника) – но об этом позже.
Делать здесь подробное описание картины не буду (помещу на форуме в теме Каритны и их истории…
Замечу лишь интересные факты о прототипах главных героев:
Прототипами охотников стали реальные люди, знакомые Василия Перова. В роли «враля», увлеченно рассказывающего небылицы, выступил врач Дмитрий Кувшинников, большой любитель ружейной охоты – тот самый, который послужил прототипом доктора Дымова в «Попрыгунье» Чехова.
Слева – Д. Кувшинников. Справа – центральный персонаж «Охотников на привале»
В образе иронично усмехающегося охотника Перов изобразил врача и художника-любителя Василия Бессонова.
Слева – Портрет В. Бессонова, 1869. Справа – недоверчивый слушатель, один из «Охотников на привале»
А прототипом для молодого охотника, наивно внимающего охотничьим байкам, послужил 26-летний Николай Нагорнов, будущий член московской городской управы.
 
Слева – Н. Нагорнов. Справа – удивленный слушатель «Охотников на привале»
Это подтверждает в своих воспоминаниях и его дочь. В 1962 г. она написала: «Кувшинников Д. П. был одним из ближайших друзей моего отца. Они часто ездили на охоту по птице. У отца была собака, и поэтому собирались у нас: Дмитрий Павлович, Николай Михайлович и доктор Бессонов В. В. Они изображены Перовым («Охотники на привале»). Кувшинников рассказывает, отец и Бессонов слушают. Отец – внимательно, а Бессонов – с недоверием…».
Вокруг этой картины Василия Перова с момента ее появления горели нешуточные страсти:
Критик В. Стасов восхищался работойи сказал, что «этот сюжет так же хорош, как и охотничьи рассказы Тургенева».
М. Салтыков-Щедрин критиковал картину за отсутствие непосредственности и жизненной правды, за наигранность эмоций: «Как будто при показывании картины присутствует какой-то актер, которому роль предписывает говорить в сторону: вот этот лгун, а этот легковерный, и приглашает зрителя не верить лгуну охотнику и позабавиться над легковерием охотника новичка. Художественная правда должна говорить сама за себя, а не с помощью толкований».
А вот Ф. Достоевский не соглашался с критическими отзывами: «Что за прелесть! Конечно, растолковать – так поймут и немцы, но ведь не поймут они, как мы, что это русский враль и что врет он по-русски. Мы ведь почти слышим и знаем, об чем он говорит, знаем весь оборот его вранья, его слог, его чувства».
Со времени появления картины она стала очень любимой в народе. По мотивам сюжета Перова были сделаны тысячи копий, изображение перенесено на гобелены, коврики, покрывала. Есть даже конфетные фантики.Эту симпатичную троицу вышивают, делают аппликации, выжигают и даже татуируют на теле. Календари, пазлы, алмазная мозаика, вышивка крестом и бисером — можно найти любой вариант. Появилась масса смешных и не очень карикатур, пародирующих сюжет картины. Получается, что Перов блестяще справился с задачей, так как картина обросла собственной историей и множеством параллельных задач.
И самое время поговорить О ХУДОЖНИКЕ:
Василий Перов родился 21 декабря 1833 в Тобольске.Он был незаконнорождённым ребёнком губернского прокурора Григория Карловича Криденера.просвещенного, свободомыслящего человека, который принимал у себя в доме ссыльных декабристов. Герб Криденеров изобилует королевскими лилиями, единорогами и розами, что свидетельствует о древности и знатности. Из-за того, что Перовбыл рожден вне брака, фамилию отца он не унаследовал. По бумагам он значился Васильевым, а Перовым его прозвал один дьячок, который его обучал. Это прозвище от слова перо и стало его фамилий, под которой он прожил всю жизнь.
Перов был даровитым мальчиком и проявил свой талант в рисовании. Однажды он заболел оспой и долго после неё ему не разрешалось выходить на улицу. Чтобы как-то скрасить это время Перов стал заниматься с выписанным из Арзамаса живописцем, которого пригласили изменить портрет главы семейства. Сначала у мальчика мало, что получалось, но потом он стал удивительно точно копировать картины, которые были дома. Так он решил, что будет непременно художником. Он попросил родителей устроить его в художественную школу в Арзамасе. мальчик упорно шёл к своей цели, все больше демонстрируя и оттачивая своё мастерство. Он стал писать портреты, которые были на редкость талантливыми. Отец убедился в способностях своего сына и благословил его на поступление в Училище живописи и ваяния в Москве.
<a class="link" href="https://moifotki.org/i/ab59b982e2d54abca5f21e63f1eaf1c4" rel="nofollow" target="_blank"> 
Василий Григорьевич Перов "Автопортрет"
Москва встретила Перова прохладно, он был один из многих, таких же талантливых подростков. Во время учебы он сильно нуждался. Отец к тому времени уже не мог помогать деньгами. Перову приходилось очень тяжело. Но все решил случай.
Один из учителей, Егор Яковлевич Васильев,добрый по своей натуре, обратил внимание на бедственное положение своего ученика и пригласил его жить на своей казённой квартире. Перов был счастлив, хоть и смущался своего бедного положения. Разглядев талант Перова, добрый учитель стал для него благодетелем, который помогал ему в течение 10 лет учёбы.
Перов учился усердно, проявив своей интерес к портретной живописи. Но не только портретами прославится Перов, в будущем почти всё его творчество станет обличением пороков, которые он будет видеть в обществе. Уже тогда он для себя решит, что в живопись надо вкладывать страсть и душу. Только так можно стать настоящим художником, а не просто рисовальщиком.
Будущий художник много гулял по Москве и наблюдал за жизнью людей. Это были его первые попытки писать в духе реализма, так, как он видит, так, как он чувствует. Художник воплощал все новые и новые идеи, показывал их своим товарищам и спрашивал мнение и то, что не нравилось его друзьям, он тут же уничтожал, безжалостно и быстро. Так погибла картина о Степане Разине.
В 1860 году Перов получает малую золотую медаль за картины «Сцена на могиле» и «Сын дьячка, произведённый в первый чин». Так постепенно он приходит к пониманию, что его путь – живопись в духе критического реализма, когда показывается, насколько обстоятельства жизни человека и его характер зависят от социальной среды.
Первый успех не заставил себя долго ждать. Всего через год он получил первое одобрение публики. Его работы "Проповедь в селе", "Чаепитие в Мытищах" и "Сельский крестный ход на Пасху", производят впечатление на зрителей. Он находит своё место в живописи, став остроумным жанристом-сатириком,
В.Г. Перов «Проповедь в селе»1862г.
Его картины стали либеральными, острыми и запоминающимися, как раз такими, какими хотела их видеть русская интеллигенция. Можно сказать, Перов стал модным и был этому несказанно рад. Иногда его картины были настолько злыми, что даже учителя огорчались. Но художник не оставлял своего намерения писать на ту тему, которая волновала его душу.
Но так или иначе всё творчество Перова — это живописная критика происходивших в то время в обществе явлений.
В.Г. Перов «Сельский крестный ход на Пасху», 1861 год.
В 1862 году у художника случилась первая любовь. Его супругой стала Елена Шейнс. Художник был счастлив.
И в этом же 1862 году Василий Перов получил стипендию и пансион от Императорской Академии художеств и по традиции отправился за границу вместе с молодой женой. Он посещал музеи Берлина, Дрездена, Парижа, делал наброски в самых бедных городских кварталах. Однако, в отличие от многих других художников, Перов тяготился заграничной жизнью и страстно желал вернуться домой. Получив от Академии разрешение на досрочное возвращение, он вернулся в Москву, где и прошла вся его дальнейшая жизнь. После возвращения на родину художник продолжал создавать полотна на социальные сюжеты. На картинах 1860-х годов появлялись угнетенные крестьяне, изможденные городские дети, безвольные служащие у богатых господ. Позже Михаил Нестеров, ученик Василия Перова, назвал живописца «подлинным певцом скорби».
Перов стал очень известным художником, у которого покупали картины. Быт был устроен. Жена подарила ему трех сыновей.. Но вскоре идиллия его жизни разрушилась. Елена умерла, оставив его с тремя совсем маленькими сыновьями. Художник не находил себе покоя, этот удар его подкосил. Через некоторое время, будто бы мало ему горя было, умирают два его сына, в живых остаётся только младшенький по имени Владимир.
В.Г. Перов "Портрет Елены ЭдмундовныШейнс" (Перовой) 1868г.
С Перовым случается настоящая метаморфоза, его творчество перестает быть злободневным, появляются сюжеты драматического содержания. Все отмечают, что картины становятся добрее, душевнее и человечнее.
В. Г.Перов "Проводы покойника" 1865г.ГТГ.
В. Г. Перов "Тройка. Ученики-мастеровые везут воду" 1866г.ГТГ
После смерти жены, он сосредоточился на работе, став преподавателем. Его карьера пошла в гору, и за картину "Птицелов" он получает звание профессора. Критик Стасов назовёт её:
"... отрывком из лучшего и талантливейшего, что есть в охотничьих очерках Тургенева"...
В. Г.Перов "Птицелов" 1870 г.
В 1869 году Перов объединился с группой художников, и вместе они основали Товарищество передвижных художественных выставок. На первой выставке передвижников в 1871 году появились картины Перова со сценками из жизни русской провинции «Охотники на привале», «Рыболов» и несколько портретов. Его работы получались простыми и реалистичными, со строгой композицией и сдержанным колоритом.
ОН пишет их непросто показывая внешний вид модели, а пытается раскрыть характер. Так он создаст более 60 портретов, среди них зритель найдет людей множества профессии , и многих знаменитых соверменников: Александра Островского, Ивана Тургенева , Федора Достоевского.
«Что ни тип, что ни лицо, что ни характер, то особенность выражения всякого чувства. Глубокий художник тем и познается, что изучает, подмечает все эти особенности и потому его произведение бессмертно, правдиво и жизненно» — утверждал В. Г. Перов.
  
Спустя несколько лет после кончины жены Елены Василий Григорьевич женился во второй раз в 1872 году, его избранницей стала Елизавета Егоровна Друганова. Супруга была рядом с живописцем до конца его дней
В это плодотворное время художник заболевает чахоткой, простудившись на охоте. Болезнь омрачает жизнь художника.Постепенно живой и наблюдательный характер начнёт у Перова меняться. Он будет чувствовать, что творческие силы его покидают. Работать он продолжит, но уже понимая, что вряд ли способен написать такие сильные работы как раньше. Он снова начнёт уничтожать свои картины, вырезая из них целые части.
В конце своей недолгой жизни он обратится к историческому жанру, задумав написать серию картин про Пугачёва. Для этого он совершит путешествие по Уралу, но в итоге получится лишь одна картина, на которую уйдет 7 лет. Эта картина «Суд Пугачева».
В. Г.Перов "Суд Пугачева" 1879 г.
Затем его творчество станет религиозным.
Жизнь Перова оборвётся в 48 лет в 1882 году. Он похоронен в Москве на кладбище Донского монастыря.
А его младший сын Владимир от первого брака продолжит его дело, также став художником.
………………………………….
А теперь тот самый источник, который нашли наши участники.
Тексты их немного разнятся, но суть одинаковая:
… в деталях сцена отдыха трёх товарищей вовсе не правдива. Персонажи неправильно обращаются с оружием, а их снаряжение и добыча относятся к разным видам охоты. Кажется, живописец выбрал тему, в которой мало что понимал…
На самом деле Перов прекрасно разбирался в охоте. Художник ходил на зверя «во все времена года и без устали».
А «Охотников на привале» Перов создавал как картину-анекдот, чтобы понимающий зритель смеялся над ней не меньше, чем над совсем уж завиральными охотничьими историями.
Итак, детали картины:
"Давайте обратим внимание для начала на добычу. Это заяц-русак и рябчик с тетеревом. Причем выписаны они с такой точностью, что по линьке зайца можно понять, что дело происходит в конце осени.. Странность заключается в том, что тушка зайца не повреждена. Согласно правилам псовой охоты убитого зайца обязательно надо было отколоть (ткнуть кинжалом между лопаток), отпазанить (отрезать передние лапы) и приторочить к седлу. А ни одной запряженной лошади мы на картине не видим, соответственно и седла тоже. Зато мы можем заметить, что на картине также изображены две птицы. В разных источниках указывается разная информация: это утки, тетерева или рябчики. В любом случае эти птицы не могли быть убиты на той же охоте, что и заяц. Среда обитания у них разная."
Разрешите мне, дорогие мои, по ходу чтения этого материала, я буду делать некоторые замечания: На картине действительно заяц-русак, тетерев-косач и … тетерка! Да-да, эта пестренькая, серенькая – это тетерка, а не рябчик! Рябчик раза в два меньше, да и окраска у него более яркая, рыженькая. Так что наш рябчик счастливо живет в лесу, а охотники добыли в поле тетеревов.
"Лошади нам тоже не пригодятся: охота на зайцев с гончими вполне может быть и без лошадей, охотники будут ждать в засаде, пока собаки не выгонят на них зайца. Но собак должно быть несколько и это, безусловно, будут гончьи.
Что касается охотничьего снаряжения, то и здесь есть над чем посмеяться. Любой опытный охотник всегда заботиться о своем ружье и никогда не положит его дульной частью на землю во избежание засорения канала ствола. На картине же изображено оружие английской фирмы «Энфилд». Оно считалось первоклассным и было очень дорогим.
Один из охотников — новичок, это видно по его новому снаряжению и дорогим сапогам на каблуках Но в любом случае опытные охотники должны были бы указатьему на ошибку в экипировке.На охоте очень важна обувь. Чтобы выследить добычу, нужно не один час побродить по степи, оврагам, перелескам. Опытный охотник никогда не пойдет на охоту в обуви на высоких каблуках, как новичок, изображенный на полотне.
Дальше еще интереснее. На земле лежит слегка помятый рожок, такие используются, чтобы собирать гончих в стаю. Но никаких гончих на картине нет. Изображенный пёс — либо легавая, либо борзая (у знатоков нет единого мнения). В любом случае на псовой охоте не нужны ружья. А здесь ружья как раз есть — мы их видим на картине. Так что рожок — еще одна деталь, подчеркивающая вранье. "
… и здесь я не согласна с такой трактовкой правильного ответа: Рожок – это действительно лишний предмет на этой охоте, но не про вранье, а, скорее, про неопытность новичка, над которым зрители и подсмеиваются хотя и сами были когда-то таким же :))
Итак, правильные ответы!
… мы считаем, что ПОЛНОГО и ТОЧНОГО правильного ответа сегодня нет…
НО есть две половинки
Наталья Шакина совершенно верно написала, :
Если отвечать коротко и внятно, оставив за кадром все прочитанные детали, связанные с особенностями охоты на дичь ,и всю цепь рассуждений и выводов, к которым я пришла, изучив информацию из разных источников, то мой ответ такой: охотники охотились в лесу на птиц (у них есть ружья и изображена добыча - тетерев и рябчик),
И я готова принять это как правильный ответ на первую часть вопроса, с оговоркой, что это не рябчик, а тетерка, и охотились они скорее в поле, а не в лесу (осенняя охота на перепелов чаще всего в поле)
НО вот во второй части вопроса Наталья написала: а лишнее здесь всё, что связано с охотой на зайца – собственно, убитый заяц, рожок для созыва гончих, сеть (пишут, что сетью – тенетами – зайцев тоже можно ловить).
Как говорится, требуются уточнения
Наталья Килина наоборот, совершенно правильно написала: « А вот рожок на этой картине абсолютно лишний. Дело в том, что он использовался на псовой охоте, чтобы собирать в стаю гончих. Но никаких гончих на картине нет. Изображенный пёс — либо легавая, либо борзая. Да и на псовой охоте ружья вовсе не нужны, так как дичь берет собака. Так что на ружейной охоте рожок не нужен»
Мы засчитываем это за полответа! С оговоркой, что охота на зайца с гончьими может быть как псовой так и ружейной. Но гончьих на картине, действительно нет, и созывать в рожок некого.
Но в первой части вопроса Наталья считает, что это «Заяц-русак. Скорее всего именно на него охотились наши герои.»
Нет, мы думаем, что это не так… Заяц здесь .. случайный, но не лишний. Он вполне мог бы .. случайно .. оказаться на этой охоте.
… откуда он взялся ? – спросите вы. … ну.. на охоте всякое бывает я даже смею предположить, что это первая добыча молодого охотника. Вот он ждал-ждал, вдруг кто-то выскочил из норы пред самым носом , молодой от неожиданности выстрелил, и, представляете! – попал! А что? Новичкам везет! .... и это будет первая байка в его охотничьей картере :)))
А у нас сегодня две Натальи подстрелили по пол-вопроса и получают по полсертификата!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Воскресенье, 03 Декабря 2023, 19:17 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 19:19 | Сообщение # 310 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №13
На каких картинах из нашего каталога художник изобразил себя и своего товарища?
Как вы меня порадовали, дорогие моивнимательные и любознательные! Как много ответов!Версий множество, кто-то назвал не всё,кто-то – больше чем требовалось, но абсолютно все правильно назвали Александра
Иванова и Николая Гоголя на картинеИванова «Явление Христа народу»
   
Еще называли изображенных на картинахисторических личностей, знакомых между собой персонажей, родственников, жен,
матерей, детей… но… нам был нужен художник и его друг! А таких картин у нас в
каталоге всего три. Ой! Это я уже подсказала :))Уже по традиции, есть у нас естьстихотворение от Натальи Килиной, потрясающее стихотворение Петра Вяземского, посвященное АалександруИванову и картине его жизни. Но.. читайте стихотворение медленно и глядя на
картину – впечатление просто космически-объемное!
АЛЕКСАНДРУ АНДРЕЕВИЧУ ИВАНОВУ Я видел древний Иордан.
Святой любви и страха полный,
В его евангельские волны,
Купель крещенья христиан,
Я погружался троекратно,
Молясь, чтоб и душа моя
От язв и пятен бытия
Волной омылась благодатно.От оных дум, от оных дней,
Среди житейских попечений,
Как мало свежих впечатлений
Осталось на душе моей!
Они поблекли под соблазном
И едким холодом сует:
Во мне паломника уж нет,
Во мне, давно сосуде праздном.Краснею, глядя на тебя,
Поэт и труженик-художник!
Отвергнув льстивых муз треножник
И крест единый возлюбя,
Святой земли жилец заочный,
Ее душой ты угадал,
Ее для нас завоевал
Своею кистью полномочной.И что тебе народный суд?
В наш век блестящих скороспелок,
Промышленных и всяких сделок,
Как добросовестен твой труд! В одно созданье мысль и чувство,
Всю жизнь сосредоточил ты;
Поклонник чистой красоты,
Ты свято веровал в искусство.В избытке задушевных сил,
Как схимник, жаждущий спасенья,
Свой дух постом уединенья
Ты отрезвил, ты окрилил.
В искусе строго одиноком
Ты прожил долгие года,
И то прозрел, что никогда
Не увидать телесным оком.Священной книги чудеса
Тебе явились без покрова,
И над твоей главою снова
Разверзлись в славе небеса.
Глас вопиющего в пустыне
Ты слышал, ты уразумел —
И ты сей день запечатлел
С своей душой в своей картине.Спокойно лоно светлых вод;
На берегу реки Предтеча;
Из мест окрестных, издалече,
К нему стекается народ;
Он растворяет упованью
Слепцов хладеющую грудь;
Уготовляя божий путь,
Народ зовет он к покаянью.А там спускается с вершин
Неведомый, смиренный странник:
«Грядет он, господа избранник,
Грядет на жатву божий сын.
В руке лопата; при́дет время,
Он отребит свое гумно,
Сберет пшеничное зерно
И в пламя бросит злое семя.Сильней и впереди меня
Тот, кто идет вослед за мною;
Ему — припав к ногам — не стою
Я развязать с ноги ремня.
Рожденья суетного мира,
Покайтесь: близок суд. Беда
Древам, растущим без плода:
При корне их лежит секира».Так говорил перед толпой,
В недоуменьи ждавшей чуда,
Покрытый кожею верблюда
Посланник божий, муж святой.
В картине, полной откровенья,
Всё это передал ты нам,
Как будто от Предтечи сам
Ты принял таинство крещенья.
30 июня 1858
Ну, коль у нас вопрос в некоторой мере про автопортрет – Наталья нас немного просветит в этой области:
Автопортрет в искусстве – это особая, даже не страница, а целая книга в становлении всего человечества. У этого жанра изобразительного искусства одно из самых богатых исторических наследий, ведь с самого зарождения изобразительного искусства человек пытался рисовать самого себя.
Если разобрать слово «автопортрет» по составу, то нетрудно догадаться, что это за жанр искусства. Автор делает свой портрет, чтобы у нас была возможность лицезреть не только его мастерство, но и скрытую сущность того, кто всё это изобразил.
Изображения себя делятся на две категории: профессиональные и личностные. К первой относятся портреты возле мольбертов и скульптурных станков, с кисточками за ушами и так далее. То есть, глядя на такой портрет, любой зритель поймёт, что перед ним художник. Вторая категория – это все остальные.
Кроме двух основных видов, есть четыре подвида, которые могут присутствовать в любой категории. Вот ещё какими бывают автопортреты:
• Отдельный или естественный. Когда автор не хочет, чтобы кто-то разделял его компанию, он пишет себя в одиночестве. В крайнем случае рядом может оказаться любимая зверушка или боевой конь.
• Групповой. Не любящие одиночество авторы пишут рядом с собой тех, кого любят или ненавидят или кого хотели бы видеть почаще. То есть на таких творениях всегда есть другие люди.
• Вставной. Очень интересный подвид. Его любят авторы больших сюжетных картин с большим числом персонажей. Очень часто среди толпы можно найти и самого художника. Он может быть в профессиональном облике, как К. Брюллов в «Последнем дне Помпеи» или в замаскированном, как С. Боттичели в «Поклонении волхвов».
  
• Символический или представительский. Иногда нам хочется побыть кем-то. Художники такие же люди, но им проще. Они могут изобразить себя, кем угодно. В этом разделе как раз такие личные изображения.
Зачем художники пишут автопортреты? Странный вопрос. А зачем люди смотрятся в зеркало? На себя посмотреть. Вот кого вы в первую очередь ищите на групповой фотографии, точно зная, что вы там есть? Ну, себя родного, конечно. Почему? Потому что хотим мы того или не хотим самолюбием нас Бог не обделил (не один Нарцисс страдал этой болезнью). В какой-то степени оно есть у всех людей. Художники такие же люди – они тоже хотят взглянуть на себя со стороны.Сегодня, когда у каждого в кармане смартфон,нет ничего проще, как сделать своё фото. Нам легко оставить свой облик и для себя, и для потомков. Если взять мастеров прошлого, то сделать «селфи» они могли, только нарисовав автопортрет.
К тому же большинство великих художников – это не менее великие трудяги. А в то время, как и в наше, «кто не работает, тот не ест». Натурщикам надо платить, а денег нет, вот и приходилось многим работать и «за того парня».
Были и такие, кто через этот вид искусства желал выразить свой взгляд на жизнь, своё мировоззрение, какие-то идеи. И не столь важно по какой причине создан автопортрет. Главное – мы видим произведения великих художников, и знаем, как выглядел сам гений!
*************************************************************************************************************************************************
Итак, коротко правильный ответ выглядит так:
1 № 309 «ЯЛЕНИЕ ХРИСТА НАРОДУ» (1837—1857) -Александр Андреевич Иванов.
Эту знаменитую картину художник писал в Италии, где в конце 1837г. он знакомится с Н.В.Гоголем. Иванов был в полном восторге от русского писателя. Гоголь стал духовным авторитетом для художника. Черты самого Гоголя можно увидеть на картине среди встречающих Мессию. Фигура, ближайшая к Христу(в красном хитоне) . Себя художник изобразил — в облике странника(в серой шляпе с посохом), сидящего неподалеку от Иоанна Крестителя.
2 № 088 «НЕРАВНЫЙ БРАК»(1862г) - Пукирев Василий Владимирович.
На полотне справа за невестой мы видим статного молодого человека, который скрестил руки. Он смотрит на жениха так, словно сверлит его взглядом. В нём узнается сам художник. А вот рядом с художником, также за невестой стоит человек, который смотрит прямо на нас, зрителей. Его взор очень неоднозначный. Вроде бы ощущение, что он сочувствует молодой невесте, но в то же время его взгляд какой-то недобрый. Есть версия, что образ списан с товарища художника по Московскому Училищу живописи, ваяния и зодчества - Петра Шмелькова.
3 №330 «В РИМСКОЙ ОСТЕРИИ» (1896г.) – Карл Генрих Блох.
На заднем плане картины сидит группа хорошо одетых мужчин. Художник изобразил себя, сидящего к нам спиной. А вот мужчина, сидящий к нам лицом и слушающий собеседника, был другом и благодетелем Карла Блоха . Он же и стал покупателем данной картины – Это известный меценат Мориц Мельхиор.
Да, ХУДОЖНИК и ЕГО ДРУГ в нашей коллекции изображены на трех картинах: "Явление Христа народу", "Неравный барк" и "В римской остерии" .И абсолютно точных верных ответа у нас тоже три: Натальи Килиной, Надежды Афанасьевой и Натальи Шакионй! Приз тоже делим на троих!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Воскресенье, 03 Декабря 2023, 20:52 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 21:06 | Сообщение # 311 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Ну а теперь для гурманов:
Монументальное произведение, на котором, как мне думается, изображен автопортрет художника и имеется (или задумывалось?) изображение его друзей, - это «Явление Христа народу», одно из самых известных полотен в истории русского искусства, созданное в 1837—1857 годах. Очень интересная история связана с этим масштабным полотном.
Александр Андреевич Ива́нов (1806 - 1858) —русский живописец и график, один из последних крупных представителей классицистической школы, ставший завершителем традиции и одновременно её реформатором; создатель произведений на библейские и антично-мифологические сюжеты. Академик Императорской Академии художеств (с 1836 г.).
 
А. А. Иванов. Автопортрет. 1828 год С. П. Постников. Портрет А. А. Иванова. Около 1873 года
По этому полотну, полному глубокого символизма и философского смысла, написано множество исследований и книг, оно разобрано и изучено буквально по штрихам и пикселям и пересказать суть всех исследований (даже вкратце) в рамках нашего проекта и хронометража выпуска никак не представляется возможным.
20 лет жизни... Такова цена шедевра, для которого в Третьяковской галерее построили отдельны йзал. Его размер просто ошеломляет своими габаритами 540 на 750 см. Картина «Явление Христа народу» должна была стать для художника Александра Иванова итогом заграничной стажировки, а стала смыслом жизни.
Для задуманного огромного полотна А. Иванов искал сюжет «всемирный», но еще никем не исполненный. На тот момент художники часто изображали либо проповедь Крестителя, либо крещение Иисуса Христа.
«…На первых страницах увидел я сущность всего Евангелия – увидел, что Иоанну Крестителю поручено было Богом приготовить народ к принятию учения Мессии, а наконец и лично Его представить народу! …Предмет сей никем еще не делан...», - писал Александр Иванов в письме отцу из Рима.
Идею никто не одобрил – ни Общество поощрения художников, которое могло поддерживать материально, ни отец, посчитавший ее слишком сложной. Но Иванов был одержим идеей мессианства. Он считал, что цель искусства – преобразить человечество.Так картина «Явление Христа народу» стала главной в его жизни. Одни называли мастера чудаком, другие – святым. О его работе знали все, но мастерская в Риме была закрыта для публики. Иванов бедствовал, так как не брал другие заказы, чтобы не отвлекаться. Отказался от семьи, чтобы не мешала работе, не смог приехать в Россию на похороны родителей, став на долгие годы «римским затворником».
Помимо самой картины до наших дней дошло более 600 отдельных сюжетов-этюдов, предшествующих основной работе, которые более подробно изображают тот или иной фрагмент полотна.В своей работе художник полностью отступил от канонов художественного академизма, поставив своей целью не только изображение известного исторического события, но и передачу посредством него важных глубокомысленных христианских идей и реакции различных людей на них. Довершил художник свое отступление от академической манеры исполнения акцентированием внимания не на теле человека, а на его лице и эмоциональных переживаниях.
Итак, в основе сюжета картины лежит библейский сюжет о первом появлении Христа в народе. Александр Андреевич считал этот момент наиболее важным, можно сказать, фундаментальным, в истории христианства. Именно после того, как люди увидели воочию Иисуса, началось нравственное совершенствование человечества, познание истинного смысла жизни.
Действие происходит на берегу реки Иордан, в котором очищались от своих грехов первые приверженцы новой религии – христианства. Центральной фигурой полотна является Иоанн Креститель, которому Бог уже рассказал о приходе спасителя на землю.На картине изображен именно тот момент, когда Иоанн впервые узрел собственными глазами Иисуса Христа, приближающегося к нему. Каждый его жест, каждая черточка его лица буквально дышат одухотворением и волнением, вот он миг, когда пророк дождался своего Мессию!
Рядом с пророком стоят апостолы, будущие ученики Спасителя, которым после его воскрешения будут разносить по миру благую весть о земной жизни Иисуса Христа.
Из вод Иордана выходят еще два персонажа картины – молодой мальчик и старик, внимательно внемлющие словам пророка, мальчик с интересом и воодушевлением выглядывает из-за толпы, чтобы внимательнее рассмотреть Мессию. Вот они – уже уверовавшие в Христа Спасителя.
По другую сторону от Иоанна Крестителя расположились люди разных возрастов, одни из которых уже очистились в водах священной реки, а другие только собираются. На лицах некоторых из них мы видим радость, а на лицах других – недоверие, они все еще сомневаются в правдивости рассказов о Мессии. Чуть дальше, на холме, мы видим толпу еврейских священников, которые со злобой смотрят на Иисуса, именно они впоследствии и станут причиной дальнейшей казни Спасителя.
Центральным звеном этой цепочки различных людских характеров и настроений является сам Иисус Христос, который находится вдали от всех персонажей картины. Его фигура преисполнена величием, но лицо просматривается плохо, так как целью автора было отображение реакции людей на приход Спасителя, а не он сам. Возможно, Иванов сделал силуэт Иисуса немного размытым еще и потому, что само христианство для людей в этот момент является чем-то непонятно-возвышенным и таинственным.
«В это самое время, когда всё движется таким различными движениями, показывается вдали Тот Самый, во имя Которого уже совершилось крещение, - и здесь настоящая минута картины. <…> Он в небесном спокойствии и чудном отдалении, тихой и твёрдой стопой уже приближается к людям» - так писал о сюжете картины известный русский писатель Николай Гоголь в 1846 году.
В первых эскизах Христос стоял возле Иоанна Предтечи. Потом Иванов решил отделить фигуру. Исследователи пытаются понять причину: может быть, потому что встретить Христа может только тот, кто хочет этой встречи?
Иванов долго работал над этим образом. Иконографической основой стал лик Пантократора, выполненный в технике мозаики еще в византийскую эпоху. Иванов зарисовал его в Сицилии.
Отдельно следует сказать о фигуре раба, подающего одежду своему господину. Его образ является чуть ли не самым колоритным во всей картине. На его лице отображена целая гамма чувств: от недоверия и смятения, до радости, умиления и восторга. Можно быть уверенными, что впоследствии этот раб стал ярым приверженцем новой религии, настолько сильны в нем чувства, вызванные словами Иоанна Крестителя и появлением Мессии.
Александр Андреевич Иванов был первым художником, который перед тем, как приступить к работе, решил досконально изучить все особенности того места и той эпохи, которую он собирался изображать. Им было исследовано огромное количество археологических и исторических источников, в том числе Евангелие, а также древние стенные росписи и иконы, дожившие до наших дней. Художником был проделан колоссальный труд, результаты которого мы можем видеть на картине «Явление Христа народу». Даже пейзаж, списанный с итальянской природы, которая очень похожа на палестинскую, изображен с неимоверной точностью.
Огромной заслугой автора является его глубокое понимание человеческой психологии. Каждого участника картины Иванов искал среди реальных людей, высматривая в них нужные ему черты характера и внешности, затем писал с него этюд, и уже после первоначальных набросков вносил участника в общий сюжет картины, добавив ему нужные эмоции.
Эта работа сделана была художником мастерски! Разглядывая полотно, невозможно поверить в то, что художник не видел всего происходящего в реальности. Настолько тонко он подметил психологические особенности каждого из участников сюжета.
Работа над этим масштабным произведением так и не была закончена автором, к концу жизни он стал разочаровываться в своем монументальном труде, к тому же подвело Иванова и зрение, не позволявшее и дальше заниматься ему живописью. Но даже в таком недоделанном виде картина поражает зрителя своей сильной эмоциональной нагрузкой, передающей разницу в общечеловеческих ценностях.
Вернемся к вопросу, который был задан: а где же на картине изображен сам автор, Александр Иванов? Да вот же он!
Сидящий странник с посохом (фрагмент картины)
Сидящий странник с посохом находится в группе людей, непосредственно примыкающих к Иоанну Крестителю. Автор полотна называл этого персонажа «странником» или «инкогнито». В собрании Третьяковской галереи хранится этюд для этого персонажа, получивший название «Путешественник». Некоторые исследователи творчества Иванова считают, что образ странника представляет собой автопортрет самого́ художника.
Странник сидит в тени, у нагромождения камней, под сенью дерева. Он в уединении созерцает «величественную картину погружённой в торжественное молчание природы, явившей миру образ совершенного человека». В отличие от других персонажей, в той или иной мере являющихся участниками события, странник — только зритель, «в душу которого происходящее не вносит никакой смуты, беспокойства, потребности действовать или допрашивать собственную совесть». По словам исследователя Николая Машковцева, «„Странник“-Иванов живёт глазами», поскольку роль очевидца исторического события «без остатка поглощает его сознание», а его образ «пронизан лучами счастья», так как он видит, что «чаяния людей осуществились».Другой исследователь Михаил Алленовписал, что «внутреннее содержание образа больше, нежели просто портретное сходство с автором».
Немного всё более сложная история с друзьями художника, изображенными на полотне. Понятно, что всякое может случиться за 20 лет, и первоначальные задумки автора могут измениться до неузнаваемости. Но всё же, изучив материалы в интернете, я решила написать об этих друзьях.
Уже упоминалось, что 20-летний труд русского живописца был окутан завесой тайны. Мастерская в Италии была закрыта для публики. Но тот факт, что Александр Иванов использовал в качестве моделей своих римских знакомых, широко известен. К примеру, среди встречающих Мессию можно увидеть черты Н. В. Гоголя. Особенно явно создатель «Мертвых душ» «читается» в этюдах Иванова.
Поговорим об этом подробнее.
В 1840-х годах Александр Иванов много общался со знаменитым писателем Николаем Васильевичем Гоголем, с которым он познакомился в Риме в конце 1830-х годов (по-видимому, не раньше 1838 года). Живописец был в полном восторге от русского писателя (в переписке с отцом он называет его «лучшим ... писателем»).Они были очень похожи по взглядам – оба видели какой-то большой смысл в своем творчестве, оба ради него отказались от семьи. Гоголь писал про Иванова: «Теперь все чувствуют нелепость упрека в медленности и лени такому художнику, который, как труженик, сидел всю жизнь свою над работою и позабыл даже, существует ли на свете какое-нибудь наслаждение, кроме работы». И вот еще: «Иванов… уже давно умер для всего остального мира, кроме своей работы», — писал Николай Гоголь. Именно благодаря его письмам в России узнали о создании картины и о жизни Иванова.
Гоголь стал духовным авторитетом для Иванова и даже участвовал в композиции картины по просьбе художника. В процессе работы над отдельными персонажами и группами «Явления Мессии» (так изначально мастер называл свою картину) художник также часто советовался с Гоголем, в частности, при создании образа раба. Интересно, что именно Гоголь предложил заменить вариант названия полотна «Явление Мессии» на «Явление Христа народу».
Существует предположение, что они вместе выбирали, куда на полотне можно было бы «поместить» русского писателя. Родилось несколько вариантов:
Вариант 1: В позе «дрожащего отца»
Дрожащий отец и его сын
В правой части полотна на переднем плане находятся фигуры «дрожащих» — мальчика и его отца. Мальчик испуганно прижался к отцу, но его взгляд обращён к Иоанну Крестителю. Отец, сутулясь, дрожа от холода и как бы стесняясь своей наготы, пытается накинуть на своё тело рубашку. При этом он не скрывает улыбки, неподдельная радость которой выделяет его из всех остальных персонажей. Предполагается, что прототипом «дрожащего» отца и мог быть Николай Гоголь.Сходство с писателем особенно заметно на этюдах, предшествующих картине.
Любопытно, что в мальчике, изображенном рядом с отцом,также угадывается реальный исторический персонаж, очень хорошо знакомый и Гоголю, и Иванову, - молодой граф Иосиф Михайлович Виельгорский, адъютант и камер-паж цесаревича Александра Николаевича. С Александром ИвановымВиельгорского познакомил Н. В.Гоголь. Об этом в записной книжке Виельгорского сделана запись 20 декабря 1838 года: «Гоголь. Открытие нового Корреджио» (под «новымКорреджио», безусловно, имелся в виду Александр Иванов).Идея изображения Виельгорского в сыне также принадлежала Н. В. Гоголю.
 
Фигура дрожащего отца на эскизе А. А. Иванова Голова мальчика(портрет И. М. Виельгорского) в повороте головы дрожащего мальчика на эскизе А. А. Иванова
Кстати, граф И. М. Виельгорский в 1839 г. в возрасте 22 лет скончался в Риме от туберкулёза на руках у писателя. Под впечатлением от этого события Гоголь написал произведение «Ночь на вилле».
И. М. Виельгорский, портрет работы неизвестного художника. Середина 1830-х годов
Но на окончательном варианте картины художник изменил своих «дрожащих» героев, придав их лицам еврейские черты, сделав их кожу более смуглой, а волосы – черными.
ариант 2: Гоголь в группе «ближайших»
Возможно, этот вариант был предложен Гоголю художником. «Ближайшие» - значит, ближайшие ко Христу. Центром композиции картины становится Спаситель, который идёт навстречу людям. И в группе ближайших к нему явно выделяется фигура, похожая на Гоголя: длинные волосы, длинный и острый, будто птичий, нос, красная одежда (вариант эскиза в Русском музее). Кроме того, если посмотрим на картину, то увидим, что все персонажи парные, и без пары остались только Христос и Гоголь. Как бы знак того, что они образуют пару. Все персонажи устремлены ко Христу или поворачиваются к нему, и только Гоголь изображён кающимся, стоящим на одной линии с Христом, смотрящим в одном направлении с Ним.
Гоголь на эскизе «Явления Христа народу»
Однаков окончательном варианте картины Гоголя нет.Есть похожий на него персонаж в простой хламиде темно-кирпичного цвета, однако, очевидно, что фигура Гоголя меняется: нет птичьего носа, волосы растрёпаны, персонаж повёрнут в сторону Мессии, т. е. пропадает идея единения с Христом.
Человек, лишь немного похожий на Гоголя, на окончательном варианте картины
Несмотря на несхожесть с Гоголем на окончательном варианте картины некоторые исследователи творчества Иванова тем не менее видят в «ближайшем к Христу» «отражение образа и духовного состояния Гоголя». В частности, Николай Машковцев писал, что «сравнение лица „ближайшего“ со всеми эскизами и рисунками Иванова, имеющими отношение к Гоголю, и сопоставление его профиля с профилем посмертной маски писателя позволяют распознать в „ближайшем“ несомненные признаки гоголевского лица». Михаил Алленов также полагал, что «эту фигуру Иванов писал с Гоголя», отмечая, что в окончательной версии картины она «претерпела существенные изменения» по сравнению с эскизами.
При этом как сам художник, так и те, кто с ним общался, ни прямо, ни косвенно не свидетельствовали о связи «ближайшего к Христу» с образом писателя, а сама фигура появлялась в эскизах, созданных еще до знакомства Иванова и Гоголя и, вроде бы, по задумке автора это должна была быть фигура мытаря (сборщика податей и пошлин). Основываясь на этом, исследователь Светлана Степанова называет присутствие образа Гоголя «одним из устойчивых мифов, вызванных искренним намерением исследователей увидеть скрытые смыслы и подтексты в картине».
Если всё же образ Гоголя задумывался на полотне, то почему он так видоизменился на окончательном варианте картины? Версии:
Точной информации об этом нет – снова зыбкая почва для предположений.
Версия первая.
В 1846-1847 гг. в отношениях Гоголя и Иванова происходит охлаждениеиз-за статьи Гоголя «Исторический живописец Иванов», где Гоголь старается поддержать Иванова, который находится в очень стесненных материальных обстоятельствах в Риме. Николай Васильевич хотел этой статьей подогреть интерес читателей к творчеству художника, что очень не понравилось Иванову. Художник не хотел всеобщей известности, не хотел, чтобы в его мастерскую толпами ходили люди. Но вряд ли этот случай мог стать причиной тому, что Иванов убрал Гоголя с картины, потому что даже после этого случая писатель продолжал оставаться авторитетом для него.
Версия вторая.
Гоголь сам выступил инициатором того, чтобы его убрали из картины. Дело в том, что Иванов написал портрет Гоголя в 1841г. Существует два списка этого портрета. Один был подарен Жуковскому, а другой Погодину, который опубликовав этот портрет в своём журнале «Москвитянин» без разрешения писателя. Гоголь считал, что вышел на этой картине забулдыгой, таким его представили читателям, а потому он просто не мог стоять в кругу «ближайших» ко Христу, потому что у зрителя не получилось бы объективно воспринять эти два образа.
А. А. Иванов. Портрет н. В. Гоголя. 1841 год
Таким образом, на картине А. А. Иванова «Явление Христа народу» присутствует автопортрет художника (тип автопортрета–личностный вставной), а также – (не знаю, как назвать) – «шлейф» от друзей автора, Николая Васильевича Гоголя и Иосифа Михайловича Виельгорского.
(по материалам Натальи Шакиной)
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Воскресенье, 03 Декабря 2023, 21:55 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 21:33 | Сообщение # 312 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| «Неравный брак», 1862 г.
Василий Владимирович Пукирев (1832—1890) — русский живописец-жанрист, академик и профессор Императорской Академии художеств.
Василий Пукирев известен как гений одной картины. Картина «Неравный брак» стала единственным шедевром мастера. Ничего лучше он создать, к сожалению, так и не смог.
Картина «Неравный брак» Василия Пукирева так и не разгадана до конца. Анализируя ее, мы вступаем на зыбкую почву догадок. Кто эта девушка с покрасневшими от слёз глазами? Что за мрачный красавец мужчина со скрещенными руками стоит за ней, ненавидяще-отчаянным взглядом упершись в спину «молодого жениха»? А что делает призрачная, с первого взгляда незаметная старуха в венчальном уборе слева от жениха, и почему смотрит на него таким странным взглядом? Сколько вопросов!
Сюжет картины «Неравный брак» мало кого оставит равнодушным: юная, печальная невеста обреченно протягивают руку, на которую склоненный в льстивом поклоне священник сейчас наденет кольцо, и отдаст ее во власть старого богатого сластолюбца, чопорного жениха, держащего свечу. Свадьба! Да вот какая-то она безрадостная…
Персонажи изображены в темной церкви.Девушка – настоящий цветок; Пукиреву удивительно удалось передать ее нежность, беззащитность и уязвимость. Она кажется ребенком, который едва-едва начал превращаться в девушку. Весь ее облик наполнен очарованием юности. Невеста написана округлыми, мягкими линиями, ее лицо и плечи и, в меньшей степени, белое платье – самые сияющие элементы этой сцены. А вот жених, напротив, кажется, весь состоит из углов и прямых линий, символизирует собой увядание, омертвение, атмосферу, в которой предстоит увянуть и девичьей прелести невесты. По сути, перед нами – договор купли-продажи. И все присутствующие участвуют в этом преступлении: родители девушки, которых не видно, но которые согласились на эту сделку, толстый поп в золоченом одеянии, сам престарелый жених…
Если посмотреть пристальнее на гостей, то слева от жениха заметим старуху, на голове у которой нелепое для ее возраста венчальное украшение… А из-за спины священника не еще ли одна старуха в венке выглядывает? Существует предположение, что эти призрачные старухи, придающие картине мрачный мистический колорит, – предыдущие жены жениха, скорее всего, спроваженные в гроб, иначе что бы им делать на свадьбе? С каким интересом задняя малозаметная старуха смотрит на кольцо, которое сейчас наденут девушке на палец, и каким мертвым, саркастическим взглядом из-за спины «молодого» взирает передняя, в столь не подходящем ей венце из флёр-д-оранжа.(От себя могу сказать, что никогда раньше я не замечала на этой картине двух старух, и только почитав про картину подробнее и рассмотрев её попристальнее, с изумлением убедилась, что да – они там есть! Да еще и в таком мистическом виде! ).
Привлекает к себе внимание мужская фигура за невестой – статный, мрачный молодой красавец со скрещенными руками. В его образе можно уловить сходство с самим художником. Выражение его лица выражает недовольство, руки сложены на груди. Образы шафера и невесты соединены в картине тонкими, опосредованными связями. Во-первых, художник продемонстрировал это, расположив их в непосредственной близости друг от друга в тесном пространстве церкви, а во-вторых, лишь они на картине молоды и объединены одним общим переживанием. На груди шафера, как и полагается, роза, приколотая у сердца, но в данном случае это знак, обрекающий героя на страдание.Так, может, история автобиографическая?
 
Василий Пукирёв в образе шафера на картине «Неравный брак», 1862 Автопортрет В. В. Пукирёва, 1868
А рядом стоит человек, единственный, чей взгляд направлен на зрителя. В его глазах читается понимание сути происходящего и глубокое сочувствие жертвам этого действа. Есть версия, что его прототип – Пётр Шмельков, товарищ Пукирева по Московскому училищу живописи, ваяния и зодчества, по одной из версий и подсказавший автору идею картины.
 
Пётр Шмельков на картине «Неравный брак», 1862 Пётр Михайлович Шмельков (1819—1890)
Возможно, здесь и кроется объяснение тому, что Василий Пукирев так быстро и стремительно написал эту картину, и тому, что она так берет за живое, никого не оставляя равнодушным? И, может, именно потому он не наслаждался успехом выставленного на Осенней выставке 1863 года в Академии художеств «Неравного брака», а спешно уехал за границу? Может, здесь кроется что-то личное?... Дело в том, что перед нами Прасковья Матвеевна Варенцова. Она была внебрачной дочерью дворянина. Семья хоть знатная, но не богатая. Замужество позволяло неплохо пристроить девушку, которой нечего было и надеяться на наследство от отца, ведь у него были и законнорождённые дети. По письмам современников мы можем предположить, что в эту девушку был влюблён сам художник, Василий Пукирев. Но несмотря на то, что она была внебрачным ребёнком, родители не готовы были её выдать за крестьянина, ведь Пукирев был из низшего сословия и стал художником исключительно благодаря своему таланту.
В пользу этой версии говорит еще один факт. В 2002 году Третьяковская галерея приобрела карандашный рисунок, сделанный художником Владимиром Суховым в 1907 году. Он подписан: «Прасковья Матвеевна Варенцова, с которой 44 года назад художник В. В. Пукирев написал свою известную картину «Неравный брак». Госпожа Варенцова живёт в Москве, в Мазуринской богадельне».
Напрашивается версия, что молодой Василий Пукирев влюбился в красивую девушку Прасковью, которую выдали замуж за богатого купца Варенцова. Она пережила своего старого мужа, но, судя по тому, что последний известный портрет ее сделан в богадельне, счастья и богатства сей брак ей не принес.
Впрочем, с картиной связана еще одна история. Дело в том, что в Третьяковской галерее хранится эскиз к картине «Неравный брак». И что мы видим? За спиной невесты по-прежнему стоит сурового вида мужчина со скрещенными руками. Но это же другой человек!
Неравный брак. Эскиз одноименной картины, 1862. Портрет Варенцова
Удивительно, но в этой версии фигурирует та же фамилия. То ли не всё мы еще знаем об этой картине, то ли странное совпадение? Друга Василия Пукирева звали Сергей Варенцов. Он был влюблен в Софью Рыбникову. Они принадлежали к одному кругу – купеческие дети. Но так вышло, что ему предпочли другого – то ли родители, то ли сама девушка… Софья вышла замуж за Андрея Карзинкина. Он был действительно богаче Варенцова и старше невесты – но отнюдь не настолько, чтобы стать реальным прототипом картины: их с невестой разница в возрасте составляла 13 лет. А поскольку семьи Варенцова и Карзинкиных были связаны другими узами и делами, то Сергей еще и не смог отказаться от «чести» быть шафером на свадьбе. Потому он изображен позади невесты.
Видимо, Сергей Варенцов очень страдал, делился переживаниями с товарищем и подтолкнул его к созданию этой картины. Но прошло некоторое время, страсти улеглись, Варенцов собрался жениться на другой. И обнаружив, что Пукирев вздумал увековечить его страдания по прошлой любви, устроил грандиозный скандал. В результате Василий Пукирев сохранил название и сюжет картины, но при этом видоизменил ее. И поскольку травма друга уже поросла быльем, а у него самого произошла подобная история (они в то время были явлением распространенным), художник написал за спиной молодой невесты себя самого.
Примечательно то, что на картине изображен один знакомый художнику человек. Сбоку на картине изображена голова рамочника Гребенского, имевшего свою рамочную и позолотную мастерскую в Москве и обещавшего сделать художнику раму для картины «каких ещё не было» (и сделавшего такую раму!).
<a class="link" href="https://moifotki.org/i/f4b7c48ae4504b6a8ce26eeaa06727dc" rel="nofollow" target="_blank"> 
Что же касается образа жениха, исследователи склоняются к тому, что он получился собирательным. В нем находят черты тверского предводителя дворянства Алексея Полторацкого, князя Павла Цицианова и даже повара, служившего в доме Сергея Варенцова. Вероятно, и тот, за кого выдали замуж невесту Пукирева, тут виден.
Картину приняли восторженно, Владимир Стасов назвал ее одной из самых грандиозных и трагических работ русской школы, а историк Николай Костомаров честно признался, что, взглянув на эту картину, отказался от намерения жениться на юной девушке.
Итак, подведем итог: на картине «Неравный брак» изображен сам художник Василий Пукирев (вид автопортрета, согласно приведенной выше классификации, – личностный вставной), а также его друг Пётр Шмельков. Кроме них, изображен рамочник Гребенский (он, может, и не друг художника, но точно его знакомый).
(по материалам Натальи Шакиной)
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Воскресенье, 03 Декабря 2023, 21:56 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 21:53 | Сообщение # 313 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| «В римской остерии», 1848 г.
Карл Генрих Блох (1834 - 1890) — известный датский художник.
Карл Генрих Блох «Автопортрет»
Будущий живописец появился на свет в обычной датской семье, где никто не помышлял о художественном будущем ребёнка. Напротив, родители видели в Карле офицера морского флота: прочно стоящего на ногах, материально обеспеченного человека. Отец художника – Йорген Питер Блох – занимался торговлей, он хорошо знал язык денег, поэтому и мыслил рассудочно, как любой коммерсант. Мать Карла – Ида Эмили Ульрик Генриетта Вейтцман Блох – поддерживала мужа и откровенно не понимала сына, когда тот заявлял, что станет художником.
Тем не менее поразительная осознанность и ясный ум привели Карла в стены Датской Королевской Академии изящных искусств. 1855 год – начало обучения и обретение первого серьёзного учителя – Вильгельма Николая Марстранда. Профессор Академии оказал большое влияние на молодого художника. Карл полюбил бытовые зарисовки из жизни людей. Уличные жанровые сценки он пропитывал запахами таверен, житейским юмором, нежной симпатией к своим персонажам.
Усердие и талант молодого художника академия оценила, наградив его малой серебряной медалью. Участие в студенческих выставках, каждодневные занятия и творческие поездки – привели Карла к заслуженному результату. В 1859 году он получает грант для продолжения обучения и совершенствования художественного мастерства.
Впереди – большое путешествие: Голландия, Франция, Италия! Знакомство с творчеством крупных художников, образцы блестящей живописи, скульптуры и величественной архитектуры. Начинающий мастер был потрясён творчеством нидерландцев, в особенности великим Рембрандтом, полюбив игру света и тени на его полотнах, манящую загадочность, драматизм…
Французская живопись погрузила Карла в сентиментально-чувственные зарисовки, полные неги пасторали. И вот он у дверей знаменитого Парижского салона… Цветущая Италия не отпускала мастера много лет, ослепляя великолепием художественного наследия. Первым триумфом Карла стал «Освобождённый Прометей», картину в 1865 году он показал в Копенгагене. Теперь художник – один из лучших мастеров европейского уровня. Он получает крупные заказы на монументальные росписи, блестяще работает в портретном жанре.
В период с 1859-1866 гг. у Карла Блоха формируется собственный стиль, он много работает в мифологическом жанре. В Риме Карл встречает свою будущую жену – Альму Трепку, в 1868 они женятся. Любовь, рождение восьмерых детей, счастье семейной жизни, признание таланта и успех творчества – судьба щедра к художнику. Казалось, так будет всегда...
«Освобождение Прометея», 1865
Самое знаковое предложение мастер получил от датского пивовара – Якоба Кристиана Якобсена. Оплачивая восстановление замка Фредериксборг после пожара, меценат заказал Карлу Блоху 23 картины на темы жизни Христа.
С 1865–1879 гг. художник будто бы сам проживает историю рождения, жизни и смерти Иисуса. Он добивается особенной выразительности в немом, открытом взгляде Христа, направленном на зрителя. Но иногда Иисус «пойман» художником в неожиданных размышлениях, диалогах с самим собой, внутренней борьбе.
 
«Пусть дети идут ко мне», 1865-1879 «Нагорная проповедь», 1865-1879
 
«Иисус в Гефсиманском саду», 1865-1879 «Воскресение Иисуса Христа», 1865-1879
Оригиналы, написанные в период 1865—1879 гг., до настоящего времени хранятся во дворце Фредериксборг.
Четырнадцать лет Карл Блох искал ответы на главные вопросы своей жизни и творчества через судьбу Христа. Теперь же на полотнах художника каждый находит своего Бога: слышащего и кроткого, серьёзного и глубокого, правдивого и чистосердечного. В 1886 году Карл теряет любимую жену. Её неожиданная смерть подкосила здоровье художника.
Через четыре года в возрасте 63 лет Карл Генрих Блох умирает от рака.
Мастер успел закончить свой автопортрет для флорентийской галереи Уффици. Старейший музей Италии признал высокий талант датского художника, сумевшего рассказать о Христе высоко и красиво, без пафосного величия. Библейские сюжеты и образы Карла Блоха – прекрасные учебные пособия начинающим авторам исторического жанра. Согревающие душу, вдохновляющие примеры – для всего человечества. Внутренние откровения и монологи – для каждого из нас…
И вот она, картина «В римской остерии», написанная в 1866 году. В настоящее время полотно находится в Государственном музее искусств в Копенгагене.
Карл Блох создал картину «В римской остерии» под впечатлением поездки в Италию. Эта картина стала для мастера своеобразным «перерывом» между созданием религиозных и исторических работ.Как уже было сказано выше, Блох был учеником Вильгельма Марстранда, картина имеет сходство с работой Марстранда «Сцена в итальянской остерии». Картины с экзотическими итальянскими сценами быта были модными в то время среди знати Копенгагена.
Полотно относится к жанровой живописи и является образцом мастерства К. Блоха в реалистичности изображения, в частности в написании деталей — одежды, посуды, еды. При более длительном рассматривании картины множество деталей можно увидеть сквозь стекло или ткани. Трое основных персонажей картины внимательно смотрят на зрителя: девушки кокетливо, а мужчина в белой рубашке и в шляпе – настороженно. На голове одной из девушек надет странноговида головной убор . Примечательно, что никого не удивляет присутствие на обеде кота, который является одним из главных персонажей этой мастерски написанной картины. Кстати, в наше время Рим - один из немногих городов, где кошкисчитаются местной достопримечательностью и охраняются законом.
Работа была приобретена Морицем Г. Мельхиором (Moritz G. Melchior), благодетелем и другом Блоха; сам Мельхиор также изображён на заднем плане картины (мужчина, сидящий за столом и разговаривающий с друзьями), рядом с ним (человек, сидящий спиной к зрителю) Блох изобразил и самого себя. И снова это личностный вставной автопортрет.
Мориц Герсон Мельхиор (Moritz G. Melchior) (1816-1884) был еврейско-датским бизнесменом. Он возглавлял торговый дом Moses & Søn G. Melchior с 1845 года. Мориц Г. Мельхиор и его жена Доротея Мельхиор были одними из самых близких друзей Ганса Христиана Андерсена в более поздний период его жизни.
Портрет Морица Мельхиора, написанный Ф. К. Лунд в 1865 г.
Cохранилась фотография 1868 года, которая сделана самим Морицем Мельхиором, где картина «В римской остерии» висит в его апартаментах над диваном в гостиной.
(по материалам Натальи Шакиной)
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 21:58 | Сообщение # 314 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №14
066, 067, 068, 203, 308 Магнолии
Почему у магнолии такие «восковые» лепестки?
Вот ответ победителя - Татьяна Ерина:
Магнолии появились на Земле очень давно, когда еще на планете жили динозавры, но не было пчел. Поэтому цветки магнолии приспособлены к опылению только жуками. Листы и цветки достаточно жесткие, чтобы избежать повреждения жуками. Так как температура внутри бутона на 10°С выше температуры окружающей среды в бутон залезают жуки. В это время тычинки прижаты к цветоложу и на дне чашечки цветка выделяется много нектара. Поедая нектар и пыльцу, жуки ползают по всему цветку, перенося пыльцу на рыльца и происходит самоопыление.
Вечером цветки закрываются, причем три внутренних лепестка складываются очень плотно, «запирая» не улетевших жуков на ночь.
А утром цветки раскрываются, тычинки растрескиваются и отделяются от цветоложа. Жуки, покидающие в это время цветки, обычно густо покрыты пыльцой, и, переходя на другие цветки, осуществляют перекрестное опыление.
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Воскресенье, 03 Декабря 2023, 23:19 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 23:45 | Сообщение # 315 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| и, как всегда, для гурманов:
от Натальи Шакиной:
Услышав новый вопрос утром в субботу (из-за географического положения я могу слышать Ваши вопросы, когда у нас в Приморьеуже утро субботы), я начала подбирать информацию о магнолии и продумывать, каков будет мой ответ и как я его выстрою найденную информацию, чтобы она была интересной и познавательной для других вышивальщиц, как была интересна и мне, но оформление самого ответа я оставила на более позднее время. А семьей в воскресенье мы с решили поехать в Ботанический сад г. Владивостока. Поехали туда,как всегда,за умиротворением. Всего 15 километров от центра Владивостока — и ты оказываешься в царстве растений, наполненном покоем, тишиной и пьянящими запахами. Сейчас это запахи прекрасной приморской осени…
Два гектара из 20-ти в саду занимает экспозиция редких растений, которые культивируют на нашей земле учёные Дальневосточного отделения Российской академии наук с 1949 года. Кстати, им удалось вырастить самую большую в России коллекцию магнолий — более 20 видов и сортов. Такого разнообразия нет даже в Сочи, где магнолия растёт в естественных условиях.
Сейчас в октябре, конечно, наши листопадные магнолии уже давно не цветут и даже в высохших «шишечках» нет семян, но вот на одном из деревьев магнолии (это была магнолия Зибольда, которую у нас во Владивостоке с недавних пор стали выращивать даже в городских скверах), я увидела информационную табличку, где – вот это совпадение! - коротко был изложен тот ответ, который я и собиралась написать Вам. Вот эта табличка:
А начну свой ответ с цитаты из статьи о магнолиях, опубликованной в журнале «Наука и жизнь» (№3 за1988 г.), автор которой - натуралистс несомненным даром писателя, кандидат биологических наук Г. Проскурякова:
«Сумерки совсем сгустились, но и в полутьме видны цветы магнолии. Светятся? Среди почти черной листвы молочная белизна закрывшихся на ночь огромных цветков и тугих бутонов притягивает взгляд, и отвести от них глаз невозможно.
Однако цветок вздрогнул! Почудилось? Еще. И еще раз. Приложив ухо, слышу, как кто-то тихо поскрёбывает внутри. Раздвигаю прохладные лепестки, разворачиваю цветок, и на ладонь выкатывается пара жуков-бронзовок. Обмерши от страха, поджав лапки, они лежат неподвижно.
Крупный цветок представляет им комфортабельный ночлег, защищающий от непогоды, обычной ночной сырости в холода в обмен на совсем пустячную услугу - опыление. Жуки оказывают её между прочим, ибо забрались в цветок за другим: для них он полон гастрономических соблазнов. Крепенькие мясистые тычинки, нектар, обильная пыльца, упругие лепестки и еще сочные и нежные плодолистики очень лакомы, и жуки снуют в цветке, с аппетитом закусывая. Пиршество так поглощает, что они не замечают опустившихся сумерек, не замечают, как поднимаются и складываются домиком лепестки, замыкая выход из прекрасной темницы. Жуки и ночью пируют, хотя в тесном пространстве это уже не так удобно.
Перепачканные пыльцой с ног до головы, жуки, однако, не могут произвести опыление внутри цветка: пыльца и рыльца в одном растении созревают в разное время. Только перелетев на цветок другого дерева, жук может отряхнуть там часть своего живого груза на зрелые липкие рыльца. Растение избегает самоопыления, дающего, как правило, ослабленное потомство. И только в самом конце цветения растение страхуется на всякий случай - идет самоопыление с помощью все тех же жуков. Аппетиты их безмерны, и цветы после длительного разгула насекомых выглядят жалко. Тем более что самые нетерпеливые не раздвигают лепестки бутона или цветка, а прокусывают их, чтобы быстро добраться внутрь.
Опыление растений с помощью жуков - самая древняя форма связи с насекомыми. Ведь жуки стали опылять цветки растений задолго до других насекомых - пчел, бабочек и др. Да и сама магнолия - одно из древнейших цветковых растений на земле».
То есть, вот таким получился мой ответ на Ваш вопрос: у магнолии такие «восковые» плотные лепестки для того, чтобы жуки, которые опыляют цветки, не могли бы их повредить или съесть (хотя, видимо, некоторым жукам, самым нетерпеливым,всё же иногда удается их прокусить и испортить).
Кстати, лично мне кажется, что лепестки магнолии выглядят так, как будто они сделаны из тончайшего белоснежного фарфора, а никак не из «пластмассы», как выразилась ваша покупательница. Сейчас я сама начала вышивать «Магнолию на красном бархате», но пока до главной героини картины мне еще очень далеко, но я жду не дождусь, когда же на канве появится красавица-магнолия, которой я так восхищаюсь.
Магнолия(лат. Magnolia)—родцветковых растенийсемействаМагнолиевые, содержащий около 240 видов.Утончённость внешнего вида магнолий позволила известному исследователю К. Льюису назвать их «аристократами растительного мира».
Это цветущее растение очень древнее. Японские археологи на острове Хоккайдо обнаружили окаменевший цветок, который цвел 18 миллионов лет назад. Под микроскопом хорошо видны даже семена этого растения, похожего на одну из разновидностей современной магнолии. Биологи, исследовавшие редкую находку, утверждают, что это первый известный ископаемый цветок эпохи мезозоя. Также цветки были обнаружены в окаменелостях динозавров в районах Северной Америки и Азии.Сохраниться магнолия смогла главным образом потому, что сравнительно легко и быстро адаптируется к изменчивым климатическим условиям.Вместе со своими сородичами по семейству лимонником китайским, лириодендроном тюльпанным и михелией дерево магнолия, по сути, является прародительницей всей современной цветочной флоры.
Существуют две распространенные легенды из Китая и Японии о появлении на земле магнолий. Обе легенды легко найти в интернете, они крайне печальные, поэтому я не буду их здесь пересказывать… Для меня цветущая магнолия, усыпанная восхитительными благоухающими цветами, – это начало лета, бесконечное голубое небо и солнце и еще надежда на то, что дальше всё будет хорошо!
Магнолия названа в честь ботаника — Пьера Магнола (или,по-другому, Маньоля) , французского ботаникаXVII-XVIIIвека. Он родился в Монпелье, где жил и работал большую часть жизни. В конце жизни он стал профессором ботаники и директором Королевского ботанического сада в Монпелье и даже в течение непродолжительного времени занимал кресло академика в Королевской академии наук в Париже. Работы Маньоля в области ботанической систематики имеют непреходящее значение. Он первым ввел в употребление категорию семейства и одним из первых пытался разработать естественную классификацию растений.
Шарль Плюмье назвал род Magnolia в честь французского ботаника Пьера Маньоля в начале XVIII века. С происхождением родового названия растения связывают историю. Во времена Людовика XIV во Франции предпринимались многочисленные экспедиции, в целях которых был поиск новых лекарственных растений. Францисканский монах и ботаник Шарль Плюмье трижды побывал в Америке, и каждый раз возвращался оттуда с образцами новых невиданных растений. Однажды в тропическом лесу он обнаружил удивительное дерево с огромными душистыми цветками и дал этому растению имя своего друга, профессора ботаники Пьера Маньоля. В русском языке сначала использовалось название «Маньолия», которое затем модифицировалось на современный лад.
Первую магнолию завезли в Европу из Америки в конце XVII - начале XVIII века. И когда с ней познакомились европейцы, их восторг был неописуем. Началась «магнолиевая лихорадка», подобная «тюльпановой горячке» в Голландии: садоводы воровали друг у друга редкие и дорогие виды этого декоративного растения. Особенно сильно пострадал сад на Мельничном холме в Мидэссексе, принадлежащий англичанину П. Коллинзу, другу Карла Линнея. Этот сад обворовывали дважды, и в дело даже вмешались газеты: 4 июля 1768 года было опубликовано обращение в парламент с просьбой пресечь разбой.
Магнолии принадлежат к древним цветковым растениям — в меловом и третичном периодах они были широко распространены до современной Арктики, а ныне растут в естественных условиях в двух разных концах света - в Юго-Восточной Азии и в Америке. Все они - теплолюбивые деревья и потому в большинстве не выходят за пределы тропиков и субтропиков. Из-за расположения основного ареала магнолий в тропическом и субтропическом поясах, а также из-за красоты листвы и цветков, эти растения часто используются в произведениях искусства как символы, узнаваемые атрибуты южных стран. Примечательно, что белая магнолия почиталась в Китае как символ женственности, хорошего вкуса, безмятежности, чистоты и искренности. Даже сейчас в Китае магнолию сажают у входа в дом, чтобы она направляла внутрь благотворную энергию ци.
Род магнолий обособился в те времена, когда пчёл ещё не было, цветы этих растений приспособлены к опылению при помощи жуков: плодолистики у них достаточно жёсткие, чтобы избежать повреждения или поедания жуками. О древнем происхождении растения свидетельствует крупный, чрезвычайно просто устроенный цветок магнолии. Цветки обычно очень крупные, ароматные, белые кремовые или пурпурные. Все части цветка насажены на сильно вытянутое цветоложе - уже это признак древности. Цветок магнолии - как уменьшенная модель побега, у которого все части насажены на единый стержень-стебель.
Крупные лепестки магнолии слегка вогнуты, как ладонь, подставленная под струю воды. Лепестков, образующих чашу цветка магнолии, может быть 6, 9 или 12. Нижнюю часть цветоложа, торчащего посередине, густо одевают тычинки. Они необычны: плоские, мясистые, они не разделены на тоненькую тычиночную нить и пыльцевой мешок, как у подавляющего большинства других растений. В цветке магнолии мы видим самый древний тип структуры тычинки: таким он был у древних цветковых растений до того, как много позже произошла дифференциация ее частей. Магнолия донесла этот примитивный древний тип до наших дней во всем его своеобразии - ее тычинка более похожа на узкий листок с пыльцой на его поверхности.
Плодолистики, как и тычинки, опоясывают цветоложе плотной живой спиралью - каждый отдельно, но рядом с соседним. Когда опадают лепестки и тычинки, плоды магнолии подобны крупной шишечке, торчащей на конце побега. Созревая, она раскрывает все свои плодики - они трескаются по спинному шву, и из трещины выпадает довольно крупное семя, повисая на длинном, тонком, как нить, семяносце. Зрелая «шишка» магнолии, обвешанная множеством кораллово-розовых семян, выглядит довольно неожиданно.
Примечательно, что форма плода магнолии в виде шишечки и обилие эфирных масел во всех частях дерева подтверждает родство – как это ни странно - с хвойниками.
Семейство магнолиевых насчитывает двенадцать родов и около 240 видов, среди которых немало удивительных растений, известных с древнейших времен. В их числе «священный ухо-цветок» ацтеков, толстые мясистые лепестки которого с завернутыми краями напоминают человеческое ухо. Это и знаменитый иланг-иланг–«порхающий цветок», масло из лепестков которого высоко ценится в производстве духов. Это и «шедевр природы» - растение инков черимойя, чьи плоды не имеют равных по изысканному вкусу и аромату. Удивительным растением является и каулифлория, чьи цветы растут прямо на стволе. Дальним родственником магнолии являетсямускатник, вечнозеленое дерево 15-метровой высоты.
Американцы зовут магнолии либо «огуречными деревьями» за схожесть плодов с огурцами, либо «деревьями-зонтиками» за то, что листья дерева, собранные на концах ветвей, образуют зонтик. Из них самая привлекательная - магнолия крупнолистная. Ее листья бывают длиной до метра, и под одним листом вполне можно укрыться от дождя, а их в зонтике шесть или семь. У американских магнолий цветы белые или кремовые.
В США магнолия является официальным цветком штата Миссисипи и Луизиана, причем штат Миссисипи даже именуют «Государством Магнолий» именно из-за обильного распространения этого растения.
Не менее, пожалуй, замечательна тоже американская (родом из юго-восточных штатов США: Северной Каролины, Флориды и Техаса) магнолия крупноцветковая— это высокое деревона родине вырастает до 30 метрови имеет широкий ствол до 1,5 м в обхвате. Сейчас это дерево украшает всё наше черноморское побережье в Крыму и на Кавказе. Там можно встретить целые плантации и улицы, обсаженные магнолиями. Удивительны такте улицы магнолий в Адлере, Сухуми и Сочи (причем в Сочи крупноцветковая магнолия является одним из символов города.) У нас она вырастает чуть пониже, чем в Америке – до 20 метров.
В России крупноцветковая магнолия впервые появилась в 1816 году. Учёные Никитского ботанического сада потратили около 40 лет, чтобы приучить теплолюбивую красавицу к нашему климату (стати, не так давно, 11 июля 2016 года в Никитском ботаническом саду отметили ровно 200 лет со дня появления здесь крупноцветковой магнолии).Привезённая вторым директором Императорского Никитского сада Николаем фон Гартвисом, она с трудом приживалась на сухих известковых почвах. К новому месту обитания культура смогла привыкнуть только после того, как для окрепших саженцев стали выкапывать огромные котлованы, в которые засыпали специально привезенную из хвойных лесов землю.
Вечнозеленая магнолия во всякое время года насыщает плотной, массивной зеленью бульвары и парки южных городов. У растения широкая пирамидальная крона с густой листвой. Листья плотные и толстые, глянцевые, гладкие на ощупь. Сверху они тёмно-зеленые, а снизу жёлто-бурые. Они крупные и могут вырастать до 25 см.В молодом возрасте магнолия крупноцветковая развивается медленно, прирастая ежегодно всего на 60 см.
Но, конечно, пора триумфа этого дерева - цветение. Сливочно-белые цветы, распускающиеся в конце мая, потрясают не только своей красотой и невероятным запахом, но и размерами - лепестки могут вырастать до 25-30 см, шириной до 5 см. Центральный цветочный столбик фиолетово-пурпурный с жёлтыми тычинками. Цветки тяжелые, они сидят по одному на концах ветвей, тяжко, упруго покачиваясь на ветру. Их густой приторный аромат ощущаешь издалека. Дерево это необыкновенно парадно и используется именно в парадных случаях, украшая зеленые партеры перед дворцами, приморские бульвары и т. д.
 
 
После цветения, на ветках начинают формироваться рыже-коричневые «шишки» длиной до 10 см с выступающей красной оболочкой. Сами семена имеют чёрный цвет. Плодоносить крупноцветковая магнолия начинает только на 10-й год своего роста.
Эта магнолия светолюбива, ветроустойчива и довольно хорошо выносит условия города. Восковой налет на листьях делает дерево стойким к промышленным газам. Также дерево устойчиво к вредителям и болезням.
Многие не знают или забывают, что магнолия — ядовитое растение. Её пряный сладко-лимонный дурманно-пьянящий аромат может вызвать головную боль, головокружение и даже обморочное состояние.
В цветках, листьях и молодых ветках магнолии крупноцветковой содержится 5-14% масел, а в семенах до 42% эфирного масла, насыщенного стеариновой, олеиновой, пальмитиновой, линоленовой и прочими кислотами. В жаркую погоду деревья испаряют эфирное масло в таком количестве, что стоит поднести зажженную спичку, как вспыхивает фиолетовое пламя. Не удивительно, что парфюмерная промышленность многих стран при производстве косметической продукции применяет эфирные масла магнолии.
В Азии растут магнолии, цветы у которых розовые или красные, и зацветают они, когда на деревьях еще нет листьев. Например, магнолия Суланжа с роскошными нежно-розовыми цветами на голых ветках. Листьев на растении еще нет, и из земли торчат ветви в розовых цветах. Это безумно красиво!Как не устроить фотосессию на фоне цветущей красавицы?
Надо заметить, что интенсивность окраски этой магнолии зависит от погодных условий. Чем теплее перед цветением и в период цветения, тем ярче цветок.
«Ее розовые цветы - как неведомые тропические птицы, присевшие на ветви передохнуть. Похожие на бокал, лишь приоткрытые, крупные, они сидят по одному на темных ветвях с едва проклюнувшимися, зеленью листовыми почками. Внешние листочки околоцветника, часто густо-малиновые, бережно закрывают внутренние - немыслимо нежные, светлые, розовые, а иной раз почти белые. Высвеченные солнцем, ароматные, прекрасные в своей изысканной простоте, цветы магнолии Суланжа - лучшее, несравненное украшение весеннего парка».
Когда эта магнолия отцветает, огромные с ладонь лепестки покрывают зеленую траву возле куста, как бело-розовый зефир. Очень красиво!
Одна из азиатских магнолий растет на нашем дальневосточном острове Кунашир Курильской гряды. Она носит название0обратноовальная (или обратнояйцевидная) магнолия.Это самый северный вид магнолии. Листья ее, сверху зеленые, а снизу голубовато-белые, похожие на почтовую бумагу, и раньше применялись вместо почтовых открыток. Этот редчайший в нашей стране вид, над которым сегодня нависла угроза исчезновения, занесен в Красную книгу и охраняется.
Не могу отдельно не написать о тех видах магнолии, которыми я не устаю любоваться каждое лето в скверах моего родного города. На улицах Владивостока магнолии появились относительно недавно, а цветут разные виды с начала весны и до августа. Меняющийся климат и отсутствие врагов в нашем регионе пришлись этим древнейшим цветковым растениям по вкусу, и теперь они привлекают горожан своими нежными цветами и невероятным ароматом.
Территория юга Приморского края относится к третьей зоне зимостойкости, которая считается одной из самых суровых в мире для выращивания магнолий. Несмотря на значительные суточные перепады температуры воздуха в зимний период, сильные ветра,отсутствие устойчивого снежного покрова и промерзание почвы зимой, возвратные заморозки в весенний период, дальневосточным биологам удалось культивировать многие виды и сорта магнолий на юге Приморского края.Недаром про климат Приморья шутливо говорят, что «широта у нас крымская, а вот долгота – колымская». Тем не менее, представители рода магнолиевых выращиваются в Ботаническом саде-институтеДальневосточного отделения Российской академии наукс 1972 г., где, как я уже упоминала, за 50 лет их собрано более 20 видов.
А вот в скверах и улицах Владивостокамагнолии начали появляться только с 2014 года – сотрудники Ботанического сада ДВО РАН с помощью спонсоров в течение трёх лет высадили в городе и пригороде 500 саженцев этих реликтовых растений. К сожалению, прижились далеко не все: часть деревьев были переломаны, какие-то повреждены при скашивании травы.
В приморской столице высажены только два вида магнолий: магнолия кобус и магнолия Зибольда. Обе они не вечнозеленые, а листопадные. Они достаточно морозоустойчивы и хорошо чувствуют себя в условиях юга Дальнего Востока и Приморского края. Эти растения довольно неприхотливы и одной из их особенностей является то, что они не подвергаются нападкам насекомых и на них не было отмечено никаких грибковых заболеваний.Так что наши приморские жуки не покушаются на целостность восковых лепестков магнолии, по крайней мере, я ни разу не видела прогрызенных цветов, увядших по этой причине; все засыхают естественным образом. Вероятно, специфических вредителей с магнолиями в наш регион не было завезено, а местные вредители предпочитают другие растения.
 
Магнолия кобус
Магнолия кобус цветёт ранней весной: на ещё безлистных деревьях появляются нежные белые цветы, которые могут достигать 7-8 см, а иногда и 10 см в диаметре. Но такой магнолии я у нас в городе не видела, возможно, просто не обращала внимания. Нужно будет повнимательней присмотреться следующей весной к раннецветущим кустам.
Фотографии цветущей магнолии Зибольда я пришлю Вам в виде архива фотографий в приложении к этому ответу; они были сделаны лично мной в последние 3-4 года; также там есть несколько фото, скачанных с нашего городского порталаVL.RU.
Магнолия Зибольда (лат. Magnoliasieboldii)—видцветковых растений семействаМагнолиевые, произрастающий вВосточной Азии: вКитае,ЯпониииКорее. Цветы висячие, чашеобразные, диаметром 7 - 10 см с 6 - 12 лепесткамибелого цвета с яркой бордовой сердцевиной. Выращивается в садах как декоративное растение. Магнолия Зибольда – это крупный кустарник или небольшое дерево 5—10 м в высоту. Является национальным цветком Северной Кореи.Относится к наиболее зимостойким представительницам своего рода, растет в России во Владивостоке и Санкт-Петербурге. Начинает магнолия у нас цвести в июне и продолжается обильное цветение до начала августа;иногда цветет и теплой осенью; плодоносит в сентябре-октябре. Соплодия (шишечки) сначала зеленого цвета, но к осени они краснеют.
Интересно и то, что в наших краях специалисты Ботанического сада отмечают случаи размножения магнолий самосевом и внедрении магнолии в естественные природные сообщества. По их словам, это важные данные для научного сообщества, ведь такое явление свидетельствует об изменениях климата, о котором так много сейчас говорят: почва промерзает слабо, из-за чего магнолии лучше зимуют и маленькие сеянцы не вымерзают зимой без дополнительного укрытия.Это ещёодно свидетельство глобального потепления и изменения климата. Это говорит о том, что буквально на наших глазах происходят изменения окружающей природы. Так что, вполне вероятно, что в скором времени количество цветущих магнолий на улицах Владивостока увеличится и всё больше людей будут выходить летом любоваться этими восхитительными цветами и вдыхать их чудесный аромат, как это делаю я!
Стоит отметить, чтонаша магнолия Зибольдабыла завезена с Дальнего Востока вАлтайский край, где выращивается в открытом грунте, став первой магнолией, которая зацвела в Сибири.
А вот еще несколько видов магнолий, которые показались мне примечательными.
Магнолия виргинская, или вирджинская — вечнозелёное или полувечнозелёное дерево до 20 м высоты. Это настоящая тропическая магнолия, которую можно встретить только на Черноморском побережье. Этот вид был интродуцирован в Россию одним из первых из рода Магнолий, еще в 1688 году, однако широкого распространения он так и не получил.
Ствол у представителей вида прямой, ветви голые, почки покрыты крохотными ворсинками. Магнолия виргинская обладает овальными, полувечнозелеными листьями, с заостренной вершиной и широким основанием, длиной до 12 см. Сверху листовая пластина темно-оливковая, гладкая, полированная. Снизу листья дымчато-бирюзовые, нежные и бархатистые на ощупь. Черешки маленькие, длиной не более 2 см, гладкие, не опушенные.
Цветёт магнолия виргинская с июня по август. Цветки чашевидные 5-7 см в диаметре. Они сливочно-белые, невероятно ароматные с 9-12 обратнояйцевидными лепестками. Считается, что у цветов магнолии виргинской наиболее непревзойденный аромат. Плоды растения — темно-багряные сборные листовки, длиной до 5 см. По форме они напоминают эллипс или конус.
Редкая магнолия Делавея, которую относят к вымирающим видам. Это небольшое вечнозеленое дерево имеет охранный статус и в естественных условиях произрастает в краях с тёплым климатом.
Родина магнолии Делавея — Китай. Произрастает в южном Китае (Гуйчжоу, Сычуани, Юньнани), в горах на высоте 1500 – 2800 м во влажных мшистых лесах в составе подлеска.
В научной книге писателя-аквариумиста Николая Золотницкого (1913 г.) «Цветы в легендах и преданиях» есть строчки, в которых пишется о том, что аббат по имени Делавей в китайской провинции Юньнань нашёл жёлтый цветок пиона, а также ещё одно растение - ту самую магнолию. Это произошло примерно в 1883 - 1884 годах. Растение получило название в честь нашедшего его впервые аббата.
Рост магнолии Делавея обычно не превышает 8-10 метров. Листья у них продолговатые, закругленные сверху. Низ листьев слегка опушен, тёмно-серого цвета. Верх — гладкий, зелёной окраски. Длина листа обычно 10-20 см.
Цвет лепестков похож на цвет сливок, лепестки формой напоминают лодочки или крылышки. Застать цветение Делавеи — большая редкость, так как оно очень скоротечно. Светло-коричневые (жёлтые) тычинки и пестики располагаются в середине цветка в виде длинного конуса. В России магнолию можно увидеть только на Черноморском побережье Кавказа (г. Сочи).
  
  
  
(по материалам Натальи Шакиной)
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 23:47 | Сообщение # 316 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| от Натальи Килиной:
Мне удалось найти две легенды о происхождении магнолии: китайскую и японскую.
По китайским преданиям, в давние времена злые хунхузы (разбойники) напали на небольшое мирное селение, расположенное в глубине гор. Они сожгли деревню, забрали скот, уничтожили посевы риса, убили мужчин, стариков и детей, оставили на площади только сто самых красивых девушек себе для развлечений.
Девяносто девять дней и ночей веселились захватчики, и каждое утро убивали одну из пленниц. Когда пришел черед умирать последней, обняла она землю и начала горько причитать: «Родная земля, не допусти, чтобы мы погибли совсем, оставь нам хоть часть жизни!». И случилось чудо. Наутро разбойники не нашли своих жертв, а в центре площади увидели большое красивое дерево со ста дивными крупными бело-розовыми бутонами, готовыми вот-вот распуститься во всем своем великолепии. Разбойники в дикой злобе изрубили дерево на куски и раскидали на конях по степям и предгорьям. Но куда падала часть волшебного дерева, на том месте появлялось новое растение, на котором каждую весну зацветало сто нежных бутонов, сто воскресших девичьих сердец. Этим деревом была магнолия.
А вот японскую версию о происхождении магнолии я хочу представить Вам в стихах Игоря Апрельского:
А мне бы улететь на край земли,
Где с гор хрусталь стекает в водопадах,
Где радостно танцуют журавли,
И сакура стыдливая в нарядах.
И клёнов удивительная стать,
у хижины буддийского монаха.
Легенду вам хочу я рассказать
В Японию идём, мой друг, без страха...
Селение, от гор недалеко
Домишко скромный, солнышком пригретый.
Здесь девушка по имени КейкО,
Жила, трудилась с ночи до рассвета.
Нелёгок труд – бумажные цветы,
Чтоб заработать на еду, одежду.
А стОит всё, ну сущие гроши,
Но теплится в сердечке всё ж надежда,
Что сможет ей судьба в труде помочь,
Покинет нищету - хромую лгунью.
И случай приключился с ней точь-в точь,
В нём сбылось предсказание колдуньи.
Предсказание Колдуньи
«Однажды в твой дом чудеса набредут,
Ты будешь за то небеса возносить.
Влетит попугай. Будет стар он и мудр,
И скажет, как можно богатство нажить».
С утра проснувшись, выпив терпкий чай,
Решила помолиться, с покаяньем.
Как вдруг в окно влетает попугай,
И к КейкО сразу: «Слушай предсказанье.
Всё, как и раньше, будешь мастерить,
бумажные Цветы, как эпатаж.
Но, если каплей кровью окропить,
Их оживишь и выгодно продашь!
Но только помни и не забывай,
Пусть хоть судьба кидает вниз и каплет.
Ты можешь делать всё, не отдавай,
Всю кровь свою, вплоть до последней капли».
Сбылись те сокровенные мечты,
Что девушка в душе своей хранила.
В живые превращались все цветы,
Их КейкО для продажи мастерила.
Заказов с этих пор полным-полно,
К ней деньги потекли рекой большие.
Купила в ярких птицах кимоно,
На бал пошла студенческий впервые.
В разгаре бал, луна жжёт «абажур»,
И звёзды ей моргают в переливах...
Она - влюбилась. Парня звать Артур,
Но он был жадным, чёрствым и спесивым.
А девушка – «слепа», ведь влюблена,
Но парню денег надо для забвенья.
Тот заставлял работать допоздна,
И значит больше крови в оживленье.
Тот миг настал, нежданно, глубоко,
Любовь летит в тумане в пропасть камнем.
Забыла предсказания КейкО,
Последнюю отдав бумаге каплю...
Ушла душа с красою целиком,
В МАГНОЛИЮ, и та - благоухает.
Прикрыв глаза, вздыхает, и тайком,
Любовь свою дарить нам успевает.
С утра рассвет ложится на цветы,
Лаская лепестки в волнах рассвета.
Божественны, невинны и чисты,
Те капли крови девушки и света.
МАГНОЛИЯ всегда меня пленит,
Сложив бутоны - губы в поцелуе.
Сердца людские нежно бередит,
Неся в душе Любовь свою шальную!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 23:50 | Сообщение # 317 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос #15
124-145 Сцена из римского карнавала
Какой момент праздника запечатлен на картине?
Здравствйте, уважаемые мои, любопытные и любознательные!
Вот и завершилась наша викторина «Все дело в деталях, или Знаем ли мы, что вышиваем?»
Мне очень хотелось этой игрой привлечь ваше внимание к деталям картины, умению их рассматривать и задавать себе вопросы, и искать на них ответы. И за врем вышивания свой картины, узнать о художнике и его эпохе, о героях картины, о явлениях природы, о растениях и животных, об обычаях, об иных, не очень знакомых нам видам деятельности человека, и даже технические знания об изображенных объектах.
Надеюсь, вам было интересно и полезно.
Эту мысль подтвердила и Наталья (думаю, это не только ее впечатление):
"Хочу поблагодарить Вас за отличную идею с викториной по картинам ЭстЭ: всё это время мне было очень интересно искать ответы и узнавать новое про художников, их творчество и созданные ими полотна.
Наверное, это можно делать и без викторины, просто так, но почему-то на это трудно выделить время в каждодневной суете, а так - ощущаешь себя студентом, которому дали задание на выходных написать сочинение, и откуда-то находится время, и откуда-то берется вдохновение, и появляется прямо-таки спортивный азарт, особенно, если удается найти что-то необычное, и так приятно чувствовать себя первооткрывателем!
Конечно, всё это известно давным-давно и настоящих знатоков живописи ничем не удивишь, но сама для себя ты же открыла что-то новое - и эти маленькие открытия становятся такими большими лично для тебя!"
Количество участников в игре менялось, постепенно сокращаясь. В игру вступали новые игроки, другие пропускали какие-то вопросы, и вновь возвращались к следующим. Но наш пелетон добрался к финишу в полном составе, и последний приз мы поделили на троих
Но сначала небольшой рассказ о художнике от Натальи:
Орлов Пимен Никитич(1812-1865)
История русского искусства знает немало имен живописцев, вышедших из простого народа. Среди них было немало художников, не обделенных ни талантом, ни трудоспособностью, ни склонностью к добропорядочной жизни. И их картины, несущие несомненные мастерство, красоту, притягательность, вызывали у современников одобрение и любовь. Но проходило какое-то время, память о художниках заметно ослабевала, популярность их полотен заметно снижалась.
Один из таких — гениальный русский портретист Пимен Никитич Орлов, выходец из крестьян, который благодаря упорству и самообразованию смог поступить в Императорскую Академию художеств, стать лучшим учеником Карла Брюллова, прожить всю жизнь за границей и снискать мировую славу и себе и отечеству.Картины Пимена Орлова отличаются мягкостью и красотой колорита, наряду с эффектностью освещения и тщательностью отделки. Большую часть работ художника составляют портреты и жанровые сцены из жизни итальянцев, однако есть произведения исторической тематики и пейзажи.
П.Н. Орлов «Автопортрет» (1851)
Пимен Орлов родился на хуторе Мало-Хвощеватый Острогожского уезда Воронежской губернии в очень бедном семействе сельского мельника. Отцу мальчика приходилось добывать средства на жизнь тяжким трудом. Поэтому и мечтал он, что его сын, когда вырастет, станет ему помощником. Но с раннего детства у Пимена очень сильно проявилась тяга к рисованию, и ни о какой другой профессии он думать не хотел. Поэтому совсем юным Пимен Орлов покидает отчий дом и идет в подмастерье к бродячему маляру. Малярами в то время называли не только тех, кто красит дома, стены и заборы, но и художников-самоучек, не имевших никакого специального образования. Многие маляры ходили из селения в селение, предлагая свои услуги как по простой покраске полов, стен, заборов и прочего, так и по художественному оформлению вывесок и афиш, декоративной росписи стен комнат помещичьих усадеб и даже сельских храмов. Опытные маляры часто получали заказы по росписи, и помещений в общественных зданиях. Писали они и картины по заказам провинциальных помещиков и других состоятельных людей.
Переходя вместе с маляром из селения в селение и принимая участие в исполнении заказов,
Так Пимен постепенно осваивает азы живописи. Желая совершенствоваться в мастерстве, Орлов сменил несколько учителей, пока не стал получать собственных заказов на иконы в церквях и на портреты от окрестных помещиков.А однажды посчастливилось будущему художнику познакомиться с предводителем дворянства помещиком Гладкúм, который Новый знакомый, интересовавшийся живописью, увидев работы молодого художника, решил помочь юному дарованию, отправив в Санкт-Петербург и оплатив образование в Академии художеств. В 1834 году 22-летний юношаПимен Орлов отправляется в Санкт-Петербург и поступает в портретный класс Карла Павловича Брюллова Императорской Академии художеств.
По мере учебы мастерство художника росло, и в 1836 году Орлов был награжден первой серебряной медалью за достижения в портретной живописи.Как мы с вами уже знаем, портретная живопись Брюллова в середине XIX столетия имела большой успех и ценилась очень высоко. И многие коллеги и ученики, подражая великому мастеру, писали в его манере. Пимен Орлов также не был исключением. Он быстро перенял стиль и манеру учителя в портретном жанре и имел достаточно солидные заказы от знатных господ Петербурга. Это и позволило бедному художнику, не имевшему никакой поддержки от семьи, в студенческие годы иметь деньги на вполне сносное существование.
В 1837 году Пимен Орлов заканчивает академию, получив при выпуске серебряную медаль первой степени за портреты с натуры князя Голицына, госпожи Тимофеевой, девицы Эссен и Сергея Дмитриевича Бибикова и звание свободного художника.
«Мальчик, играющий с обручем. Портрет С.Д. Бибикова». 1836 год, Холст, масло, 89х71
А спустя четыре года ему представилась возможность поехать за границу для изучения мирового искусства.В 1841 году при содействии общества поощрения художеств и лично конференц-секретаря Академии художеств В. И. Григоровича отправился в Италию. В красоты этой страны Пимен Орлов влюбляется решительно и бесповоротно, а его увлечение жанром исторической живописи подталкивает к решению навсегда остаться в этой дивной стране.Поселившись в Риме, Пимен Орлов вскоре составил себе репутацию прекрасного портретиста.
Еще большую известность Пимен Никитич Орлов приобрел своими картинами, выполненным в итальянском варианте бытового классицизма с его преувеличенной красотой в изображении персонажей и обстановки.
Наличие постоянных заказов от местных жителей было очень важно для художника, так как для него это по-прежнему был основной и, пожалуй, единственный регулярный источник дохода.
Только в 1848 году Пимену Никитичу удалось прислать в Санкт-Петербург картину «Девушка итальянка, полощущая белье», за которую ему, по ходатайству Академии, обратившей внимание императора Николая I на то, что Пимен Никитич хочет себя посвятить исторической живописи, была назначена пенсия в 300 руб.
В 1849 году всем пенсионерам, а в том числе и Орлову, было велено вернуться в Россию. Однако он сумел уговорить руководство оставить его в Италии. Одной из причин, по которой в Академии согласились с его доводами,ссылаясь на болезнь глаз, и на то, что ему на которую он ссылался в своих письмах. Кроме того, художник уверял — у него имеется необходимо закончить уже начатые работы. Первой в списке значилась картина «Октябрьский праздник в Риме», которую он закончил в 1851 году (эта картина которая также есть в коллекции «Лавочки Фондучка», и вы также можете ее вышить.
Местные критики очень тепло отзывались о картинах Орлова. Тем не менее часть своих картин художник отсылал в Россию и на основании их, равно, как и на основании отзывов из Рима, получил в 1857 году звание академика портретной живописи.
Пимен Никитич Орлов остался в Италии ещё на 16 лет, за это время он написал множество мастерски выполненных картин.На родину художник так и не вернулся, конец жизненного пути художника был печален – он заболел нервным расстройством в декабре 1862 года, был определен Русской миссией в Риме для лечения в дом для душевнобольных, где скончался 6 октября 1865 года в возрасте всего 53 лет.
Захоронение П. Н. Орлова на римском кладбище Тестаччо до настоящего времени не сохранилось; прах перенесён в общую могилу у Аврелиевой стены.
Сейчас картины Орлова представлены во многих музеях России и других стран — Государственном Эрмитаже, Русском музее, Третьяковской галерее, Тверской областной картинной галерее, Иркутском областном художественном музее, Национальном художественном музее Республики Казахстан, Херсонском художественном музее имени А. А. Шовкуненко и в других картинных галереях, а также во множестве частных собраний.
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Понедельник, 04 Декабря 2023, 18:27 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Понедельник, 04 Декабря 2023, 18:34 | Сообщение # 318 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| А теперь – к ответам:
у Надежды Афанасьевой и Натальи Килиной получился вот такой ответ:
Карнавал в Риме традиционно являлся периодом, предшествующим Великому посту и отмечался парадами, вечеринками в масках и танцами до самого рассвета. Название, вероятно, происходит от «carnemlevare», т.е«отказ от мяса».Последним днем Карнавала был так называемый «Жирный Вторник» (он завершает «всеядную неделю»).
Это самый шумный день карнавала. И именно в этот день проходит одно из самых интересных соревнований: забег со свечами.
Суть соревнования заключается в том, чтобы пробежать определенную дистанцию с зажженной свечой, стараясь при этом сохранить свой огонь, но постараться затушить огонь соперника.
Представьте себе картину: почти одновременно на темной улице вспыхивает несколько тысяч огоньков, которые не стоят на месте, а находятся в постоянном движении. От огня свечей становится настолько светло, что можно рассмотреть лица зрителей в окнах верхних этажей. Свечи называются мокколи или мокколетти
Вдоль всего Корсо разливается живой бегучий огонь по окнам , балконам и улице. С высших этажей на нижние опускаются на струнах платки, чтобы потушить свечи «антиподов». Дамы с той же целью выскакивают из экипажей, мужчины бросаются в экипажи. Употребляются все способы тушения, и при всяком успехе свист, гам, хохот и крики «Senzamoccolo»(без огня)!
Стоит шум. Яростный огненный бой длится несколько часов. Внезапно раздается звук колокола, возвещающий конец карнавала. В ту же секунду, словно по мановению волшебной палочки, гаснут разом все мокколетти. Наступает полная темнота. Прекращается шум. Все расходятся по домам. Карнавал кончился. Начинается Великий пост. Красиво!
Действо со свечами имеет глубокий смысл. Мокколетто символизирует жизнь человека. Чтобы зажечь ее, достаточно поднести к огню (Бог дает жизнь человеку). .А вот для того, чтобы погасить ее, дьявол придумал очень много способов
Жизнь — как свеча, всего лишь жизнь.
И может выгореть до срока.
На нашей картине как раз запечатлён момент на балконе, когда девушке удалось погасить свечу своего кавалера, и сохранить пламя своей свечи. Она бережно прикрывает его рукой. А вот юноше, увы, не повезло. Пламя его свечи буквально несколько секунд назад погасло. Видно как дымок тонкой струйкой поднимается вверх. Может быть девушке удалось погасить его свечу, когда он этого не ожидал. Посмотрите на ее улыбку и задорный взгляд.
И уже традиционное стихотворение:
КАРНАВАЛ
Теофиль Готье. Перевод: Н. С. Гумилёва.
Столица дожей одевает
Все блёстки звёздные на бал,
Кипис, смеётся и болтает,
Сверкает пестрый карнавал.
Вот Арлекин под маской черной,
Как жар горит его тряпьё,
Кассандру нотою задорной
Он бьёт, посмешище своё.
Весь белый, словно большеротый
Пингвин над северной скалой,
Пьеро в просвете круглой ноты
Покачивает головой.
Болонский доктор обсуждает
В басах понятный всем вопрос,
Полишинель, сердясь сгибает
Осмушкой нотной длинный нос.
Отталкивая Тривелина,
Сморкающегося трубой,
У Скарамуша Коломбина
Берет с улыбкой веер свой.
Звучит каданс, и скоро, скоро
В толпе проходит домино,
Но в прорези лукавства взора
Прикрыть ресницам не дано.
О тонкая бородка кружев,
Что вздох колышет, легче сна,
Мне, тотчас тайну обнаружив,
Поет арпеджио: — она!
И я узнал влюбленным слухом
Под страшной маскою губу,
Как слива с золотистым пухом,
И мушку чёрную на лбу.
Мой ответ совпал с ответом Натальи Шакиной (потому что нам подсказывал сам Иоганн Вольфганг Гёте)
ЗВУЧИТ ОН ТАК:
Иоганн ВольфгангГёте
Отрывок из книги «Итальянское путешествие» (1787 г.)
РИМСКИЙ КАРНАВАЛ
МОККОЛИ
Не успели сумерки спуститься на узкую и длинную улицу, как тут и там в окнах и на помостах начинают вспыхивать и мерцать огоньки; они мелькают чаще и чаще, и вот уже вся улица освещена горящими восковыми свечами.
Балконы убраны прозрачными бумажными фонариками, каждый стоящий у окна держит на виду свою свечку, все помосты залиты светом, а как приятно заглядывать внутрь карет, где на потолке прикреплены маленькие хрустальные жирандоли, освещающие тех, кто сидит там; во многих экипажах дамы держат в руках пестрые свечки, как бы приглашая полюбоваться на свою красоту.
Слуги прилепляют свечки на крыши карет, то и дело подкатывают открытые экипажи, увешанные пестрыми бумажными фонариками; некоторые пешеходы водрузили себе на головы целые пирамиды свечей, другие укрепили свою свечку на конце длинной жерди, связанной из нескольких тростниковых прутьев, которой они достают до второго и третьего этажа.
Каждому теперь вменяется в обязанность держать в руке зажженную свечку, и со всех сторон только и слышится излюбленное проклятье римлян: «Siaammazzato!».
«Sia ammazzato chi non porta moccolo!»«Смерть тому, кто не несет огарка!» — кричит один другому, пытаясь затушить его свечку. Зажиганье, задуванье и немилосердные крики: «Siaammazzato!»— вносят жизнь, одушевление и единство в эту огромную толпу.
Каждый, не разбираясь, знакомый перед ним или незнакомый, старается задуть ближайшую свечу или снова зажечь свою, при этом потушив ту, о которую он зажигает. И чем сильнее разносится во все концы вопль: «Siaammazzato!»— тем больше утрачивает это слово свой страшный смысл и тем скорее забываешь, что ты в Риме, где это проклятье из-за любого пустяка может осуществиться над тобою или другим.
Значение этих слов мало-помалу полностью утрачивается, и так же, как на других языках нам нередко приходится слышать проклятия или непристойности, которые служат выражением радости или удивления, так в этот вечер: «Siaammazzato!»— становится призывом, криком радости, неизменным рефреном всех шуток, насмешек и комплиментов.
Воткто-тоиздевается: «Sia ammazzatoil Signore Abbate che fa l’amor!» — илиокликаетвтолпедоброгоприятеля: «SiaammazzatoilSignoreFilippo!» — илиловкоувязываетэтотвозгласслестьюикомплиментом: «SiaammazzatalabellaPrincipessa! Sia ammazzata la Signora Angelica, la prima pittrice del secolo!» .
Все эти фразы выкликаются громко, быстро, с долгим ударением на предпоследнем или третьем от конца слоге. Под такой неумолчный крик продолжается задувание и зажигание свечек. Кого и где бы вы ни встретили и ни увидели — в доме, на лестнице, в обществе, собравшемся в комнате, в соседнем окне — всякий старается опередить другого и задуть его свечку.
Неистовствуют все сословия и все возрасты, кто-то вскакивает на подножку кареты, ни одна висячая лампа, ни даже уличные фонари не находятся в безопасности. Мальчик тушит свечку отца и непрерывно кричит: «SiaammazzatoilSignorePadre!» Отец тщетно указывает ему на неприличие такого поведения, мальчик рьяно отстаивает свободу этого вечера и еще пуще клянёт своего родителя. Когда суматоха на обоих концах Корсо несколько утихает, толпа еще неудержимее стремится к середине его, и здесь уже начинается давка, которую и вообразить невозможно, давка такая, что даже в воспоминании немыслимо ее вновь себе представить.
Никто уже не в состоянии сдвинуться с места, на котором он стоит или сидит; тепло стольких людей, стольких огней, чад вновь и вновь задуваемых свечек, крики многолюдной толпы, которая горланит тем громче, чем труднее становится пошевелиться, — под конец кружат даже самую здоровую голову: невозможно, кажется, чтобы не случилось несчастья, чтобы не взбесились лошади, чтобы кого-то не раздавили, не примяли, не изувечили.
И все же, поскольку каждый больше или меньше жаждет выбраться отсюда, свернуть в переулок, который поближе, и наконец отдышаться на ближайшей площади, толпа мало-помалу расходится, тает, и этот праздник всеобщей свободы и необузданности, эти современные сатурналии, заканчиваются всеобщей усталостью.
Народ спешит теперь до полуночи полакомиться вкусно приготовленным мясом, которое вот-вот станет запретным; более изысканное общество торопится в театры посмотреть напоследок уже сильно сокращенные пьесы, но надвигающаяся полночь кладет конец и этим радостям.
ответ Натальи:
«Сцена из римского карнавала», 1859 год, Холст, масло. 93 x 112 см, Государственный Русский музей
Действие картины Пимена Никитича Орлова «Сцена из римского карнавала», написанной в 1859 году,происходитвечером последнего дня знаменитого римского карнавала, в Жирный вторник (Mardigra), накануне католического Великого поста. Герои картины находятся на балконе одного из домов на улице Корса и участвуют в Празднике огней (festadeimoccoletti илиеще другое название moccoli).
На балконе можно увидеть несколько букетов (один на парапете, а второй – застрял среди планок жалюзи). Эти букеты - своеобразный знак признания красоты девушки, созерцавшей праздник с балкона, от прогуливавшихся внизу мужчин: в эти дни было принято бросать букеты красавицам. Сейчас эти букеты собирает в корзинку пожилая женщина в нарядном платье, думаю, что это либо родственница девушки, либо служанка, принарядившаяся по случаю праздника. Помимо цветов в ее корзинке лежит светлая полумаска, которую девушка либо уже сняла, либо только собирается надеть, ведь по правилам Праздника огней участники должны быть в масках.
Девушкав нарядном платье, украшенном кружевами, и молодой человек держатв руках по свечке (moccolettoпо-итальянски), которые они зажгли с наступлением сумерек. Также вдали, в окне дома напротив видна другая участница праздника, которая держит в руке небольшой горящий факел и машет им кому-то, стоящему внизу.С наступлением сумерек на окнах, подмостках, экипажахна улице Корсо появлялось множество огней; в руках у каждого из толпы — зажженная восковая свечка, которую участник праздника держал высоко над головой; эти свечи беспрестанно друг у друга тушились и вновь зажигались. Вот и нашей красавице удалось затушить свечу у своего молодого кавалера, как он ни уворачивался (видно, что от его потухшей свечи вверх поднимается дымок), а правой рукой он уже снимает свою полумаску – по правилам festadeimoccoletti участник, у которого затушили свечу, должен был снять маску. А вот девушка защищает свою свечку и не дает ее погасить: в правой руке у нее зажженная свеча (это понятно по отблескам на ее теле и платье), а левой прикрывает пламя, чтобы его не смог задуть хитрый кавалер.
А если бы мы могли перевести взгляд с балкона вниз на улицу Корсо, то мы бы увидели, как под неумолчные крики толпы Siaammazzato!происходит задувание и зажигание свечек. Кого и где бы мы ни встретили и ни увидели — в доме, на лестнице, в обществе, собравшемся в комнате, в соседнем окне — всякий пытается опередить другого и задуть его свечку. Каждый, не разбираясь, знакомый перед ним или незнакомый, старается задуть ближайшую свечу или снова зажечь свою, при этом потушив ту, о которую он зажигает. Зажиганье, задуванье и немилосердные крики: «Siaammazzato!»— вносят жизнь, одушевление и единство в огромную толпу на Празднике огней festadeimoccoletti.
Поклонники творчества Александра Дюма наверняка запомнили описание карнавала в Риме из романа «Граф Монте-Кристо».
«Вообразите длинную, красивую улицу Корсо, от края до края окаймленную нарядными дворцами, все балконы которых увешаны коврами и все окна задрапированы; на балконах и в окнах триста тысяч зрителей римлян, итальянцев, чужестранцев, прибывших со всех концов света; смесь всех аристократий, аристократий крови, денег и таланта – прелестные женщины, увлеченные живописным зрелищем, наклоняются с балконов, высовываются из окон, осыпают проезжающих дождем конфетти, на который им отвечают букетами; воздух насыщен падающими вниз драже и летящими вверх цветами, а на тротуарах сплошная, беспечная толпа в самых нелепых костюмах: гуляющие исполинские кочаны капусты, бычьи головы, мычащие, на человеческих туловищах, собаки, шагающие на задних лапах; и вдруг, во всей этой сумятице, под приподнятой маской, как в искушении св. Антония, пригрезившемся Калло, мелькает очаровательное лицо какой нибудь Астарты, за которой бросаешься следом, но путь преграждают какие то вертлявые бесы, вроде тех, что снятся по ночам, вообразите все это, и вы получите слабое представление о том, что такое карнавал в Риме».
Карнавал имеет очень древнюю историю, его корни уходят в далекие языческие времена. Это остатки тех языческих празднеств, которые знаменовали переход от зимы к весне, от старого года к новому.
Родиной карнавала принято считать Италию. Этимология этого слова полностью не ясна; существует несколько версий. Согласно первой, слово carnaval восходит к латинскому выражению carrumnovalis‑«колесница-корабль», на которой в древности в европейских странах во время весенних мистерий по улицам города в процессиях плыли над толпой храмовые жрецы. Другие источники утверждают, что слово «карнавал» происходит от выражения «Carnemlevare», которое означает на итальянском языке «Прощай, мясо!» или «carnevale»‑«мясоед». Этот праздник предшествует Великому посту, когда в течение сорока дней верующие обязаны были соблюдать религиозный запрет на употребление мяса в рационе.
Карнавалы проводились еще во времена Древнего Рима, где ежегодно во время зимнего солнцестояния (в декабре) в честь бога Сатурна проводились праздники ‑ Сатурналии (лат. Saturnalia), которые сопровождались массовыми гуляньями. В те далекие времена ни один уважающий себя римлянин не работал. Отдыхали все от императора до рабов. Во время этих праздников хозяева и рабы становились равноправными. Все вместе собирались за одним праздничным столом, а чтобы избавиться от социальных предрассудков повседневной жизни, лица прятались под масками. На время праздника выбирали «короля»‑ прообраз будущего шута, который в конце Сатурналий либо совершал самоубийство, либо погибал от ножа, огня или петли.
Когда на смену язычеству пришло христианство, на многие обычаи был наложен запрет, в том числе и на это празднование. В эпоху Возрождения началось и возрождение народных нерелигиозных праздников.
В средние века карнавальное время с особенною пышностью справлялось в Венеции; в эпоху ее упадка (XVIII в.) блеск карнавала переместился в Рим.Именно в Риме до конца XIX века проходил один из самых масштабных публичных праздников Италии, длившийся почти 2 недели (хотя стоит упомянуть, что маскарады и праздничные шествия запрещались по пятницам и воскресеньям, поэтому, фактически, карнавал продолжался восемь дней). Эти веселые народные гулянья стали одним из самых ожидаемых событий года!
Сегодня один из самых любимых народных праздников римлян переживает свое второе рождение. Несмотря на то, что он стал менее масштабным, в историю Римский карнавал не ушел безвозвратно. Свидетельством этому являются праздничные шествия, обычно начинающиеся, как и много лет назад, на одной из главных улиц Вечного города – виадельКорсо, и заканчивающиеся театрализованными представлениями на ПьяццадельПополо.
Во время карнавала устраивались пышные празднества, в центре которых был бык ‑ символ изобилия и силы. Его украшали цветами, лентами и гирляндами, с почетом водили по улицам, а через три дня забивали («Мясо, прощай!»). Карнавалы были временем, когда разрешалось делать все, что не позволялось в будние дни. Это был не только праздник чревоугодия, но и разгул зрелищ, публичных забав и состязаний.
Карнавал традиционно являлся периодом, предшествующим Великому посту, и отмечался парадами, вечеринками в масках и танцами. Последним днем периода карнавалов, времени празднеств и развлечений перед Великим постом, был так называемый«Жирный вторник» (МардиГра- mardigras–буквально:«жирный вторник») — вторник после Масляной недели, последний день перед Пепельной средой и началом католического Великого поста. Это праздник, символизирующий (по подобию славянской Масленицы) проводы зимы и первую встречу весны.
В течении всего года представители духовной власти, побуждая верующих соблюдать определенные религиозные нормы, строго контролировали настроения населения, особенно во время Великого поста, когда были запрещены даже театральные постановки. Поэтому римский карнавал являлся для жителей, своего рода, глотком свободы: граждане, в том числе и правящие классы, имели возможность повеселиться от души, не рискуя за это попасть в тюрьму.
Проведение карнавала в Риме было далеко не гарантированным событием: ежегодно для его организации приходилось просить у Святого Престола разрешения, и лишь только после специально изданного указа, подписанного Папой, мероприятие могло состояться. В юбилейные года карнавальные празднования заменяли литургическими торжествами. Кроме этого, отменить празднества могла внезапная кончина Понтифика, как это случилось, например, в 1829 году, когда отошел в мир иной Папа Лев XII.
Для Святого Престола проведение римского карнавала не являлось таким же желанным мероприятием, как для горожан. Понтифик мог ожидать в этот период чего угодно, поскольку каждый, кто скрывал свое лицо под маской, мог быть преступником. Его Святейшество опасалось, прежде всего, вспышек народных восстаний. Именно поэтому каждый раз Папа старался найти причину, по которой проведение карнавальных празднеств было невозможным.
Изначально, народные гулянья по случаю римского карнавала устраивали на площади Навона, где еще со времен античности по традиции проводили всевозможные соревнования, конные турниры и захватывающие игры. Позже в районе Монте Тестаччо стали устраивать представления, называемые «Laruzzicadeliporci». На вершине холма устанавливали телеги с живыми свиньями. Далее эти телеги сталкивали, они катились с горы, падали, разбивались, животные разбегались в разные стороны, а жители их ловили. Зрелище было не для слабонервных: каждый стремился заполучить свою свинью, все это сопровождалось криками и кулаками. Такое себе «карнавальное месиво»…
С середины XV века место проведения народных гуляний было переопределено Папой Павлом II, который, будучи венецианцем по происхождению, хотел привлечь внимание к своему вновь возведенному Дворцу на площади Венеции. Тогда в качестве главной «сцены» для маскарадных шествий была выбрана ВиадельКорсо. Здесь народная фантазия породила новое направление карнавальных соревнований: бега. Данный вид состязаний был строго регламентирован и проходил в соответствии с буллой Папы Павла II, отрегулировавшего ход мероприятий таким образом:
В первый понедельник бежали евреи, которых накануне должны были плотно поужинать, дабы быть менее подвижными;
Во вторник устраивали соревнования для детей;
В среду бежали молодые христиане;
В четверг – пожилые;
Во второй понедельник приходили посмотреть на забег ослов;
В «Жирный вторник» бежало стадо буйволов.
Помимо основных вышеперечисленных забегов, иногда устраивали подобные соревнования среди карликов, хромых и даже тех, кто имел физические уродства. Народ веселили подобные забавы, и никто не стеснялся выкрикивать в сторону конкурсантов шутливые фразы. Этим варварским привычкам — высмеивать убогих — положил конец Папа Климент IX в 1667 году.
Смеяться над бегущими карликами, как оказывается, было не самым странным зрелищем в рамках римского карнавала. Мероприятие, являющееся по своей сути развлекательным, включало довольно странные действа, хотя, не исключено, что публика их оценивала как «увеселительные». Публичные казни и экзекуции (в случае мелких правонарушений) вызывали в те времена всплеск эмоций.
Не стоить думать, что карнавал в Риме – это исключительно издевательства и балагурства. По большей части народные гуляния имели более безобидный характер: маскарады, костюмированные шествия, во время которых разбрасывали маленькие разноцветные шарики, сделанные из окрашенного крахмала, взрывали хлопушки, а самым красивым девушкам дарили букеты цветов. Местные жители специально для этого события готовили костюмы, маски и тщательно подходили к подготовке своего карнавального образа.
Среди наиболее распространенных костюмов были те, что представляли персонажей из популярной в те времена Комедии-дель-Артэ – разновидности народного театра, спектакли которого имели сдержанное сюжетное содержание и создавались методом импровизации. Наряду с такими знаменитыми героями как Арлекино и Пульчинелла, на улицах Рима можно было увидеть фигуры, представляющие болтливых адвокатов, элегантных, но простоватых квакеров, молодых парней, переодетых в неприличных женщин и т. д. Некоторые притворялись бездомными и получали сладости от других участников карнавала.
В ночное время римляне устраивали танцы, которые довольно часто продолжались до самого рассвета.
Наиболее любимым римлянами во время карнавала являлись скачки — CorsadeiBarberi. В соревнованиях могли приять участие только лошади определенной породы – берберийской – очень выносливыми и сильными (отсюда и название скачек). Конные состязания повторялись каждый день карнавала незадолго до захода солнца. Украшенных цветными лентами лошадей без всадников выпускали у ПьяццадельПополо и по прямой на полной скорости они неслись к площади Венеции, которая в те времена была намного меньше той, что мы привыкли видеть сегодня.Тогда все балконы и крыши дворцов превращались в праздничные трибуны, а жизнь в городе замирала. Смысл этой гонки был в том, чтобы любым способом остановить бег лошадей – желающие состязаться бросались под копыта бегущим животным и, конечно, не удивительно, что было очень много жертв.
Сразу после окончания скачек на той же улице Корсоследовал заключительный «Праздник огней» (Festadeimoccoletti): пользуясь наступлением сумерек, каждый зажигал свою восковую свечку(moccoletto) и, держа ее высоко над головой, старался загасить свечи соседей, защищая в то же время свою, ведь человек с потухшей свечой был обязан снять маску. Эта забава продолжалась до 1 часу ночи.
Трагический случай, который положил конец римскому карнавалу, произошел в 1874 году. Во время скачек неожиданно на улицу выбежал мальчик и был тут же сбит лошадью. От полученных травм мальчик умер прямо на глазах у короля, наблюдавшего за ходом соревнований. Виктор Эммануил II тут же приостановил праздничные мероприятия, которые так больше никогда и не возобновились.
 
 
 
 
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Понедельник, 04 Декабря 2023, 18:46 |
| |
| |
|
