"...Вышивка – это часть нашей культуры, нашего культурного наследия,
это декоративно-прикладное искусство.
И нельзя к вышивке относиться небрежно, принижать и упрощать до бесконечности. И ценить вышивку мы будем как положено, учиться вышиванию как любому другому делу. Как учатся музыканты, художники, танцоры, певцы. Где снисходительно не погладят по головке за фальшивую ноту и за кривую спину, а стремятся вырабатывать мастерство, проявляя характер, силу воли, упорство в достижении цели. Так и в настоящей вышивке: учимся - на лучших образцах, равняемся - на самых трудолюбивых и талантливых." ©
|
|
| · Народный УЧЕБНИК ·
Новые сообщения ·
Правила форума ·
Участники ·
Поиск ·
RSS
|
|
Результаты поиска
| | |
fondu4ok  | Дата: Среда, 22 Ноября 2023, 18:40 | Сообщение # 6202 | Тема: ПОДАРКИ от СПОНСОРОВ |
 Клуб на Лавочке
Модератор
| Итак, розыгрыш призов!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| | |
| fondu4ok | Дата: Среда, 22 Ноября 2023, 19:10 | Сообщение # 6204 | Тема: Программа поощрения Первоотшивов |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Два чудесных начала:
У Ларисы - 444 Лошади на переправе:
У Марии - 454 Вечер на озере:
ПОЗДРАВЛЯЕМ!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Среда, 22 Ноября 2023, 19:11 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Вторник, 28 Ноября 2023, 19:54 | Сообщение # 6205 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №5
ЭстЭ Сколько у нас "близнецов" ? (имея ввиду модель на разных картинах)
... Я-то думала, что это очень легкий вопрос: сиди себе, любуйся красавицами из нашего каталога!
А оказалось, что …почти все участники, в один голос:
Ох, и задачку Вы загадали в этот раз.
Все глаза поломала, рассматривая прекрасные портреты.
Ох ,не совсем легкая ,но интересная задачка оказалась!!!!
Ох и непростую задачу поставили Вы в этот раз перед участниками Викторины.Немало времени ушло на то, чтобы пролистать галерею Портретов на сайте Лавочка Фондучка, поискать в Интернете и других источниках информацию о художниках и их моделях, сравнить портретное сходство на разных картинах, пересмотреть старые видео на канале Лавочки
Очень порадовала вот такая «жалоба» от Натальи. Очень точно подмечено!
Этот вопрос оказался для меня, пожалуй, самым сложным до настоящего времени и самым затратным по времени. Если до этого нужно было найти информацию по одному художнику, то здесь сразу по нескольким. Но благодаря такому «мозговому штурму» я начала различать некоторых художников, познакомилась с их биографиями и творчеством, существенно расширила свои познания в огромном пласте европейской портретной и жанровой живописи. Вот это я и считаю основным приобретением для себя и самым главным результатом участия в Вашей викторине.…
...и это только треть нашей викторины! Дальше – хуже будет!  Но я в вас верю! :)
Отдельное спасибо за рассказы о художниках. Зная историю жизни автора, начинаешь другими глазами смотреть на его произведения, порой видеть в них некий скрытый смысл. А уж тем более интересно знать о том художнике, картину которого вышиваешь.
Вильям-Адольф Бугро (1825 — 1905) — один из талантливейших французских художников, видный представитель салонного академизма XIX века. Кисти художника принадлежит более 800 полотен. Качество работ его просто невероятно, но так вышло, что его имя и гениальное художественное наследие подверглись жесточайшей критике и почти на целый век были преданы забвению. Художник Адольф Вильям Бугро родился в ноябре1825 года в семье торговца вином и оливками. Вильям был вторым ребенком из восьмерых В тот период семейство жило очень бедно и дядюшка пристроил племянника в школу, где тот пристрастился к рисованию. В 17 лет отец решил пристроить сына к семейному бизнесу, однако Вильяма тянуло к рисованию. После долгих споров на семейном совете решили, что по вечерам молодой человек будет заниматься рисованием, а днем будет торговать в лавке. Вскоре Вильям поступил в Королевскую школу искусств, а в свободное время (чтобы оплачивать учебу) работал бухгалтером у крупного винодела, рисовал этикетки и вывести у бакалейщика. Нужно сказать, что по началу, карьера художника складывалась достаточно успешно ценители искусства охотно покупали полотна Бугро, талантливого живописца сравнивали с Рембрандтом. Говорили, что «Рембрандт уловил душу старости, в то время как Бугро уловил душу юности». Безукоризненное знание анатомии человеческого тела, скрупулезная детализация, удивительно подобранная цветовая гамма — все это делало полотна Вильяма Бугро необыкновенно реалистичными.Прежде чем приступить к очередному полотну, Вильям тщательно изучал историю предмета, делал огромное количество эскизов. И только потом приступал к написанию «следующего» шедевра.
Над своими творениями Бугро работал, не покладая рук. Он с раннего утра приходил в свою мастерскую, а домой уходил за полночь. Как и всем великим художникам, ему было присуще постоянное недовольство собой и неуемное стремление к совершенству. За это современники дали ему прозвище «Сизиф XIX века». Судьба распорядилась так, что художнику было суждено пережить любимую жену и 4-х из пятерых своих детей. Тяжкое горе на долгие годы ляжет на плечи художника и найдет свое отражение в его творчестве.
Чтобы как-то забыть о тяжких утратах, художник полностью посвятил себя работе. Он писал портреты, в том числе огромное количество портретов молодых крестьянских девушек и женщин, а также картины на исторические, мифологические, библейские и аллегорические сюжеты, где преобладала нагота женских тел и праздность, которые у многих вызывали недовольство. Живописцу предъявляли обвинения в распутстве и
чрезмерной эротизированности картин, которые «развращали молодое поколение». С каждым полотном критика разгоралась все больше и больше. Но Бугро продолжал писать в своей манере, и когда в искусство стремительно начали вливаться новые модные течения и направления, он их не принял и всем своим творчеством противостоял им.
На рубеже двух столетий о гениальном Вильяме Бугро все забыли почти на целое столетие Его картины, отправленные в запасники музеев, все эти годы хранились в сырых подвальных помещениях и на чердаках, и до нас картины дошли в плачевном состоянии. Начиная с 1980-х годов меняется отношение ценителей искусства к салонно-академической живописи, и Бугро начинают рассматривать как одного из значимых живописцев XIX века. Умер Бугро в возрасте 80 лет в августе 1905 года.
В галерее Эстэ есть два портрета одной и той же милой маленькой девочки кисти Вильяма Бугро.
 
Наталья и Инна добавляют: У Бугро есть еще одна картина с похожей девочкой, она называется «Малышка (такой вышивки нет в разработках фирмы Эстэ).
Возможно, что на этих трех картинах изображена по памяти одна из дочерей
художника, Жанна, которая умерла в пятилетнем возрасте в 1866 году.
Эжен де Блаас (1843 — 1932) — итальянский художник, работавший в стиле академического классицизма. Родился в семье выходцев из Австрии. Первые уроки живописи он брал у отца в римской Академии искусств и в Академии Венеции, где изучал перспективу, декор и основы архитектуры. Через день Эжен работал в античном классе, по вечерам писал эскизы в анатомическом классе, и уже в 23-летнем возрасте заявил о себе в Венеции, как молодой талантливый жанрист. Стоит упомянуть, что с начала XVIII века Венеция была непременным местом остановки туристов, путешествующих по Европе. Гости города обязательно возвращались домой с видами города или портретами венецианок в национальных костюмах. В результате, образовалась своеобразная венецианская школа XIX века, которая работала на туристический «рынок сбыта».
Так вот, Эжен де Блаас зарекомендовал себя в качестве ведущего художника-жанриста этой «венецианской школы». Художник прославился женскими портретами прекрасных венецианок. Они неповторимы, очаровательно соблазнительны с их мягкими чертами лица и лукавыми кокетливыми взглядами. Теплые естественные краски, благодушная атмосфера и легкая беспечность персонажей — вот характерные
черты его самобытного стиля. Сюжеты картин Эжена де Блааса взяты из жизни итальянского народа. Это в основном симпатичные сценки из сельской жизни, в которых изображены простые люди. Они написаны за своим повседневным занятием, в обычных одеяниях. Окружающая обстановка способствует созданию атмосферы уюта, трогательной романтичности. Картины художника изображают простые посиделки в
кругу друзей, вечерний отдых людей сельского круга. Их мир в картинах художника увлекательный и праздничный,дарящий нам настроение приятной искренности.Прожил Эжен до глубокой старости и умер в 1932 году в возрасте 88 лет.
И несмотря на долгую, яркую, насыщенную жизнь о личной жизни Эжена практически ничего неизвестно. Упоминается лишь то, что он женился на венецианке по имени ПаолаПрина, которая часто выступала в качестве модели для написания портретов. Именно ее портрет мы и можем встретить дважды в каталоге Лавочки Фондучка:
 
<a class="link" href="https://moifotki.org/i/6f123170acd546cebdb97927364e3a9e" rel="nofollow" target="_blank">Так же не единожды нам встречается и черноволосая венецианка Лиза:
</a>
 
Уильям Кларк Уонтнер (1857 - 1930) — британский художник-ориенталист. Уонтнер родился в 1857 году в семье архитектора, дизайнера и визуализатора Уильяма Хоффа Уонтнера и свое самое раннее художественное образование получил у своего отца. Уонтнер был одним из представителей неоклассицизма в Англии и писал в основном женские портреты в восточном стиле.
Для художника характерно изображение томных женщин в экзотических одеждах на фоне мрамора, античных или восточных фонов. Его верно выписанные ткани, накинутые на явно европейскую модель, и придавали портретам атмосферу ориентализма.Созданные художником женские образы до сих пор продолжают вызывать восхищение. Его красавицы прелестны и очаровательны, вероятно, так выглядели древнегреческие богини, когда они сходили с небес на землю. Наталья предположила, что на этих двух портретах изображена одна и та же модель, возможно, что это жена художника Джесси Маргарита Кин (1872 – 1950), которая была моложе художника на 15 лет и на которой он женился в 1894 году, когда невесте было 22 года.
 
Эмиль Вернон (1872 — 1920) — французский художник прекрасной эпохи. Эмиль родился в 1972-м году и стремился к живописи с ранних лет.Современники высоко оценивали его талант и нередко приобретали картины для своих коллекций. Его картины ярко выделяются на фоне других художников, благодаря сочному и колоритному сочетанию образов, отображенных на них. Картины художника – в подавляющем большинстве портреты. Есть сведения о том, что он писал также пейзажи и натюрморты, однако, к сожалению, полюбоваться произведениями в этих направлениях живописи мы не сможем – они были уничтожены или безвозвратно утеряны. А вот большая часть его портретов все-таки сохранилась, поэтому мы можем с удовольствием любоваться талантом и изысканной фантазией Эмиля Вернона. Взглянув на полотна Вернона, можно подумать, что в девятнадцатом веке Европу населяла особая раса людей необыкновенной красоты, которая не смогла пережить жестокий, циничный двадцатый век, полностью исчезнув. Художник писал только то, что сам находил красивым. Его картины показывают изысканный, аристократичный мир, только приукрасив его, добавив света и красок.Его сюжеты и герои могут показаться современному зрителю излишне идеальными, даже слащавыми: белоснежная, слегка розоватая, кожа, кокетливый взгляд, безмятежные улыбки – это приметы, благодаря которым работы Вернона невозможно спутать с картинами других мастеров.На портретах художника изображены в основном дети и милые юные девушки и женщины. Каждая картина – самостоятельная история, написанная одним человеком.
Несмотря на то, что не сохранилось никакой информации о том, кто же выступал в роли натурщиц для картин Вернона, мы можем прочитать настроение и даже мысли каждой из девушек.Девушки, изображенные на картинах Эмиля Вернона, выглядят живо и естественно, хотя, кто знает, может быть, они были не более, чем фантазией художника. Не могу не обратить ваше внимание на то, что очень часто на холсте в качестве основного фона выступают цветы – розовые и белые пионы, чайные, алые и белоснежные розы, лилии,
гвоздики, фиалки, маки, цветущие яблони и вишни. Героини нарисованных историй держат в руках милые букетики живых цветов. Цветы неизменно сопровождают Эмиля Вернона в его творчестве, делая его произведения еще более реалистичными и натуральными. Помимо цветов, частый гость на холстах француза ягоды и фрукты – спелые вишни, яблоки, персики.Не имеет значения, дама какого сословия изображена на портрете – все они одинаково милы, нежны и прекрасны – полуобнаженные нимфы, статные дамы в
дорогих мехах и красивых украшениях, селянки, цыганки, японки, маленькие девочки… И не имеет значения, реальная ли это модель или прекрасная незнакомка из воображения художника – это останется тайной для нас.
 
… Вы прислали очень много вариантов «близняшек», прислали даже «близняшек» из жанровых сцен – как только разглядели таки маленьких! :)
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Вторник, 28 Ноября 2023, 20:36 |
| |
| | |
| fondu4ok | Дата: Вторник, 28 Ноября 2023, 21:30 | Сообщение # 6207 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Трое нашихучастников насчитали одинаковое количество «близнецов»НоПОБЕДИТЕЛЬ назвала на одну пару больше, и вы ни за что не догадаетесь, что это
за пара. И мы тоже ее упустили! А знаете почему? Потому что никто, кроме
Надежды, не подумал, что одна и та же модель может быть у разных художников!
Если эта модель – известная историческая личность! Догадались? Это «Императрица Елизавета Австрийская» на портрете Георга Рааба и «Елизавета Баварская»,кисти ФранцаКсавера Винтерхальтера.  
Так НадеждаАфанасьева (с помощью Сиси) вырвалась вперед и стала ПОБЕДИТЕЛЕМ 5 этапа нашей
игры! Поздравляем! Сертификат Ваш!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Четверг, 30 Ноября 2023, 01:33 | Сообщение # 6208 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №6
Посчитаем ангелов и купидонов
... Ангелы, Херувимы, Амуры, Купидоны и прочие всякие Путти.. Кто такие? И как их различить, прежде чем посчитать? ...
Усилиями двух Наташ, Татьяны, Елены и Инны, которые не просто посчитали, но и изучили вопрос, поучился такой материал:
...Оказывается, ангельских чинов очень много. В Библии написано, что ангельская иерархия имеет три уровня — сферы. В каждой сфере ещё по три подгруппы. В первую сферу, которая ближе всех к Богу, входят серафимы - это высший ангельский чин), херувимы и престолы — все неотделимые от слова Божия. Во второй сфере есть господства, которые учат людей владеть чувствами и наставляют земных правителей, власти, творящие чудеса, и силы, защищающие добрых людей от дьявольских соблазнов. В последней, низшей и самой далёкой от Бога сфере выше всех стоят архонты (они же начала). Архонты управляют другими ангелами рангом ниже. У каждого земного царства есть собственный архонт, отвечающий за правление царей. Он должен следить, чтобы царями и лидерами становились достойные люди, которые правят от имени Бога. Прямо под ними стоят архангелы — божественные посланники (таков, например, Гавриил).
Ещё ниже стоят ангелы, которые чаще являются людям, творят незначительные чудеса и помогают, если нужно. В иерархии небесных сил Псевдо-Дионисия Ареопагита, наиболее авторитетного источника по христианской ангелологии (науке об ангелах), наиболее приближенными к Богу называются серафимы, херувимы и престолы. Эти ангельские чины, упоминаемые еще в Ветхом Завете, заняли важное место в иконографии.
Начнем с высшей сферы. Серафимы в Библии упоминаются лишь однажды в видении пророка Исайи. Пророк видит небесных существ, окружающих престол Господа: «Вокруг Него стояли Серафимы; у каждого из них по шести крыл: двумя закрывал каждый лице свое, и двумя закрывал ноги свои, и двумя летал». Один из них подлетел к пророку и коснулся его уст горячим углем. Название этих ангелов переводятся как «пламенеющие», поэтому часто изображения серафимов красного цвета, однако цвет их может быть и небесно-голубым.Существо, похожее на серафима в красной одежде, я увидела на картине Эдмунда Блэра Лейтона«Тристан и Изольда» (ЭстЭ 256). Этот персонаж расположен на вышивке в раме, которая лежит на диване рядом с главной героиней. Он, не совсем, конечно, соответствует описанию, - у него нет шести крыльев (возможно, что просто на таком мелком изображении было сложно написать шесть крыльев), но зато он в
пылающей одежде.Все мы представляем,как выглядят херувимы— именно ихизображения чаще всего встречаются в искусстве. Это маленькие голенькие дети: очаровательные, пухлые и крылатые. На их губах играет улыбка, за спиной развеваются крылья. Ещё они, как правило, играют на арфах. Таких ангелов относительно недавно придумали художники, а настоящие библейские херувимы куда необычнее .Херувимы— ангелы очень специфические. Бог настолько приблизил их к себе, что они служат непосредственно ему и не бывают посланниками к человечеству. В Ветхом завете они упоминаются довольно часто, и очаровательными их назвать никак нельзя.Согласно Писанию, херувимы выглядели как люди за
некоторыми исключениями. Их ноги заканчивались телячьими копытами. У каждого было по четыре крыла, которые скрывали их человеческие руки, и по четыре лица. Когда они двигались, лица никогда не поворачивались. Спереди лицо было человеческим, справа— морда льва, слева— быка ли вола, а сзади— орла. Каждый херувим горел будто в огне. Далее Иезекииль описывает их как некую живую и разумную Божью колесницу, как силу, подвластную только Богу. В его видении Бог едет в колеснице, где херувимы выступают в качестве колёс. Четыре херувима стоят вместе, олицетворяя силу льва, свободу орла, тяжесть и приземлённость быка и мудрость величайшего божественного творения— человека. Каждый херувим прикрывает тело одной парой крыльев и простирает другие. Сами крылья покрыты глазами.
Херувимов в таком или похожем виде на картинах Эстэ мне обнаружить не удалось. Опустимся в следующую сферу. Современный образ ангела в массовом сознании— это молодой мужчина в белой тунике и тонком золотом нимбе с огромными птичьими крыльями. Однако художники далеко не сразу стали рисовать небесных вестников именно такими. Хотя в Библии они упоминаются 273 раза, все описания не содержат подробных инструкций, как их всё-таки нужно изображать. Греческое «angelos»— «посланник»— указывает скорее на функцию этих существ, которых к тому же чаще называют просто «мужчинами». Кстати, само это греческое слово в Новом Завете— слово мужского рода, и формы женского рода у него нет. Отсутствие детальных портретных характеристик породило множество трактовок образа. Поначалу не было ни одного художественного представления ангелов (по крайней мере, известного), потому что христианство пыталось дистанцироваться от обычаев поклонения других религий с «образами и идолами». До IV века ангелов изображали как бородатых или лысых мужчин, и никому в голову не приходило рисовать их с крыльями и нимбом. В библейских описаниях никогда не упоминалось о том, что у ангелов есть нимбы. Более того, в Библии нимбы не упоминаются вообще. Ближайшим эквивалентом чего-то, хотя бы отдалённо похожего на нимб, ставший «визитной карточкой» религиозного искусства, было упоминание о лучах света, исходивших от нескольких библейских персонажей— Христа и Моисея. Нимб же впервые появился в искусстве только в IV веке. Изначально он был только на изображениях сидящего на троне Христа.
Постепенно нимб стал символом добра, и его стали всегда рисовать с Христом и ангелами. К шестому веку нимб «носили» все, в том числе святые. Кстати, христиане не придумали нимб, а скорее переняли. Идея восходит к древним царям Сирии и Египта, носившим нимбы как венцы, чтобы подчеркнуть свою связь с божествами и окружающее их божественное свечение. В Древнем Риме, например, любили описывать императоров в лучах и коронах. Христианские художники просто заимствовали символ, и он прижился. Художники добавили ангелам не только нимбы, но и крылья. Точнее, два крыла. В библейских текстах и про это ничего нет. Именно о двукрылых ангелах почти никогда не говорится, хотя ангелов часто называют «летящими».По понятным причинам способность летать связывают с наличием крыльев— двух, так нам привычнее. Серафимы, которые занимают одно из высших мест в ангельской иерархии, стоят перед Божьим престолом и в буквальном смысле горят любовью к своему Господу, подавая пример всем остальным. Я уже цитировала выше, что в книге пророка Исайи написано, что у каждого серафима шесть крыльев. Только два крыла нужны для полёта. Херувимы же, как правило, описываются как существа с четырьмя крыльями. В раннем христианском искусстве ангелов почти всегда изображают спускающимися с небес на крыльях. Один из самых ранних примеров— ангелы на римских саркофагах. Так, на саркофаге римского политика Юния Басуса изображена знаменитая библейская сцена: ангел является Аврааму и велит ему принести в жертву сына. В Библии про крылья нет ни слова, а на саркофаге крылья есть.
Изображение сделано в 359-м году нашей эры— значит, примерно тогда произошла общая смена представлений о том, как ангелы выглядят.
 
 
К концу века ангелов без двух крыльев уже не представляли. После того, как ангелы появились в искусстве, их, возможно, стали ассоциировать с крылатыми существами из других мифологий — например, с Никой и другими языческими богинями и богами.Интересно, что только у двух Господних ангелов есть имена — Михаил и Гавриил, а другие всегда упоминаются как просто «он». Гавриил появляется в Библии четыре раза. Водном из упоминаний о нём говорится, что он приходит каждое Рождество— вот и секрет его популярности у людей. Именно он явился Марии и рассказал, что она выбрана на роль матери Сына Божия. В другие свои появления он также выступает в качестве посланника. Его определяют как архангела, а не просто рядового ангела. Выше уже упоминалось, что архангелы в небесной иерархии занимают положение выше ангелов, но и над ними стоят другие духовные существа (я уже коротко писала выше сферы (уровни) иерархий в ангеологии). Архонты,архангелы и ангелы находятся в последней, низшей и самой далёкой от Бога сфере. Архангелы стоят ниже архонтов. Они – божественные посланники. А ещё ниже архангелов стоят ангелы. Интересно, что в Библии нет ни слова про женщин-ангелов. Выше уже упоминалось, что у слова«angelos» нет формы женского рода. Один раз в Библии упоминается крылатое существо женского пола. В Книге Захарии, глава 5:9, такие женщины появляются в череде видений, где есть также летящий свиток. Но ничто не говорит о том, что
они ангелы. Сама идея ангела-женщины появилась столетия спустя после Библии. В эпоху классицизма художники воспевали образ величественного небесного вестника, в диапазоне от томного юнца в тоге до брутального рыцаря.
Однако внезапно появился и новый персонаж— ангел-женщина: ее изображали и как сдержанную, в духе того времени, даму, и как очаровательную крылатую прелестницу. Сейчас этот образ выглядит абсолютно естественным, но до Викторианской эпохи никому и в голову не пришло бы рисовать посланника небес таким образом. Скорее всего, подобный типаж появился в результате ошибки художников, часто видевших в кладбищенской скульптуре похожую фигуру души с крыльями и не обращавших внимания на контекст традиционного сакрального искусства.
И немного об ангелах- хранителях. Все мы слышали истории о людях, спасённых таинственным незнакомцем, или слова людей, уверенных, что о них заботится некое сверхъестественное существо. Отрадно думать, что кто-то неизмеримо умнее и лучше нас знает, как направить человека по верному пути и уберечь от всех бед. Но в Библии нет ничего о том, что к каждому человеку приставлен собственный ангел-хранитель. В нескольких отрывках действительно говорится об ангелах-опекунах. Этот отрывок часто трактуют как указание на ангелов, которые наблюдают за детьми или за всеми верными христианами в мире, но нет ни слова о том, что у каждого есть свой «личный» ангел. Идея о личных ангелах-хранителях появилась относительно недавно. Она — продукт медленной эволюции истории. В средние века было много рассказов о святых, встретившихся с ангелами, и ангелы их якобы защитили. Постепенно они превратились в истории, где ангелы приходили на помощь человеку в обычной жизни — об этом говорили в XVIII и XIX веках. И к ХХвеку люди уже верили в ангела-хранителя, который стоит за плечом у каждого человека и защищает его от бед.
На картине В.-А.Бугро «Похищение Психеи» (ЭстЭ 191) один из героев – этотакже молодой мужчина с крыльями, но это взрослый Амур, а не ангел.
Теперь немного о путти. Оказывается, что пу́тто (итал-putto, лат- рutius—маленький мальчик, младенец, крошка); пу́тти,— художественный образ маленького мальчика, встречающийся в искусстве Ренессанса, барокко и рококо. Изображение маленьких обнажённых или полуобнажённых детишек в ренессансном и классическом искусстве восходит к античным эротам или купидонам. В поздней античности стали изображать «эротов» (у римлян «амуров») — маленьких крылатых созданий с луком, ставших «моделью» для рисунков взмывающей в небо души. Их образ соединился с образом латинских гениев, олицетворявших душу (обычно мужскую). Маленькие
фигурки амуров и эротов были удобны для заполнения свободных мест в тесных композициях рельефов триумфальных арок, надгробий и саркофагов. Первые христиане заимствовали многие образы античной мифологии. Для изображения ангелов и христианских душ, готовых к воскресению, они использовали языческих амуров, вначале с крылышками. В Средние века иконография Бога Любви— дальнего потомка античного Эрота,— благодаря распространению его образа в беллетристике (например, в «Романе о Розе» XIII века), стала сближаться с изображением Христа. Его рисовали с луком и стрелами, а голову украшали короной или даже цветным нимбом, который «рифмовался» с крыльями, подобными ангельским. Эрота могли изображать в мандорле (особая форма нимба, сияние овальной формы, вытянутое в вертикальном направлении), хотя обычно она окружает только фигуру Бога или Девы Марии. Чтобы показать сходство любви к Господу и к ближнему,
Христа иногда писали с угольком в руке (типичный атрибут Купидона — символ страсти, горящей в сердце) или даже пронзающего стрелами сердца своих последователей.
В средневековом искусстве образ христианского ангела сформировался на основе античной фигуры крылатой богини победы Виктории (у греков Ники), поэтому маленькие путти на время были забыты. В сюжете «Избиение младенцев» путти с пальмовыми ветвями мучеников в руках изображали души невинно убиенных младенцев в Вифлееме. Чувственность итальянского искусства периода кватроченто способствовала лёгкому усвоению этого античного мотива христианской культурой. Постепенно античные эроты превращались в итальянских «путти», но уже без крыльев. Эти крылатые или бескрылые младенцы с нимбами, которые в разных контекстах могли обозначать души усопших, служить аллегорией смерти и воскресения, а также выступать в роли ангелов.В XVIII веке, в эпоху рококо инеоклассицизма, когда в европейском искусстве господствовал французский вкус, итальянское слово «путти» исчезло из художественного лексикона и вместо него стали использовать галантные французские названия: купидон (от лат сupido — желание) или амуретт (фр- amourette — лёгкая, мимолётная
Татьяна добавила: Ангелы и купидоны-одни из самых интересных образов в
искусстве, делающих историю каждого шедевра чуть милее зрителю. Купидон(Амур) в римской мифологии божество любви, весны, цветения. Изображается как ребенок с луком и стрелами. Ангел вестник)-дух, выражающий волю Бога и обладающий сверхъестественными возможностями. Часто изображается с крыльями за спиной , облаченным в длинные одежды.
И Елена написала: Изначально я ринулась считать и чуть не ошиблась! Ранее я думала, что Купидон и Амур - это один и тот же персонаж... Но, благодаря
Вашей игре я поняла, что ошибалась!Да, и Купидон и Амур — два божества, которые символизируют любовь и страсть. Однако, каждый из них имеет своеобразный образ и историческое значение, относящееся к разным культурам и эпохам: Купидон — это римский бог любви и страсти, который близок к греческому богу Эросу. Он всегда изображается с луком и стрелами, которые попадают в сердце влюбленных и заставляют их испытывать сильные эмоции.
Купидон обычно изображается в детском образе с крыльями ангела.
Амур — это древнеримский культ бога любви, который был также известен как бог войны и племени. Он был также изображен с луком и стрелами, но в отличие от Купидона он изображался в более взрослом облике с крыльями и круглой косой в руках.
Основные отличия Купидона и Амура:
Происхождение: Амур –римский бог любви, Купидон – бог любви по мифологиидревних римлян.
Внешний вид: Купидон представлен как ребенок с крыльями и луком со стрелами, Амур – как молодой человек с крыльями и луком без стрел.
Вечная любовь: Купидон символизирует кратковременное влечение, Амур –вечную любовь, которая длится всю жизнь.
И в заключение стихотворение Натальи Килиной:
Ангел-Хранитель
Я иду, тихо-тихо ступая,
Точно пропасть лежит подо мной.
Я иду по самому краю,
А он рядом идет со мной.
Он невидим, незрим для глаза.
Я не знаю, каков он собой:
Может, юноша сероглазый,
Может мальчик чуть-чуть озорной.
Может девушка с легкой походкой,
Что идет рядом, словно плывет.
Может, девочка в платье коротком
От несчастья меня бережет.
Кто меня от беды охраняет?
Ежечасно кто рядом со мной?
Кто меня ото зла защищает?
Это - Ангел-Хранитель мой.
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Четверг, 30 Ноября 2023, 19:58 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Четверг, 30 Ноября 2023, 20:41 | Сообщение # 6209 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| А все наши ангелы и купидоны - вот!
055 – Ангел, играющий на Флажолете
057 – Ангел-Хранитель
084 – Мадонна с Ангелами
119– Архангел Гавриил
137– Ангел со свечой
164 – Благовещение
177 – Песня Ангелов
096– Первый поцелуй.
109– Диана и Купидон
139– Амур с бабочкой
191 – Похищение Психеи
245 – Туалет Венеры
391– Стрела Амура
240 – Уголок виллы
256 – Тристан и Изольда
276 – Барышня и Щенок
197 – Мадлен после молитвы
314 – Галерея с видами Рима
358 – Базарный день
024 – Маркиза деПомпадур
129 – Влюбленный лев
260 – Поэтический салон
280 – Визит жениха
368 – Натюрморт с Орхидеямии часами Фаберже
364 – Натюрморт синжиром
363 – Фрукты с омаром
181 – Натюрморт спивной кружкой
163 – Парадный букет
167 – Букет цветов ввазе
238 - Фрукты и кружка
292 - Дворцовая площадь
356 Дева у фонтана
Ждем новых ангелов, архангелов, ангелов-хранителей, амуров, купидонов, путти и пр и пр. присоединяйтесь и вышивайтесь!
А победила в 6 этапе нашей викторины Инна Демиденко!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Четверг, 30 Ноября 2023, 21:02 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Четверг, 30 Ноября 2023, 21:38 | Сообщение # 6210 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №7
Шоколадница. Не ясная схема? Чашка двоится?
Дорогие мои участники игры! Сегодня вы меня поставили простов тупик… Как всегда, ответов много, кратких и подробных, и, к моей радости, все
правильные! Спасибо! И в этот раз у нас есть очень четкий, понятный, короткийответ, и есть очень подробный, интересный, иллюстрированный ответ. Т.е. будет
два приза! НО!!! Их по два! Да-да, два коротких и два длинных, и при этом очень
похожих (как будто вдвоем писали!). Вот как определить победителя?
Нусс… чтоб не повторяться, я собрала из всех ваших писем одинбольшой рассказ. Слушайте! ...Конечно, япрекрасно знаю эту картину, и есликто-то упоминал «Шоколадницу», то всегда представляла себе в основном героиню,
не особо приглядываясь к подносу в ее руках. Правда, в детстве название картины
меня озадачивало: а где же здесь шоколад? Ведь никаких плиток шоколада на
картине не видно!Схема Эстэ как всегда на высоте и не вкоем случае не не ясная, и чашка не двоится и поперек нет никакой полосы!!!Все
разработано в точности как у Лиотара, ни шага влево или вправо от исходника.Со
схемой все в порядке! Никакой ошибки нет. Просто чашечка имеет секрет. Так с чего же начать? А начать надос шоколада.
Его родиной, как и дерева какао, является Центральная и Южная Америка.
Индейцы Майя, а позже и ацтеки, на протяжении многих столетий смешивали молотые
и обжаренные какао-бобы с водой, а затем добавляли в эту смесь горький перец.
В итоге получался горьковатый, острый, пенистый напиток высокой жирности
,который пили холодным. Назывался он chocolatel и предназначался только воинам-
мужчинам, потому что индейцы верили, что плоды какао, изкоторого делали шоколад, были даром богов и приносили своему владельцу знание и
мудрость.Забавно, чтоевропейцы могли познакомиться с шоколадом гораздо раньше,когда Колумб открыл Америку в 1502г, но…. Напиток Колумбу не понравился и он
отказался его пить :)Такчто первым из европейцев напиток попробовал конкистадор Эрнандо Кортес и в 1530
году привез какао-бобы в Европу. Далее с шоколадом экспериментировалииспанские монахи-иезуиты, потому что он был признан напитком, подходящим дляпостных дней.. Они тоже были не в восторге от горького вкуса напитка. Они стали добавлять к
тёртым какао-бобам мед, убрали перец Чили. Позже для приятного запаха и вкуса
стали добавлять ваниль и корицу, а мед заменили сахаром.
Для лучшей растворимости напиток разогревали и в этом виде он оказался вкуснее.
Для смягчения вкуса к напитку добавили молоко и получили в дальнейшем молочный
шоколад. Вскоре он стал излюбленным напиткомевропейской знати. Стоимость напитка в эти годы была так велика, что позволитьего себе могли только очень состоятельные люди. В XIX веке, когда число
плантаций по выращиванию какао значительно увеличилось и цена на бобы упала,
шоколад стал более доступным.А наш с вами любимый шоколад в плитках впервые появился в70-х годах XIX века. Они были изготовлены на английской кондитерской фабрике
«Фрай и Сыновья». Первый молочный шоколад появился в Швейцарии (откуда, кстати,
родом художник Лиотар). Он принес популярность фирме «Nestle». Швейцарец
Рудольф Линдт изобрел шоколад, тающий во рту.
РудольфЛиндт Именнотакой напиток несет героиня культовой картины швейцарского художника Жана-ЭтьенаЛиотара (Jean-ÉtienneLiotard), 1702- 1789«Шоколадница».
которая сразупосле создания приобрела статус шедевра. Лиотар создавал безупречно-гладкие
поверхности, используя особую технику: достичь эффекта эмали ему удалось,
втирая пастель в поверхность специальной палочкой. Картина была написана между
1743-м и 1745-м годами при дворе австрийской императрицы Марии Терезии.
Жан-Этьен Лиотар. Автопортреты 1768 и1773 гг.
Сюжет произведения прост — скромная девушка в белом накрахмаленномпереднике, смиренно потупившая взор, вероятно,перед посетителем кофейни, которому она спешит подать горячий шоколад.Девушка изображена на практически нейтральном фоне, образованном светлой стеной
и полом. Колорит произведения гармоничен.Нежное, спокойное, несколькомеланхоличное лицо красавицы покрыто легким румянцем. Мэтр удачно подобрал
цвета для ее костюма: золотисто-охристый корсаж с баской, белоснежные косынка с
полоской «белым по белому» и накрахмаленный фартук в складках, серая юбка из
тафты и шелковистый розовый чепчик с кружевом, скрывающий волосы, рождают
ощущение свежести, уюта, умиротворения… Еёмаленькая ножка в туфельке на каблуке чуть-чуть выглядывает из-под полы платья. Девушка не стоит, а идет, вся она устремлена вперед. На еёплатье видна каждая складочка. А фартук, кажется, только что вынут из комода.
Он даже не распрямился. 
А как изумительно изображены кружева на нежно-розовомчепчике! 
Почти фотографическая четкость этой картины заставляет вновь и вновьрассматривать её, находя новые детали. Картина живая. Зрители любуются девушкой
из далеко прошлого до сих пор. Её милое лицо притягивает взгляд зрителя. Глаза её скромноопущены. Но гордо поднятая голова говорит, что девушка прекрасно осознает свою
привлекательность. Её осанка, её умение преподнести себя говорят о том, что
прекрасная шоколадница знает себе цену. Это не просто портрет, а настоящая
жанровая сценка. Открытое пространство перед девушкой создает впечатление того,
что она не застыла, а продолжает движение, аккуратно неся поднос, дабы не
пролить модный и дорогостоящий шоколад. Это произведение искусства буквально
завораживает своим совершенством, картина притягивает, словно магнит. Кажется, вот-вот мы услышим шелестпышной юбки и стук маленьких каблучков. Личностьмолодой особы, позировавшей живописцу, точно не установлена. Одна из легенд
повествует о том, что моделью былапредставительница обедневшего дворянского рода Анна Бальтауф. На благородное
происхождение девушки указывают безупречная осанка, светлая со здоровым
румянцем кожа, изящные кисти рук, маленькая нога. По другим версиям девушку
звали Шарлоттой или Нандль, и была она служанкой императрицы Марии-Терезии, при
дворе которой тогда работал Лиотар.А может быть будущую княгиню звалиШарлотта Бальтауф, её отец был венским банкиром, и пастель была создана в его
доме .Также встречается вариант, согласнокоторому это был не заказной портрет: художник сам захотел его написать, поражённый
красотой девушки, камеристки императрицы Марии-Терезии, звавшейся Бальдуф и ставшей позжеженой ИосифаВенцеля фон Лихтенштейна. В конечном счёте личность моделиточно не установлена, ну а нам это не так уж и важно Давайте рассмотрим, что же стоит наподносе? Стакан воды и чашка шоколада. А зачем вода? Дело в том, что у горького
топленого шоколада яркий вкус .Чтобы ощутить его в полной мере необходимо
сполоснуть рот чистой водой перед первым глотком .
Тогда наши рецепторы становятся более чувствительными, а вкус усиливается.
Лакомство довольно густое и сладкое: после него во рту остаётся липкий налёт,
его тоже стоит смыть водой,сделав ещё глоток.На серебряном блюдце картиныизображено печенье, которое призвано смягчить горький вкус шоколада.
И ещё к шоколаду могут подавать чайную ложечку, потому что шоколад может
быть настолько густым, что пить его невозможно -- поэтому массу едят как мусс
или суфле.  А теперь приглядитесь внимательно, как наша героиня несёт чашку с горячим напитком, которыйналит фактически вровень с краем! Ведь чуть собьёшься - и всё, даже если не
прольёшь, то уж неаккуратные потёки обеспечены… Здесь не могу удержаться и не процитировать роман «ЗамокБроуди» («Hatter’sCastle») Арчибальда Кронина, пусть действие там происходит и
много позже: «Как ни старалась миссисБроуди, результат никогда не удовлетворял ее супруга. Самый процесс подавания
ему этой чашки стал для нее своего рода епитимьей, так как, отлично зная, что у
нее трясутся руки, он требовал, чтобы чашка была полна до краев и чтобы ни
единая капля не пролилась на блюдце. Этот последний грех считался самым
непростительным».Есливнимательно рассмотреть чашку с напитком на подносе у девушки, то сразу
появляется недоумение – похоже, что шоколад налит в какую-то двойную чашку? Что
за ободок вокруг чашки? Или она вставлена в какой-то дополнительный стеклянный
низкий стаканчик? Оказывается, на картине художник запечатлел специальную чашку
под названием «тремблёз». Это чайная пара с особой вставкой, поддерживающей
чашку на блюдце. Чтобы не расплёскивать дорогие напитки, в конце XVII века придумали специальныеблюдца, в центре которых был высокий бортик. Чашка на таком блюдце не просто
стоит - она как будто уютно устроилась в гнёздышке. И куда меньше шансов
пролить шоколад или чай. А слово "trembleuse" в переводе с французскогоозначает дрожь, дрожание. Словом, чашечка для тех, укого руки дрожат. У самой императрицы Марии-Терезиибыл подобный сервиз, но не с серебряным креплением, а с золотым. Императрица
же! А еще удобно пить, лёжа в постели - меньше рискперевернуть чашку.
И знаете, я бы не отказалась от такой чайной или кофейной пары, - добавляет
наша участница. Тремблёзы были двух видов: с высоким бортиком в центре блюдцалибо с углублением, в которое помещалась чашка.
Такие чашки могли быть полностью отлиты изфарфора. Либо же дорогие фарфоровые чашки, в которых подавался напиток,стояли на серебряных блюдцах, снабженныхсеребряным филигранным креплением, как на картинеЛиотара. Первые тремблёзы появились во Франции: поговаривают, что необычная
форма фарфоровой пары была изобретена на знаменитой королевской мануфактуре в
Севре специально для мадам де Помпадур - главной фаворитки Людовика XV,
отличавшейся слабым здоровьем.
В Россиичашечки тремблез впервые изготовили на Петербургском Императорском фарфоровом
заводе (бывшая Порцелиновая мануфактура) в последней четверти 18 века.
  
  
Небезынтересно добавить, что чашка на картине изготовлена изтончайшего мейсенского фарфор; его производство началось близ города Мейсен в
Верхней Саксонии (Германия), за 35 лет до написания «Шоколадницы». И поныне этот фарфор считается лучшим в Европе.Считается, что в благодарность за то, что Жан-Этьен Лиотар запечатлел продукцию их мануфактуры, мастера компании«Мейсен» создали фарфоровую фигурку «Шоколадницы», которая и сегодня не падает
в цене: образцы начала ХХ века доходят на аукционах до двух тысяч евро.  А победителей в7 туре нашей игры мы выбрали так: Заточный, краткий, четкий ответ по существу – приз разделили Татьяна Виноградская
и Ильсия НадершинаЗа подробный,красивый, детальный ответ с иллюстрациями - приз разделили Наталья Шакина и Инна Демиденко!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Четверг, 30 Ноября 2023, 22:22 | Сообщение # 6211 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №8
ЭстЭ 121 Водяная мельница
Работает ли сейчас мельница и зачем ей два колеса?
Что это,голубь воркует -Ключли журчит неустанно -Нет,это плачет, тоскуетВодная панна.Чтона лугу там белеет,Светитсялунно и странно -Этотуманы лелеетВодная панна.Чтоэто в мельницу бьется,Жерновкрутит первозданно -Этохохочет, смеетсяВодная панна.Плакала,больше не хочетПлакатьтак струнно-обманно,Вмельничных брызгах хохочетВодная панна.Кто-тоходил на откосах,Сним она вьется слиянно,Нежитсяв мельничных росахВодная панна.Возлекрутого обрываТайнацарит невозбранно.О,как бледна и красиваВоднаяпанна!(КонстантинБальмонт, 1907)Итак,вот что рассказали участники 8 тура викторины «Все дело в деталях, или Знаем ли
мы, что вышиваем?» о картине Якоба Рёйсдала «Водяная мельница» и о мельницах вообще:…Явсегда при слове «мельница» представляла себе почему-то ветряную мельницу, как
в «Дон Кихоте», но погрузившись в эту тему, поняла, что водяные мельницы
гораздо старше ветряных и они были когда-то очень распространены и востребованы.
А также до меня – наконец!- дошло, что именно о водяной мельнице поетсяв известной когда-то песне Игоря Николаева «Мельница»! Ну, помните, где «Старая
мельница, крутится-вертится, бьется о камни вода…». ….Яникогда в жизни не видела ни одной настоящей мельницы, и вот теперь, рассматривая
эту картину и почитав о ней и о мельницах вообще, смогла расширить свои
познания и в этой области. Оказывается, мельницы – это очень красиво,
величественно и загадочно. Наверное, не на меня одну они производят такое
впечатление, ведь недаром в старину считалось, что на заброшенных мельницах
водится нечисть, а все мельники – колдуны…Участницыконечно рассказали и об авторе этого пейзажа. А начал этот рассказ Иоганн Вольфганг фон Гете: «ЯкобРёйсдал, родившийся в Гарлеме в 1635 годуи усердно трудившийся до 1681 года, признан
одним из превосходнейших пейзажистов. Картины его удовлетворяют всем
требованиям, которые самый изощренный ум может предъявить к произведениям
искусства»Якоб Исаксван Рёйсдал (1628/1629 -1682) – голландский живописец и гравёрXVIIвека, считается ведущим мастером пейзажной живописи Нидерландов. Родился и умер
в г Харлем. Он создавал свои картины в Золотой век голландской живописи,
периода великого богатства и культурных достижений, когда голландская живопись
приобрела невероятную популярность. Ему удалось одухотворить свои пейзажи
большими личными чувствами и переживаниями. В его картинах даёт себя знать
чуткая, напряжённо-страстная восприимчивость художника к жизни природы в её
частных и общих проявлениях. Манера письма маленькими мазками характеризует разнообразие
форм увиденного в пейзажном мотиве и вместе с тем эмоциональное их переживание,
образное восприятие.Также, как и другие крупнейшие художники Голландии, Рёйсдал не шёл на уступки
вкусам буржуазных заказчиков, всегда оставаясь самим собой. Живописец не
ограничивался определенными темами изображения. Круг его пейзажных мотивов
очень широк – это виды деревень, равнины и дюны, лесные болота и море,
изображенные в самую различную погоду и разные времена года.Врейтинге знаменитых голландских художников Рёйсдал занимает 7-е место; первое
место отдано Рембрандту.Большаячасть сведений о жизни Рёйсдала была собрана исследователями только в ХХ веке.
Точной информации о нем у нас очень немного, поэтому в биографии художника есть
некоторая путаница. К примеру, точно неизвестно, была ли его матерью первая
жена его отца или вторая. Учитель Рёйсдала также неизвестен. Считается, что
Рёйсдал учился у своего отца и дяди, но этому нет никаких архивных
доказательств. Похоже, что на него оказали сильное влияние другие современные
местные художники Харлема, города в Голландии, где художник родился и умер.Вомногих источниках в интернете написано, что художник имел вторую профессию –
врач. Некоторые искусствоведы (Питер Шелтема, Сеймур Слив, Ян Пол Хинрихс)
считают, что это был случай ошибочной идентичности. Творческое наследие
Рёйсдала составляют около 450 картин, при том, что прожил художник всего недолгие
55 лет. Его необычайно высокая продуктивность в живописи предполагает, что
времени на изучение медицины и практику было бы мало.Рёйсдалне был евреем, как полагает некоторые. Исследователь С. Слив сообщает, что
из-за изображения Рёйсдалем еврейского кладбища и различных библейских имен в
семье Рёйсдалов он часто слышал предположения, что мастер обязательно должен
быть евреем. Свидетельства же, которые обнаружил исследователь, показывают
иное. Имеется церковная запись о том, что 14 июня 1657 года Якоб
ванРёйсдалпринял крещение в голландской реформатской церкви. До этого момента,
вероятно, художник принадлежал к меннонитам, как егоотец и дядя.ЯкобванРёйсдал не был женат. Неизвестно, как выглядел художник, поскольку не
существует ни одного известного портрета или автопортрета.Дляпейзажиста Рёйсдал путешествовал относительно немного: он был в некоторых
местах родной Голландии, а также несколько раз путешествовал вдоль немецкой
границы. Несмотря не многочисленные норвежские пейзажи, нет никаких записей о
том, что он был в Скандинавии.Своикартины Рёйсдал писал не по частным заказам, а для свободной продажи, поэтому
сложно судить об уровне его доходов. Правда, имеются косвенные свидетельства
того, что финансовые дела живописца постепенно шли в гору, к примеру, за 12 лет
до смерти он перебрался в самый центр города, на площадь Дам.Его картины,
согласно исследователю Хэндрику Фредерику Вейнману, оценивались при жизни
довольно высоко (средняя цена на его картины составляла 40 гульденов,
тогда так для других художников цена составляла в среднем 19 гульденов).Долгоевремя считалось, что художник умер в нищете и забвении в одной из богаделен
Харлема, и только в 1932 году ученым удалось доказать, что богадельне умер
вовсе не он, а его двоюродный брат, сын дяди Соломона. Причиной недоразумения
стало совпадение профессии и почти полное совпадение имен и фамилий.Принципы голландского реалистического пейзажа складывались напротяжении первой третиXVII столетия. Вместо условных канонов иидеализированной, придуманной природы в картинах мастеров итальянского
направления создатели реалистического пейзажа обратились к изображению
действительной природы Голландии с ее дюнами и каналами, домиками и селениями.
Они не только запечатлели характер местности со всеми приметами, создавая
типические мотивы национального пейзажа, но стремились передать атмосферу
времени года, влажный воздух и пространство. Это способствовало развитию
тональной живописи, подчинению всех компонентов картины единому тону.Крупнейший пейзажист Голландии XVII века Якоб ванРёйсдал вранних произведениях изображал скромные виды окрестностей Харлема («Домик в
роще», 1646, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Около 1650-1655 гг.,
путешествуя по Нидерландам и Германии, Рёйсдал писал монументальные пейзажные
композиции, в которых суровая холодная гамма и резкие контрасты светотени
воплощают ощущение драматической изменчивости жизни («Еврейское кладбище»,
Картинная галерея, Дрезден). В зрелый период творчества Рёйсдал создавал
городские, сельские, морские, речные пейзажи («Вид деревни Эгмонд», ГМИИ,
Москва; «Пейзаж с водяной мельницей», 1661, Рейксмузеум, Амстердам), отдавая
предпочтение сумрачным и таинственным лесным чащам у болот и рек («Болото»,
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).У Рёйсдала почти всегда важную роль играет небо, котороезадает настроение полотну. Как и в природе, оно всегда разное, но автор
постоянно наполняет его облаками, различными красками и светотенями, поэтом оно
получается рельефное, глубокое, динамичное. Еще одна из характерных
особенностей [url=https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9A%D0%BE%D0%BC%D0%BF%D0%BE%D0%B7%D0%B8%D1%86%D0%B8%D1%8F_(%D0%B8%D0%B7%D0%BE%D0%B1%D1%80%D0%B0%D0%B7%D0%B8%D1%82%D0%B5%D0%BB%D1%8C%D0%BD%D0%BE%D0%B5_%D0%B8%D1%81%D0%BA%D1%83%D1%81%D1%81%D1%82%D0%B2%D0%BE)]композиции[/url] многих картин художника — низкий горизонт, прикотором большая часть картины отведена небу с облаками, что придаёт живописи
особую пространственную глубину.Также большое внимание уделяется деревьям, с
могучими ветвями, буйной листвой, они вторят небу, усиливая ту неспокойную
атмосферу, которую автор создает во многих своих работах. А она почти всегда
тревожна благодаря небу, которое никогда не бывает безоблачно, будто художник
постоянно ожидает непогоды…Ну, а теперь мы постепенно движемся в направлении мельниц.Начнем с ветряной мельницы.
«Мельница в Вейке», прим. 1670 Масло,холст, 83х101 см. Государственный музей в Амстердаме«Мельница в Вейке» прочно входит в тройку картин (наряду с«Ночным дозором» Рембрандта и «Видом Делфта» Яна Вермеера), которые голландцы считают своими национальными символами. На картине Рёйсдала запечатлен
крошечный городок Вейк, расположенный в нескольких милях к юго-востоку от Утрехта. В этом городке и поныне можно увидеть старую ветряную мельницу, но – увы! – она не та, что увековечена на картине. От той, старой, к сожалению, сохранились лишь остатки фундамента. Удивительно, но Рёйсдал крайне редко писал ветряные мельницы. И это несмотря на то, что они был «фирменным знаком» Голландии (не говоря уже о том, что любая ветряная мельница живописна сама по себе). Дотошные исследователи подсчитали, что Рёйсдал изображал ветряные мельницы всего 15 раз, причем большую часть этих картин он создал в начале своего творческого пути. Впрочем, лучшую свою мельницу, «Мельницу в Вейке», мастернаписал уже в зрелом возрасте. Композиция этой картины выдержана в типичной для Рёйсдала манере. Низкий ракурс, выбранный им, делает очертания мельницы и
других зданий несколько размытыми, и от этого кажется, что они готовы вот-вот растаять в неприветливом, покрытыми серыми облаками небе.
Кипит вода, ревёт ручьем,
На мельнице и стук, и гром.
Колеса-то в воде шумят
А брызги вверх огнем летят.
От пены-то бугор стоит,
Что мост живой, весь пол дрожит.
Шумит вода…
(И.С. Тургенев «Гнездо ласточки»)
Ну, вот мы и добрались до картины Якоба ванн Рёйсдала, которуюмы вышиваем и по которой задан восьмой вопрос викторины «Всё дело деталях, или
знаем ли мы, что вышиваем?». Стоит упомянуть, что водяная мельница – не такой
частый мотив в голландской живописи в целом, как ветряная. Тем не менее,
главная мельница на этой картине Рёйсдала – водяная. И она даже не одна, а их
две – по обе стороны плотины.
Полное ее название «Двеводяные мельницы с открытым шлюзом»(хотя есть и другие варианты названия: «Двеводяные мельницы и открытый шлюз»«Две подливные водяные мельницы с открытым
шлюзом»). Картина создана в 1653 году. Сейчас она находится в коллекции Музея
Гетти в Лос-Анджелесе. Хотя другие западные художники и раньше изображали
водяные мельницы, Рёйсдал был первым, кто превратил ее в основной сюжет в своей
картине.На картине изображены две водяные мельницы, основная изкоторых, расположенная в центре полотна, фахверковая[1](каркасная)со стяжками и фронтоном из вертикальной доски. Это характерно для водяных
мельниц в районе Бентхайм в Германии, гдеРёйсдал путешествовал в начале 1650-х
годов. Эта картина является одной из шести известных вариаций на эту тему и
единственной, которая была датирована. На нескольких картинах, похоже,
изображена одна и та же водяная мельница с разных ракурсов.Наталья показывает еще одну картину, «Две водяные мельницы и открытый шлюз наСингравен», (давайте условно назовем ее«Картина №2»),очень похоже, что изображены те же самые две мельницы, но с
другого ракурса. Та мельница, что на нашей вышиваемой картине изображена
«спиной» и виден только обшарпанный уголок от нее и «кусочек» мельничного колеса,
на этом втором пейзаже видна во всей красе. Также хорошо можно рассмотреть и мельничную
плотину.Запомните ее пожалуйста, мы к ней еще вернемся!
«Две водяные мельницы и открытый шлюз наСингравен», 1652…Ветер, кажется, преследует облака на этой картине, позволяясквозь призрачное солнце на мгновение осветить падающую воду. В следующий
момент луч солнца исчезнет, а после упадет на овец на крутом склоне холма через
долину, или, может быть, на отдаленную ветряную мельницу и шпиль церкви за ее
пределами. Человек на мосту шлюза собирается закрыть заслонку, чтобы остановить
поток воды. Кажется, он замер, возможно, чтобы собраться с силами, а, возможно,
просто задумался, завороженный мерцающим светом на стремительном потоке…Окружение мельницы на этом полотне - это изобретение Рёйсдала: нигде в Голландии нет холмов такойвысоты. Путешествуя, художник делал эскизы и рисунки, которые впоследствии использовал
образно в своих пейзажах.С этого ракурса на картине №2можно рассмотреть плотинуво всех подробностях, заметить,что у более старой мельницы с одним колесом, хорошо
видно фундамент, сложенный на века, и крышу, которую давно пора подлатать. Желоб,
расположенный рядом с этой старой мельницей не заполнен водой, значит,
мельничное колесо не крутится, иэта мельница не работает. Тогда как у мельницы
с двумя колесами вода бежит по обоим желобам стремительным потоком. На этом же
ракурсе можно рассмотреть, что колеса на большой мельнице стоят не в одной
плоскости, а в двух разных, а значит,они работают независимо друг от друга.Происторию создания человеком водяного колеса, а впоследствии и водяных мельниц
можно найти довольно много информации и написать целый трактат, ибо всё это уходит
корнями в историю очень глубоко. Но само техническое устройство мельницы
довольно сложно для нас, девушек-вышивальщиц,поэтому вот только самое основное.Оказывается,раньше редко на какой речке не стояла мельница! В сельской местности она была
чем-то особенным. С её помощью мололи зерна на муку и делали из зерна крупу, готовили
толокно, получали льняное масло. Сообразительный мельник мог устроить в
мельничном амбаре и просеивание муки, и сукновальню. С ближайшей округи
тянулись к мельнице подводы с зерном, а обратно - те же подводы со свежей
мукой: возницы и лошади чуть белые от мучной пыли. Дорога часто шла через
мельничную плотину. Так как место для устройства мельничной плотины тщательно
выбирали в овражистых местах, по возможности с высокими крутыми берегами, то и
омут, который возникал перед плотиной после наполнения искусственного озера,
нередко являлся самым глубоким местом на реке. Считалось, что омут у мельничной
плотины бездонный и здесь живут водяной и русалки. Водяной особенно любит
забираться на ночлег под водяную мельницу, возле самого колеса. Из омута под
плотиной всегда можно было наловить рыбы, в пруду плавали утки, гуси, на
заливных пойменных лугах сочно зеленела трава. Пруд и плотина оживляли сельский
пейзаж. На мельнице в ожидании помола встречались крестьяне из разных деревень.
Шёл обмен новостями, разгорались хозяйственные дискуссии…Стоитзаметить, что мельница несла в себе элементы техники и архитектуры иявлялась
памятником человеческому знанию, но тем не менее она удивительным образом вписывалась
в живописное полотно природы. Эта добрая кормилица не загрязняла землю.
Хрустальная водица, выйдя из пруда и покружив колесо, уходила дальше такой же
прозрачной.Водянаямельница – сооружение более древнее, чем ветряная, и она в старину имела
намного большее значение. Она не зависит от непостоянства ветра, а использует
воду, материю, в общем, менее капризную. Она была более широко распространена в
силу своей древности, большого числа рек и речек, водохранилищ, отводных
каналов, водоводов, которые могли заставить вращаться колесо с лопастями или
черпаками. Изобретение водяной мельницы имело большое значение для истории и
развития техники. Первые такие конструкции использовались для перелива воды еще
в Древнем Риме, позже их стали применять для получения муки и в других
промышленных целях. Первыеупоминания о применении водяного колеса относятся к глубокой древности.Наша главная пища — хлеб. Он готовится из муки, а её получают, измельчаязерно. Перемалывание муки — тяжёлый труд, и, когда с развитием сельского
хозяйства стали производить много зерна, проблема с его переработкой встала
особенно остро. Неудивительно, что именно в мукомольном деле возникла одна из
первых в истории машин — водяная мельница, вращаемая энергией течения рек.В древнейшие времена зерно толкли пестиком в ступке, потом выяснили, что легчерастирать зерно между двумя камнями, в зернотёрке. Идея
использовать вращательные движения при растирании зерна пришла с
изобретением колеса. Так появился ручной жёрнов — два дисковидных
камня, скользящих один по другому, между которыми перетиралось зерно. В Древней
Греции и Риме уже были жернова всех размеров. Маленькие жернова, наподобие кофемолок, одной рукой держали, а другойвращали. Большие жернова ставили на колоду и вращали двумя руками. Были и огромные
жернова, которые крутили рабы, быки или ослы. Монотонность этой работы
натолкнула на мысль придумать двигатель, заменивим мускульную силу человека и животных.Прототип мельничного колеса --водочерпательное колесо, чадуфон, который появился ещё в V в. до н.э. в Египте, Китае и Индии. Чадуфоны поднимали из реки воду для орошения полей.
По периметру большого обода, нижней частью погружённого в реку, насаживались
черпаки. Обод вращался, черпаки по очереди опускались воду, зачерпывали её,
поднимались наверх и опрокидывались в жёлоб, ведущий к оросительному каналу.
Первые чадуфоны вращались вручную, но там, где течение быстрое, обод сталиснабжать лопатками — появилось водяное колесо. Течение напирало
на лопатки и проворачивало колесо — так появилась поливальная машина, первый механизм,работающий без участия человека, за счёт природной энергии. Там, где
течение было недостаточно сильным для вращения колеса, реку перегораживали
плотиной, создавая искусственный водопад, а колесо ставили под ним так, чтобы
вода вращала его, падая на лопатки сверху. Изобретение такого природного двигателя
породило идею его использования и для других целей — например, для вращения
жерновов. Антипатриз Фессалоник, писавший в I столетии до н. э., оставил первое литературное
упоминание простой водяной мельницы, избавившей крестьян от тяжелой работы по
ручному обмолоту зерна:«Не возлагай рук своих на мельницу, оженщина, вращающая жернов! Спи крепко, несмотря на то, что гребень петуха
возвещает рассвет, ведь Церера (богиня, отвечающая за произрастание злаков)
отдала нимфам труд, который занимал руки твои. Они, устремляясь с вершины
колеса, заставляют вращаться его ось, и та с помощью движущихся спиц приводит в
действие все четыре жернова. Мы заново ощущаем вкус жизни первых людей,
поскольку мы научились радоваться без устали дарам Цереры». Елена подробно рассказала как работает водяная мельница: Водяное колесо вращается в вертикальном положении, а жернова вращаются вгоризонтальном положении. Как передать движение от водяного колеса к жерновам? Древние
изобретатели, например Ктесибий, уже использовали для аналогичных
устройств колёсную (зубчатую) передачу. Если 2 колеса плотно соприкасаются, то, как только одно начинает вращаться,другое из-за возникающей между ними силы трения тоже будет вращаться. Но
гладкие колёса проскальзывали, и «связку» меж ними усилили с
помощью зубцов. Зубчатое колесо также называют шестерёнкой. Вращающееся
колесо называется ведущим, аколесо, которому передаётся вращение, — ведомым.Рядом с рекой, накоторой установлено водяное колесо, строилось здание, в котором помещался
мельничный механизм. На одной оси сводяным колесом крепилась вертикальная шестерёнка, которая через систему
зубчатых передач вращала жернова.Нижний жернов неподвижен и называется «лежак», а верхний вращается иназывается «бегун». На соприкасающихся поверхностях жерновов нанесены
специальные борозды и желобки для лучшего перетирания зерен.Зерно в мешках поднимется на верхний этаж с помощьюлебедки, и засыпается по желобу в жернова, а смолотая мука по специальному
лотку ссыпается в мешки на первом этаже. Водянаямукомольная мельница – крупное деревянное сооружение с мельничным поставом,
приводимым в движение водяным колесом или водяной турбиной. Постав –самая
важная часть мукомольной мельницы - состоял из двух каменных дисков (жерновов).
Устроен постав так же, как жернова в ручной мельнице. Размер постава и скорость
его вращения определяют производительность мельницы. Она зависела от размера
камня (жернова) и от скорости его вращения. Жернова брали диаметром от 50 до
120 см. На маловодных речках на мельнице ставился небольшой бегун (верхний
жернов), который вращался поверх неподвижного лежака (нижнего жернова) со
скоростью в пределах 60 оборотов в минуту. Река помноговоднее могла крутить
камень побольше, и он совершал до 150 оборотов. В зависимости от этого один
постав размалывал от одного пуда (16 кг) до 4 пудов (64 кг) в час. Одна
мельница обслуживала две-три деревни с общим населением тысяча человек.
Заметим, что мука шла не только для людей, но и скоту. Водяная мельница - это гидротехническое сооружение, которое используетгидроэнергию, получаемую с водяного колеса. В прошлом без мельницы не
обходились ни в одной деревне. она была важным сооружением, которым
пользовались для помола и просеивания зерна, для изготовления бумаги и ковки
железа, для резки брёвен и других работ.Хотя впервые о водяных мельницах в летописях упоминалось только в 13 векен.э., они были известны ещё в Римской империи во 2 веке до н.э. о них писал
Витрувий, римский архитектор и механик в своих трактатах, точнее, он детально
описал устройство водяной мельницы. Широкое распространение водяные мельницы
уже получили в Средневековье и чаще их строили при монастырях. Таково было
указание Бенедикта Нурсийского, который был родоначальником западного
монашеского движения. он предписывал каждому монастырю обзавестись водяной
мельницей, которая могла бы перерабатывать продукты сельского хозяйства. В
России водяные мельницы появились около 12 века, и постепенно их начали строить
в тех местах, где протекали реки. А в 16 веке уже работали и бумажные
мельницы. Но всё же основной работой водяной мельницы оставался помол зерна.
так как с этим было связано благополучие целого края. Аполлоний Пергемский упоминал о водяном колесееще в 240 году до нашей эры. Уже тогда водяное колесо использовали в качестве
привода для водяных мельниц, для подъема воды для орошения полей, для откачки
воды из шахт, привода кузнечных молотов и даже для привода всевозможных
станков, благодаря чему человек получил надежный и простой двигатель,
применение которого с каждым годом все расширялось.Историямельниц ведет свое начало от первых жерновов, которые использовали древние люди
для получения муки. Такие устройства были вначале ручными, затем стали
использовать физическую силу рабов или животных, которые вращали мукомольное
колесо.Историяводяной мельницы началась с использования поливальных устройств, называемых
чадуфонами (у древних египтян и персов они назывались нориями), которые
применялись для поднятия воды из реки для орошения земли и полей. Такие
устройства представляли собой несколько черпаков, насаженных на обод: при
вращении они погружались в воду, зачерпывали ее, а после поднятия вверх
опрокидывали в желоб.Современем люди стали строить водяные мельницы и использовать силу воды для
получения муки. Причем на равнинных территориях при низкой скорости течения рек
для увеличения напора устраивали запруды, обеспечивая тем самым повышение
уровня воды. Для передачи движения к устройству мельницы были изобретены
двигатели с зубчатой передачей, которые делались из двух колес, соприкасающихся
ободами.Водяныеколеса устанавливали в нескольких положениях по отношению к потоку воды: нижнебойные,
или подливные— на реках с большой скоростью течения. Самыми распространенными
были «висячие» конструкции, устанавливаемые на свободном течении, погруженные в
воду нижними лопастями. В простейшем водяном колесе на ободе установлены прямые
лопатки; нижние лопатки погружаются в водный поток. Течение давит на лопатки, и
колесо вращается. Для увеличения отбора энергии из водного источника лопатки колеса
стали делать в виде ковшей. Подливные водяные колеса могли работать почти в
любых относительно обильных потоках с умеренной скоростью воды, но наиболее
эффективны они были в узких протоках.Для повышения эффективности работы часто
использовали плотину, перегораживающую только часть реки, называемую буном
.
В потоке с некоторым перепадом уровня воды используют среднебойное или подливное
колесо вместе с направляющим аппаратом (желобом с затвором, которыми
регулируется набегающий водный поток). Когда высота перепада достигает диаметра
колеса или больше него, устанавливают наливное (верхнебойное) колесо.Прииспользовании верхнебойных колес вода падала сверху на лопасти (или черпаки),
приделанные к ободу колеса, что намного увеличило его мощность. Это колесо
можно было устанавливать не только на реках, но и на отводных каналах,
применять в разных отраслях промышленности — сукноделии, горнорудном,
металлургическом и бумажном производствах.Доэпохи Возрождения применялось множество типов только подливных колес; остальные
виды водяных колес привлекли в себе внимание позже.Строилимельницу без каких-либо чертежей. Вся техническая документация: расчеты, детали
– содержалась у мастера в памяти. Конечно, он брал за образец уже имеющиеся
мельницы, но приходилось порой кое-что менять или добавлять новое. Умение и
мастерство, безусловно, требовалось огромное. Хотя и с образца, но не так-то
просто сработать водяное колесо, распределить равномерно по окружности на
шестернях места под зубья. И всё это из дерева! Основными инструментами служили
топор, пила, долото, бурав, тесло, аршин. Циркулем служили шнур или рейка, на
конце с угольником; так окружность и намечали. Мельнику помогал кузнец. Он
ковал вспомогательные детали (оси, крепежные части, скобы).Стоит заметить, что
промышленные водяные мельницы часто строили по чертежам и проектам
(«прожектам», как тогда говорили). Об этом свидетельствует техническая
литература XVII –XVIII и XIX веков.Небольшуюмукомольную мельницу 3-4 человека нередко ставили за один сезон. Запруду делали
простейшими подручными средствами всей деревней. Вспахивали участок целины, а
из дерна выкладывали плотину. Пласт был плотный, как ремень, тянулся, не
разрываясь, на несколько сажен. Укладывали его ровно, прочно. Для крепления
применяли жерди, колья, связки из хвороста. Начав дружную работу с раннего
утра, к вечеру реку останавливали. Благодарность за такую великую услугу
полагалась только в виде обильного угощенья, которое мельник выставлял
крестьянам.Некоторыеплотины снабжали подъемным щитом-затвором, который спасал от весеннего
половодья. Без такого предохранительного устройства запруду весной прорывало, и
ее приходилось возводить заново.Набольших реках плотину строили при помощи ряжей. Из дубовых брёвен рубили срубы
с крепким полом. Такие бревенчатые коробки – ряжи – заполняли камнями, бутом,
валунами, и они опускались на дно реки. По мере погружения на сруб наращивали
новые венцы, и так вели до возвышения над водой. Угол ряжа ставили против
течения реки. Об него раскалывались льдины во время ледохода.
В старые времена сезонами работы мельника были осень (когда мололи свежесжатое
зерно) и весна. Мельник брал себе в качестве оплаты фиксированный объём зерна
из каждого мешка. При этом крестьянин мог оставить на мельнице часть своего
зерна и сверх этого объёма — эту долю мельник уже не имел права забрать себе,
её он распределял между, как бы сейчас сказали, социально незащищёнными
гражданами: одинокими стариками, вдовами, сиротами и т. п. Критериев
порядочности мельника было немало — например, приличный мельник должен был
железно соблюдать очередь: кто первый приехал — того зерно первым и молоть.
Если мельник начинал пропускать без очереди своих родственников, друзей-приятелей
или просто тех, кто побогаче — количество желающих приехать на его мельницу
постепенно сокращалось.Когдая разбиралась в принципах работы мельницы, то у меня возник такой вопрос: а как
мельницу остановить? Ведь явно, что долго работать вхолостую мельнице вредно:
жернова при этом изнашиваются. Ответ оказался прост: прекратить подачу воды на
водяное колесо. Делалось это двумя способами. Первый – выпустить воду в люк,
устроенный в дне жёлоба, идущего от пруда. Если крышку открыть, то вода хлынет в
пройму. Второй способ, когда хотят сохранить уровень пруда, желоб перекрывают
задвижкой – как бы его запруживают.
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Четверг, 30 Ноября 2023, 22:34 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Четверг, 30 Ноября 2023, 22:55 | Сообщение # 6212 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Так что же происходит на нашей мельнице сейчас?
Мельник не пошел пасти козу :), мельник сейчас идет по плотине от левой мельницы к правой. Он уже открыл шлюзы левой мельницы, и по желобу уже побежал ручеек воды. Сейчас мельник закроет шлюзы холостого сброса воды, и бурный поток, который мы видим на картине, уменьшится, почти иссякнет. А дальше мельник пойдет к правой мельнице и откроет ее шлюзы, и вода ворвется в сухой пока желоб. Колеса закрутятся, и начнется работа!
А зачем у мельницы два колеса?
Наэтой мельнице можно одновременно выполнять разные виды работ, например,
в одной части с помощью одного колеса молоть зерно на муку, а в другой части
мельницы делать что-то другое (например, делать крупу из зерна (просо, гречиха
или овёс) – там установлен другой механизм, который не перетирает зерно, а
снимает с него оболочку; такие устройства назывались крупорушками). Также с
помощью второго колеса предприимчивый хозяин мог приспособить в мельничном
амбаре и толчею для толчения кудели, и сукновальню для валяния домотканого сукна,
и чесальный барабан для шерсти и т. д.
 
Победителями 8 этапа стала Наталья Шакина с правильным ответом на вторую часть вопроса (приз 50%)
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Четверг, 30 Ноября 2023, 22:58 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Четверг, 30 Ноября 2023, 23:09 | Сообщение # 6213 | Тема: Интернет-магазин *Лавочка Фондучка* 2017-2022 |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| evgeniakim13, извините, я далеко не всегда просматриваю форум.
Вы - Краснова Александра Валериановна?
Ваш заказ готов, завтра будет отправлен, и мы пришлем Вам в почту номер отслеживания посылки.
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Четверг, 30 Ноября 2023, 23:09 |
| |
| | |
| fondu4ok | Дата: Четверг, 30 Ноября 2023, 23:17 | Сообщение # 6215 | Тема: Новинки ЛФ |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Новинка! Прошу любить и вышивать!
1016.1 Давай делиться! - очень милая милота! Но не обольщайтесь - это не очень просто!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Пятница, 01 Декабря 2023, 19:37 | Сообщение # 6216 | Тема: Программа поощрения Первоотшивов |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| У Инны близок финал Девочки с полевыми цветами!
ПОЗДРАВЛЯЕМ! Ждем!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Пятница, 01 Декабря 2023, 22:51 | Сообщение # 6217 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №9
ЭстЭ 161 Всадница
Что написано на ошейнике собаки?
Ура-ура! Как сегодня много участников! Какие замечательные рассказы! И ВСЕ (!) ответы – правильные!
Конечно, участники рассказали и о художнике, и о заказчице картины, и о моделях, и о самой картине.
Было высказано много различных спорных версий и точек зрения. Например о том, как именно написана фамилия на ошейнике (Самойло, Самойлова, Самойлофф), вышита эта надпись или выгравирована, является или нет Джованина дочерью Пачини, и даже разногласия о породе собаки. (Этого никто точно не скажет, ведь картина написана до начала разведения заводских пород. Первые породы регистрируются только во второй половине 19 века. До этого существуют региональные варианты, одних только спаниелей насчитывались "десятки отродьев")
Я обожаю Ваши комментарии и личностные отношения к вопросу!
Надежда говорит: Сколько же приходится перелопатить материалов ,чтобы ответить и на короткие ,и не очень короткие вопросы викторины!
Светлана вспоминает, что Репродукции картины в том или ином виде присутствовали у наших дедушек, бабушек, родителей.....
Инна восклицает: Я ооооочень ждала вопрос именно об этой картине, так как собственно с нее и началась моя многоцветная вышивка. Со Всадницей связаны лучшие воспоминания о моем детстве. У многих в памяти наверняка есть картины, репродукции которых висели на стенах дома, чаще всего, как и в моем случае у бабушки, в которых мы разглядывали каждую мелочь много лет подряд. Бабули нет уже 25 лет, дом был продан вместе с картиной, а Всадница до сих пор не оставляет меня равнодушной видимо из-за детских чувств и воспоминаний. Поэтому, когда после 20 лет вышивки небольших наборов я решила вышить шедевральную многоцветную картину, выбор сюжета для этой грандиозной работы был предопределен. Вышивала я эту работу более двух лет, разработана схема Голден Кайт, но в моих планах вышить ее и от Эстэ.
А Наталья – про собаку: Благодаря этой пометке собаку легко было бы вернуть владелице, если бы резвый спаниель решил сбежать из дворца-виллы графини на застроенной патрицианскими особняками улице Боргонуово, что на окраине Милана.
… Казалось бы, какая нам разница кто изображен на картине? Но бывают такие модели, жизнь которых или их взаимоотношения с художником не менее интересны, чем само произведение искусства. Одним из таких является «Всадница» Брюллова.
Поэтому я очень благодарна участницам, которые нашли и прислали интереснейший материал о художнике, заказчице, моделях и собственно картине. Чтобы не повторяться, я собрала все вместе, послушайте, и вы еще больше влюбитесь в Брюллова и его картины!
О ХУДОЖНИКЕ:
 
Карл Брюллов (при рождении и до 23 лет – Брюлло) родился в Петербурге 23 декабря 1799 года в семье скульптора французского происхождения Павла Брюлло.
В детстве Карл очень много болел. До 7–ми лет он почти не вставал с кровати. Отец с ранних лет обучал сына живописи, причем часто был излишне строг с ним. Карла Брюллова могли не пустить к обеденному столу, пока он не напишет нужное количество животных и человеческих фигур. За оплошности наказывали строго. Однажды отец так ударил ребенка, что Брюллов остался глухим на одно ухо на всю свою жизнь.Позже Брюллов вспоминал, что способность «опрятно рисовать» у него родилась благодаря детским упражнениям.
В 10 лет его без экзаменов зачислили в петербургскую Академию художеств. Он учился лучше своих сверстников и часто поправлял работы товарищей.Преподаватели рано позволили Брюллову писать собственные полотна, в то время как его сверстники еще копировали учительские картины
В качестве выпускной работы Брюллов в 1821 году создал «Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского».
За нее он получил Большую золотую медаль, а меценаты Общества поощрения художников назначили ему пенсионерскую поездку в Италию.
В 1822 году Карл Брюллов вместе с братом Александром отправился в Рим. (именно тогда он сменил фамилию с Брюлло на Броюллов по настоянию императора) Дорога в итальянскую столицу заняла почти год. По пути они останавливались в разных городах и изучали европейскую живопись и культуру.
В Рим Брюллов прибыл в мае 1823 года. Там он сразу взялся за парадные и камерные портреты. Брюллов писал акварелью, маслом, работал в технике простого рисунка и сепии. Кроме портретов Брюллов пробовал писать жанровые картины.
В 1823 году он написал «Итальянское утро» и отправил его в Россию.
Полотно понравилось меценатам Общества поощрения художников, и те подарили картину Александре Федоровне, супруге императора Николая I. Император пожаловал Брюллову бриллиантовый перстень и поручил написать парную картину. Так возникла вторая композиция — «Итальянский полдень».
В общей сложности Брюллов прожил в Италии 12 лет. Именно здесь Брюллов состоялся как художник, стал известным и популярным мастером.За это время он создал около 120 портретов, несколько автопортретов для Галереи Уффици во Флоренции.
Жизнь в Италии протекала бурно и весело. В Италии в 1827 году художник познакомился с русской аристократкой, графиней Юлией Павловной Самойловой (в девичестве – Пален), ставшей многолетней покровительницей, моделью, другом, возлюбленной художника.
В 1833 году Брюллов заканчивает картину «Последний день Помпеи»Свое самое знаменитое полотно Брюллов писал 6 лет.Картину выставляли на Парижском салоне в Лувре, после чего отправили в Петербург. Император Николай I, увидев ее, пригласил художника на личную встречу для вручения лаврового венка.
На родине картина выставлялась в Императорском Эрмитаже, затем в Академии художеств. Ее смогли увидеть не только представители русской знати, но и купцы, крупные ремесленники, мастеровые.
Уезжая из Италии, ему пришлось оставить там свою любовь – графиню Самойлову, которая также очень сильно любила художника. «Люблю тебя более, чем изъяснить умею, обнимаю тебя и до гроба буду душевно тебе привержена» ̶ из письма Ю.П. Самойловой Карлу Брюллову.
В России Карл Павлович Брюллов стал героем. Его встречали с цветами и ликованием. Но личная жизнь в России оставляла желать лучшего. Он влюбился в Эмилию Тимм, 18-летнюю виртуозную пианистку, и женился на ней. Уже через считанные недели брак распался, дав богатую почву для слухов о каждом из супругов, один отвратительнее другого. Громкий скандал сильно подпортил положение Брюллова при дворе и его репутацию в свете. В итоге потрясённый художник нашёл утешение в обществе графини Самойловой. После этого случая художник стал часто болеть, а особенно не давало ему покоя его больное сердце.
В 37 лет Брюллову было присвоено звание младшего профессора Академии художеств. В Академии он руководил классом исторической живописи.
В 1843 году Брюллов начал расписывать плафон купола только что построенного Исаакиевского собора.
Площадь сферического плафона составляла более 800 квадратных метров. Стоя на лесах, художник шутил: «Мне тесно! Я бы теперь расписал небо!» Из-за плохого состояния здоровья, Брюллов не смог закончить роспись Исаакия, по его эскизам роспись купола заканчивал художник Петр Басин.
В апреле 1849 года Карл Брюллов отправился на лечение за границу — на остров Мадейра, а затем в Италию, где и провел последние годы. Смерть наступила внезапно: 11 (23) июня 1852 года Карл Павлович отдыхал на минеральных водах в Манциано, в 40 км от Рима. Он чувствовал себя прекрасно, и после хорошего обеда курил сигару, когда последовал резкий приступ удушья. Через три часа великого живописца не стало. Ему было всего 53 года. Похоронен на римском протестантском кладбище Монте-Тестаччо.
Карл Брюллов – один самых знаменитых выпускников Академии художеств Российской империи. Яркий представитель позднего романтизма, Брюллов создал множество прекрасных картин, в том числе ряд портретов выдающихся людей своего времени.
Его художественному стилю были присущи теплые сочные тона, резкие контрасты, порою – трогательная женская нагота; он умел отразить в своих полотнах человеческие настроения, страхи и чувства.
Его называли Карл Великий за его живопись. По уровню живописи Карл Брюллов считал себя не ниже, чем Джотто и Леонардо да Винчи и другие мастера итальянского Возрождения.
Одним из жанров, которым прославился Карл Брюллов, была историческая картина.
Второй жанр, в котором он был успешен, были дамские портреты. На портретах Брюллова, ходили слухи среди дам, все получались прельстительными, поэтому дамы стояли в очереди, чтобы заказать портрет у Великого Карла.
Будучи ценителем женской красоты, Карл Брюллов умел в каждой модели найти что-то прекрасное и отличительное, индивидуальное и, в тоже время, настолько ее выделяющее красотой среди других светских дам. Он говторил: «Удержать лучшее лица и облагородить его — вот настоящее дело портретиста», Не удивительно, что дамы заказывали ему много портретов.
Художник создавал не простые парадные портреты – он сочетал их с сюжетной живописью. Получавшаяся в результате картина вызывала настоящий восторг и восхищение не только у людей, изображенных на картине и их знакомых, но и у настоящих знатоков изобразительного искусства.Брюллов много внимания уделял обстановке на портретах. И на многих его картинах мы можем увидеть, что почти одинаковое внимание оказано моделям и окружению вокруг них. И это тоже показывает, насколько он ценил красоту окружающего мира. Все фактуры тканей, фактуры камней, дерева, все передано со знанием дела и с большим мастерством реалистической живописи.
Брюллов и художники его времени очень старались показать как человек, человеческий разум способен к совершенству, в отличие от природных стихий, которые ведут себя открыто, эмоционально, но крайне неразумно.
Картина «Всадница» является квинтэссенцией стремления Карла Брюллова и его моделей быть запечатлёнными в веках в совершенном образе. «Всадница» представляет в наилучшем виде и сам жанр женского парадного портрета первой половины XIX века, и живописца Карла Павловича Брюллова.
Живописная картина «Всадница», которую Карл Брюллов написал во время пребывания в Италии, стала едва ли не самой загадочной в творчестве художника Картина была написана в 1832 году по просьбе графини Юлии Павловны Самойловой. Сам художник назвал свою работу «Джованин на лошади», в разное время ее называли «Всадница», «Наездница» или «Амазонка». Сейчас полное название картины звучит так: «Всадница. Портрет Джованнины и Амацилии Пачини, воспитанниц графини Ю.П. Самойловой»
Так выглядел Брюллов, когда писал «Всадницу»
Долгое время считалось, что на картине изображена сама Юлия Самойлова вобразе всадницы. Однако позже искусствоведам все же удалось доказать, что на картине – не сама графиня, а ее воспитанницы Джованина и Амацилия, а путаница возникла именно из-за надписи на ошейнике собаки «Samoylo » - намеке на фамилию заказчицы картины.
А моделями Брюллова стали воспитанницы Юлии Самойловой. Младшая из девочек - Амацилия была дочерью друга графини композитора Джованни Пачини, автора более 70 опер в том числе, оперы "Последний день Помпеи", одним из источников вдохновения Брюллова для написания его главного шедевра. Девочка родилась в 1828 году, после родов умерла ее мать и в дальнейшем она попала на попечение к Юлии Самойловой.
Джованина - старшая дочь композитора Пачини, сестра Амацилии. Есть альтернативная версия о личности Джованины, но достоверно известно, что она была на попечении у графини вместе с Амацилией.
Оригинальный масштаб картины – 291×206 см., для портрета полотно довольно крупное. Картина написана на стандартном холсте с помощью масляных красок.
Всадница совершает прогулку на резвом, холеном вороном коне в сопровождении своей собаки – спаниеля в красном ошейнике. Лошадь, вставшая на дыбы, придает картине динамики. Возвышенная красота, подчиняющая дикую силу, — популярный мотив романтизма. Художник подчеркивает контраст между хрупкостью наездницы и мощью коня. Стоящая рядом девочка завороженно смотрит на наездницу – возможно, ей тоже не терпится оказаться в седле. Дальний план полотна «Всадница» лишен четких деталей и выглядит немного размытым – по замыслу Брюллова, он не должен отвлекать внимания от изображенных в центре героинь. Картина отражает романтику молодости, энергии, легкости и цветущей прелести, воплощенной в юных и прекрасных героинях. Пейзаж на фоне здесь не играет большой роли – он нужен, чтобы уравновесить композицию «Всадницы» и сделать ее более живой и реалистичной. Практически все герои полотна находятся в движении: конь гарцует, девочка протягивает руку к наезднице, собаки обернулись к своим хозяйкам и готовы броситься с места в любой момент…
Необычно и цветовое решение этой картины – для передачи удивительной экспрессии, которой просто заряжен этот портрет, художник выбирает контрастные цвета, смело размещая рядом с блестящим вороным конем маленькую девочку в розовом платье, которое отлично гармонирует с бело-голубым нарядом юной всадницы, а кипенно-белые воротники подчеркивают свежесть юных лиц и блеск черных волос. Не менее яркими акцентами в композиции смотрятся изумрудная вуаль девушки на фоне тусклой листвы, и красная портьера на входе в дом. При этом ощущения перегруженности картины цветом вовсе не появляется – напротив, возникает восхищение гениальностью художника, столь мастерски точно подобравшего каждый мазок кисти.
В замысле художника счастливо соединились величавость парадного портрета и простота, поэтическая одухотворенность живых, непосредственных характеров двух героинь. Удивительный талант Брюллова позволил ему с помощью одной картины проявить себя, как искусного портретиста и великолепного пейзажиста – с одинаковым успехом он изображает и переживания людей, и реакцию животных, и волнение природы. Согнутые под порывом ветра стволы деревьев, экспрессия коня, передающего свое настроение взлохмаченному псу, восторженное и немного взволнованное лицо маленькой Амацилии, восхищённо наблюдающей за старшей девушкой с крыльца, прильнув к перилам, – все это служит обрамлением для спокойного изящества юной всадницы.
Девушка словно парит над лошадью, придерживая поводья кончиками пальцев, тогда как разгоряченный конь едва не встает на дыбы. Волнение резко осажденного скакуна, его беспокойство, готовность встать на дыбы, казалось, вынудили бы девушку натянуть поводья и наклониться. Всадница же Карла Брюллова на полотне демонстрирует безупречную осанку и спокойствие, ее лицо почти бесстрастно. Однако художник сделал так намеренно: ему важно было подчеркнуть, насколько ангелоподобная красавица превыше окружающей обстановки и несовершенства мира.
Брюллову удалось небольшое чудо - девочки как будто из золушек превратились в принцесс: он пишет их особенно нарядными, парадными. Старшая изображена в наряде холодных оттенков и это подчеркивает ее сдержанность, благовоспитанность, светскость и противоречит всей той бушующей природной стихии, которая вокруг нее – лошади, мятущемуся ветру, облакам на небе. Младшая же девочка изображена в платье теплого розового оттенка и это передает ее свежесть, естественность. И Карл Брюллов показывает нам, что оба типа красоты прекрасны.
Скромную воспитанницу графини Ю.Самойловой - Джованину, художник изобразил так, как до него изображали только прославленных полководцев или титулованных особ.
Картина необычайно динамична: прекрасно переданные ткани платья, живая, колышущуюся под ветром листва, мускулы лошади, переливающиеся под блестящей кожей. И все это написано очень живо и реалистично. И только фигура всадницы, по мнению Манина, «вне движения физического и вне движения духовного».
Зрители восхищались возвышенной красотой наездницы, называя девушку летящим ангелом
Тем не менее, «Всадницу» Карла Брюллова ожидала и жесткая критика: Критики указывали, что безмятежное выражение лица и статичная поза всадницы не соответствуют ситуации, в которой героиня показана. Они находили это неестественным: слишком резко невозмутимость всадницы контрастирует с взбудораженным состоянием коня. В появившейся в том же году статье, приписываемой Амбриозоди, говорилось: «Если что-нибудь может показаться невероятным, так это то, что прекрасная наездница или не замечает бешенность движений лошади, или, от излишней уверенности в себе, совсем не затягивает узды и не нагибается к ней, как, быть может, было бы нужно».Многие исследователи указывают также на разное направление ветра. Вуаль от ветра развивается вправо, а деревья на заднем плане показывают ветер влево. И при этом локоны волос наездницы вообще висят неподвижно, как если бы никакого ветра не было.
  
 
Но, несмотря на критику «Всадницы» или восхищение ею, полотно признано гениальным и вошло в летопись мирового искусства как непревзойдённый шедевр.
Время показало, что более верна другая рецензия в в итальянской газете в 1832 год: «Русский живописец Карл Брюллов написал портрет в натуральную величину девушки на коне и другой девочки, которая на неё смотрит. Мы не припоминаем, чтобы видели до этого конный портрет, задуманный и исполненный с таким мастерством. Конь… прекрасно нарисованный и поставленный, движется, горячится, фыркает, ржёт. Девушка, которая сидит на нём, это летящий ангелочек. Художник преодолел все трудности как подлинный мастер: его кисть скользит свободно, плавно, без запинок, без напряжения; умело, с пониманием большого художника, распределяя свет, он знает, как его ослабить или усилить. Этот портрет выявляет в нём многообещающего живописца и, что ещё важнее, живописца, отмеченного гением»
И еще, что «работа живописца превзошла все ожидания, а его стиль и мастерство ожно сравнить с легендарным Рубенсом».
Всадница» отражает эволюцию романтического стиля автора и достижения его реалистичной техники, чётко вырисовывающей мельчайшие детали композиции. Когда была создана «Всадница», Карлу Брюллову исполнилось тридцать три года. Впереди был триумф «Помпеи», серия знаменитых портретов современников, дружба с Пушкиным, Глинкой. Впереди была целая жизнь…
… Картина Карла Брюллова «Наездница» более 40 лет хранилась у Юлии Самойловой. Лишь после того, как графиня окончательно разорилась и лишилась всего, она вынуждена была ее продать, а в конце XIX века полотно приобрел Павел Третьяков. Картина хранится в Третьяковской галерее в Москве.
О САМОЙОВОЙ:
Но, узнав все это, нам ведь не терпится поскорее узнать, кто ж такая эта загадочная графиня Юлия Самойлова?
Графиня Юлия Павловна Самойлова блистала в высшем свете России и Италии в первой половине 19 векаОна была наследницей рода Скавронских, Пален, Литто и Висконти — богатейших домов Российской империи и Италии, и была наследницей огромного состояния.
Обладательница независимого, свободолюбивого и даже взбалмошного характера, Самойлова нередко раздражала петербуржское общество. В конце концов концов император Николай I выразил желание, чтобы графиня удалилась от двора и не посещала обе столицы.
Подчинившись воле императора Самойлова переезжает в Италию, на Миланскую виллу, которая изображена на картине «Всадница».
Одним из ее гостей оказался петербуржский живописец Карл Брюллов.
Самойлова была страстной натурой, ей претили любые ограничения и запреты. Это и покорило художника, который восхитился не только её темпераментом, но и красотой.
 
Юлия Павловна влюблялась часто, что не вызывало одобрния у почтенных дам. Впрочем, Самойловой было все равно, что о ней говорят за глаза, и ей даже нравилось, что ее сумасбродство считают возмутительным.
Вызовом обществу было и то, что объектами ее страсти становились исключительно люди творческих профессий: оперные певцы, актеры. композиторы, художники, то есть незнатные. а чаще всего и бедные. Графиня Самойлова их щедро поддерживала, но роль мецената ее в полной мере не удовлетворяла. Ее душа жаждала восторга и преклонения перед настоящим гением. Юлия Павловна полагала своим предназначением бросить свою жизнь и всю свою аристократическую гордость к ногам того, кто ниже ее по происхождению, но много выше по дарованиям.
В лице Карла Брюллова она нашла тот идеал, о котором мечтала. Ведь он и в самом деле был не просто талантлив: он был гением. Настолько погруженным в творчество, что все, не имевшее отношение к живописи, воспринимал как досадную помеху, препятствие на пути к главному - к холсту и кисти. Он бы, вероятно, и не заметил прекрасную графиню, если бы Юлия Павловна не явила собой тот идеал красоты, который Брюллов создал в своем воображении и воплощал на полотнах, не надеясь увидеть во плоти.
Брюллов писал портреты графини Самойловой неоднократно, и на всех картинах чувствуется его теплое отношение к позирующей. А. Бенуа писал: «Вероятно, благодаря особенному его отношению к изображаемому лицу, ему удалось выразить столько огня и страсти, что при взгляде на них сразу становится ясной вся сатанинская прелесть его модели...».
Она познакомила художника с многими представителями высшего общества в Риме, от них Брюллов получал заказы на дорогостоящие парадные портреты.
Современники восхищались ею, отдавая дань её красоте. Так, например, описывал графиню Юлию Павловну Николай Гоголь: «Она — не женщина Рафаэля, с тонкими, незаметными, ангельскими чертами, — она женщина страстная, сверкающая, южная, италианская во всей красоте полудня, мощная, крепкая, пылающая всей роскошью страсти, всем могуществом красоты..».
На красоту, стать и неординарное поведение Юлии Павловны отреагировал и Пушкин:
Ей нет соперниц, нет подруг,
Красавиц наших бледный круг
В её сиянье исчезает...
Исследователи творчества Карла Павловича Брюллова отмечают сходство темпераментов художника и графини Самойловой. Они были похожи как брат с сестрой. По иронии судьбы, даже их отчества совпадали.
Среди итальянских друзей графини был композитор Джованни Пачини, автор оперы «Последний день Помпеи». Когда он овдовел, заботу о двух его дочерях- старшей Джованнини и младшей Амацилии взяла на себя Самойлова. Этих девочек, воспитанниц графини и изобразил Карл Брюллов на парадном конном портрете в 1832 г.
Летом они вместе путешествовали по Италии и бродили среди руин Помпеи, где и зародился замысел прославившего мастера полотна.
В 1827 году Брюллов начал работу над одним из своих масштабных произведений — «Последний день Помпеи».
Графиня вызвалась позировать ему. И на полотне её образ запечатлён трижды: в роли женщины, укрывающей дочерей в левом нижнем углу картины; матери, с младенцем на руках и девушки с кувшином над головой, стоящей рядом с самим художником.
Карла Брюллова графиня называла «своим драгоценным Бришкой», которого так любила и которым восхищалась, как одним из величайших когда-либо существовавших гениев. Они расстались в 1845 г. После того художник прожил 7 лет. Графиня Самойлова еще дважды выходила замуж, денег она считать не привыкла и со временем от ее некогда огромного состояния почти ничего не осталось. Юлия Павловна Самойлова пережила Брюллова почти на четверть века, а незадолго до своей смерти в 1872 г вынуждена была продать его картины, которые хранила , как реликвию.
И прежде чем объявить победителя хочу прочитать стихотворение Всеволода Александровича Рождественского, которое напомнила нам Наталья Килина:
ВСАДНИЦА
Ловя восторженные взгляды,
Вуаль небрежно отклоня,
Она, царица кавалькады,
Уздою вздернула коня.
И вот строптиво и сердито
В сверканье бляшек и колец
Взметнул точеные копыта
Гнедой атласный жеребец.
Он весь – строфа стихотворенья,
Дань романтической мечты,
Сдержал порыв и нетерпенье,
Смиренный властью красоты.
Великий праздник светотени –
Брюлловской кисти полотно,
В нем все условно, как на сцене,
И тайной прелести полно.
Не все ль равно, кто был моделью
Для амазонки прежних лет,
Кому польстил, с какою целью
Волшебно созданный портрет.
Пусть переливчато струится
Отважной всадницы атлас,
А эта юность вечно длится
И веет свежестью на нас!
А победителем мы выбрали Надежду Афанасьеву (она прислала свой ответ, а потом не выдержала, и прислала еще подробный рассказ о графине Самойловой, который мы также использовали в рассказе).
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Пятница, 01 Декабря 2023, 23:19 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Пятница, 01 Декабря 2023, 23:17 | Сообщение # 6218 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| ну и P.S. от Натальи Шакиной:
PS. Позволю себе изложить далее некоторую информацию, которую мне удалось найти о судьбе юных героинь картины.
У Брюллова есть еще два изображения юной Джованнины:
 
Портрет Джованнины Пачини, 1831 Портрет графини Ю. П. Самойловой с воспитанницей Джованниной Пачини и арапчонком, 1834.
В одной итальянской публикации есть ссылка на заверенную неаполитанским нотариусом дарственную, по которой дом Самойловой в Милане должен был перейти после её смерти «сироте Джованнине Кармине Бертолотти, дочери покойного дона Джероламо и госпожи Клементины Перри», которую русская графиня «взяла к себе».
Исходя из того, что девичья фамилия матери сироты та же, что и второго мужа Самойловой — оперного певца Перри, было высказано предположение, что Джованнина была его племянницей.
Когда Джованнина выходила замуж за австрийского офицера, капитана гусарского полка Людвига Ашбаха, Самойлова обещала выделить ей сверх дорогого свадебного наряда и набора личных вещей приданое в сумме 250 тыс. лир под гарантию миланского дома. Согласно нотариального акта, он должен был перейти в её собственность после смерти дарительницы, но который так ей и не достался.
Да и с получением денег возникли трудности. Джованнине пришлось искать адвоката для достижения «соглашения с мамой» о переводе обещанной суммы в Прагу, куда она переехала со своим гусаром. Злого умысла со стороны Самойловой в этом быть не могло. Даже недоброжелательно настроенные к графине за проавстрийские симпатии итальянские авторы признавали за ней необыкновенную щедрость. Но при её широком образе жизни она часто испытывала недостаток в наличных средствах, которые поступали из многочисленных поместий в России.
Что касается Амацилии, то она родилась в 1828 году. Ее появление на свет стоило жизни её матери. Пачини в упоминавшейся автобиографической книге «Мои артистические воспоминания» писал: «В то время… меня постигло большое несчастье — через три дня после родов умерла моя ангельская жена». Когда Самойлова взяла Амацилию на воспитание точно неизвестно, но, судя по картине «Всадница», написанной в 1832 году, уже четырехлетней она жила у нее.
Затем Брюллов написал девочку в одиннадцатилетнем возрасте на портрете «Портрет графини Ю. П. Самойловой, удаляющейся с бала…».
Портрет графини Юлии Павловны Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью АмацилиейПачини, 1842
Тогда Амацилия написала отцу из Петербурга: «Если бы, дорогой папа, ты видел этот город, как он красив! Все эти улицы такие чистые, что ходить по ним настоящее удовольствие. Мама всё время возит меня смотреть окрестности. О театрах ничего не могу тебе сказать, потому что они закрыты из-за смерти короля Пруссии, но скоро они снова откроются, и тогда я сообщу подробности…».
В 1845 году, в возрасте 17 лет, Амацилия вышла замуж за некоего Акилле Манара. Поначалу семейное счастье Амацилии было полным, но со временем супруги разъехались. В письмах отцу она горько жаловалась на одиночество, на то, что у неё нет детей.
В 1861 году её муж умер, оставив вдову без средств, поскольку, как она писала, покойный «тратил и тратил». Один французский мемуарист вспоминал, как в Париже в годы империи Наполеона III графиня Самойлова, по третьему мужу графиня де Морнэ, старалась «запустить в свет хорошенькую госпожу Манара».
Амацилия вторично вышла замуж за французского генерала де ла РошБуетт. Но затем, оставшись снова вдовой, ей пришлось вернуться в Милан, где она и провела последние годы жизни в доме для престарелых при монастыре.
По иронии судьбы приют находился неподалеку от бывшего дома Самойловой, который графиня когда-то обещала завещать не только Джованнине, но и Амацилии. Умерла Амацилия в очень преклонном возрасте незадолго до начала первой мировой войны.
PPS.
Еще одна история, связанная с тем, за кого принимали прекрасную «Всадницу».
В 1975 году знаменитый оперный театр «Ла Скала» выпустил книгу, которая посвящалась выдающимся певцам, чьи голоса звучали с его сцены. Картину «Всадница» в этом издании представили как «Романтический портрет Малибран» из Театрального музея «Ла Скала».
Марию ФелиситуМалибран-Гарсия, сестру Полины Виардо, называют одной из самых ярких легенд в истории оперного искусства. Певица владела дивным голосом, обладала горячим темпераментом и имела великий дар актёрского перевоплощения. Кроме того, у неё была внешность, соответствовавшая романтическому канону. Стройная фигура, бледное лицо, иссиня-черные волосы и большие сверкающие глаза. Ею восхищались Россини, Доницетти, Беллини, Шопен, Мендельсон, Лист, Готье, Брюллов, посвящали стихи Мюссе и Ламартин. И это именно её образ вошёл в роман Жорж Санд «Консуэло».
Страстная любительница верховой езды, Мария Малибран скончалась от ушибов, полученных при падении с лошади. Ей было всего двадцать восемь лет. Безвременная кончина закрепила родившуюся ещё при жизни певицы легенду: один миланский адвокат, подаривший Театральному музею «Ла Скала» гравюру с картины «Всадница», посчитал, что на ней изображена Мария Малибран.
Директор Театрального музея профессор ДжанпьероТинтори напрочь опроверг это предположение после посещения Третьяковской галереи. Он, в частности, сказал: «…светловолосая всадница (в жизни Джованнина была рыженькой) не может изображать жгучую брюнетку Малибран. Я говорил об этом тем, кто подбирал иллюстрации для книги, но они лишь добавили к слову «портрет» эпитет «романтический», то есть представили картину как некую фантазию на тему увлечения певицы верховой ездой».
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Пятница, 01 Декабря 2023, 23:47 | Сообщение # 6219 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №10
102 Мушкетеры
Какой рукой дАртаньян нажимает на курок мушкета? И…. что-то тут не то?...
Ооооооо! Знатоков военного дела среди вышивальщиц оказалось еще меньше, чем технарей :))) .. не порядок… надо как-то привлекать товарищей к вышивальному делу! :))
Но ответы, хоть редкие, зато опять меткие! Так много полезной и интересной информации!
О ХУДОЖНИКЕ:
...Странно, но не сохранилось ни одного портрета или фотографии Лесреля.
Адольф Александр Лесрель (1839-1929)90л 19-20в - выдающийся французский живописец, один из главных представителей историзма в живописи.
Адольф-Александр Лесрель родился 19 мая 1839 года в небольшой деревушке Жене вблизи от таинственного романтического острова-аббатства Мон-Сент-Мишель.
Может быть поэтому, будучи сыном землевладельцев, Лесрель с ранних лет он мечтал о творческой карьере.В возрасте 22 лет Адольф-Александр поступает в Школу изящных искусств в Париже. Он хотел стать историком, пишущим сцены из Древней Греции и Рима, но в процессе обучения он открывает для себя жанрово-историческое направление. С этим связана и художественная манера Лесреля: тщательно прописанные детали картины, бытовые сюжеты, богатая и насыщенная цветовая гамма. Лесрель разработал стиль, который сочетает в себе внимание к деталям с блестящей техникой и чувством цвета.Именно историческая тема принесла ему признание и экономическую безопасность на долгие годы.
В картине Лесреля«Флирт на городской площади», написанной в 1873 году, сюжет романтической встречи рыжеволосой девушки и лихого молодого трубадура. Возможно, картина отражает и личную жизнь художника в этот период. В 1872 г. он женился на Жозефине Летанг, которая была одной из его натурщиц. Молодожены поселились в Париже, у них родились две дочери - Марта-Тереза (будущая мадам Хюзе (Heuzé)) и Жанна (будущая мадам Фонтэн (Fontaine), которые иногда позировали для картин своего отца.
«Флирт на городской площади», А.-А. Лесрель, 1873
На протяжении всей своей карьеры Лесрель выставлял одну-две картины в ежегодном Салоне, а в 1885 г. стал членом Общества французских художников. Его работыполучали благожелательные отзывы критиков и количество заказов художнику увеличилось. 1890 году Лесрель становится Членом-корреспондентом Национального общества изящных искусств.
В этот периодЛесрель стал уделять больше внимания историческим жанровым картинам, в первую очередь сценам времен короля Людовика XIII (1601-1643) - блистательному XVII веку. Его картины — это романтические жанровые сцены, относящиеся к светской жизни XVII столетия. Костюмы, платья, предметы искусства, мебель были подробно изучены художником, чтобы в дальнейшем отобразить их с исторической точностью. Сложные многофигурные композиции и бытовые детали картин художника прописаны так тщательно и подробно, что возникает чувство личного присутствия и участия в изображаемых художником событиях.В отличие от средневековых полотен прежних времен, Лесрель изображал утонченных джентльменов, занятых интеллектуальными занятиями, такими как коллекционирование произведений искусства, архитектурное проектирование, шахматная игра, музыкальные вечера и употребление изысканных вин. Женщин на этих картинах очень мало, а обстановка почти всегда представляет собой некий домашний интерьер.
Картины Лесреля создают не столько образ «мушкетера», сколько образ щеголеватого, городского мужчины, хорошо образованного, культурно искушенного и безупречно одетого.Несмотря на то, что в этих полотнах часто присутствует сдержанный юмор, они, по-видимому, пришлись по душе коллекционерам, которые считали себя современными аналогами тех, кто изображен на картинах XVII века. Работы Лесреля находили радушную аудиторию как в Лондоне, так и в США.
В 1907 г. Лесрель покинул Париж и вернулся в свой родной городок Жене. Ему было уже 68 лет, и он просто надеялся на спокойную жизнь у моря. Эта мирная жизнь была нарушена семь лет спустя началом Первой мировой войны в 1914 году. Хотя Жене расположен далеко к западу от мест боевых действий, был неспокойный периоддля человека, которому было уже за семьдесят.Известно, что в последние годы своей жизни художник много болел и мало писал.
Лесрель пережил ужасы Первой мировой войны, скончался он в родном Жене 25 февраля 1929 г., за два месяца до своего 90-летия. Там же его и похоронили.
****************************************************************************************************************************************************
... У нас в этот раз также два победителя. И пусть они сами скажут, каким трудом им даются победы:
Наталья Шакина: «Увидев, по какой картине вопрос задан в этот раз, я подумала: «Ну, вот, про это я вообще ничего не знаю; книгу Дюма не читала, хотя советский музыкальный фильм с М. Боярским, конечно, смотрела… Что я смогу ответить? Просто попробовать поиграть в “угадайку”? Да и вообще: какие же это мушкетёры?! Разве мушкетёры – такие?! Где же их синие плащи с крестами, как в фильме? Где шпаги? Это какие-то богатые французские дворяне за столом…» Но всё же решила поискать информацию про художника и про тему картины и… как всегда, увлеклась! Для того чтобы подготовить короткие ответы на «военные вопросы» (в которых я не сильна), нужно было изучить очень много информации, помощь в поиске которой мне оказали даже мои родственники, которым тоже стало интересно»
Наталья Килина:Во-первых, хочется сказать «Браво» за такие замечательные вопросы викторины. На самом деле, отвечая на них, стараешься найти и изучить информацию из разных источников настолько досконально, насколько это возможно. Еще чуть-чуть и вышивальщицы будут разбираться не только в каунте канвы, иглах, пяльцах, рамах, станках, в видах стежков и техниках вышивания, но и во многом другом, что напрямую не касается столь мирного хобби. Мы уже приобрели знания о голландской архитектуре, о животных, о механизмах и устройстве мельниц и т.д. А знакомство с художниками, с их историей жизни и творчества по-новому открывает восприятие их полотен. Теперь же добрались до военного ремесла, да еще и XVII века. Интересно, что же еще будет дальше?
Ну и прежде чем перейти к ответам –стихотвтрение от Натальи Килиной, которое она нашла в интернете, автор Верлухин. Имя, увы, не указано.
Песенка мушкетеров.
Неважно когда, при каком короле
Живешь ты. Лишь жил бы по чести.
Неважно какое вино на столе,
Коль пьешь ты его с другом вместе.
Неважен покрой и рисунок плаща,
Когда перед схваткой он сброшен.
И если мы выход нашли сообща -
Неважно кем был он предложен.
Неважно, что женщин непросто любить.
Люби - и любим будешь вечно.
Неважно, что трудно без денег прожить.
Потрать их легко и беспечно.
Неважно, что чаще ночуешь в стогу,
Чем дома на мягкой перине.
Дремать на скаку и жевать на бегу
К лицу молодому мужчине.
Неважно, что враг превосходит числом -
Ведь друг твой сражается рядом.
Неважно, что шрамы своим ремеслом
Нам проще добыть, чем награды.
Неважно, что вечно мундир твой в пыли -
Лишь не заржавела бы шпага.
Неважно, что славу пожнут короли -
С тобой остается отвага.
А важно другое, поверьте, месье,
Поверьте, мадам, бросьте споры.
Назло кардиналам всегда и везде
На свете живут мушкетеры.
Ответы Натальи Килиной:
Вопрос: Какой рукой д'Артаньян нажимает на курок мушкета?
Попробуем порассуждать. На картине «Мушкетеры» мы наблюдаем динамичную сцену:
д'Артаньян рассказывает что-то интересное своим сотоварищам, а они очень внимательно его слушают. При этом рассказ сопровождается жестикуляцией. Активно задействована правая рука, а это значит, что именно она является его рабочей рукой. Стоит обратить внимание, что перевязь с мешочками с порохом перекинута через левое плечо. При перезарядке мушкета д'Артаньян будет держать его в левой руке, а с помощью правой руки засыпать порох через дуло. Остальные манипуляции деревянным или железным шомполом также будут выполняться правой рукой.
Мушкет тяжелое (8- 10 кг) и длинное (до 1400 мм) стрелковое оружие. Значит при стрельбе д'Артаньян будет использовать специальную сошку — одноупорную металлическую или деревянную подставку с развилкой наверху. Это приспособление, придающее устойчивое положение мушкету при стрельбе. Так вот, левой рукой он будет держать сошку, а в правой — мушкет. Поскольку при стрельбе из мушкета (как, впрочем, и из любого другого оружия, имеющего приклад) будет очень сильная отдача, то его необходимо прижимать как можно плотнее к плечу. В данном случае именно к правому. Чтобы не получить травму и для смягчения отдачи при стрельбе имелась специальная подушка для плеча, которую мушкетер оденет на правое плечо, и в нее будет упираться приклад мушкета. Учитывая вышеизложенное, делаем вывод что д'Артаньян именно правой рукой нажимает на курок мушкета.
Кстати, Атос и Арамис- левши — кубок вина и трубку они держат в левой руке, а перевязь проходит через правое плечо.
Вопрос: И... что-то тут не то...?
Если считать, что наши мушкетеры собираются воевать, то, конечно же, многие детали могут смущать при взгляде на картину.
1. Первое, что бросается в глаза - это отсутствие казакинов у всех мушкетеров, кроме д'Артаньяна (правда казакин у него почему-то красного цвета. Красный цвет присущ гвардейцам кардинала). У мушкетеров была собственная форма или точнее элемент формы, знаменитый лазоревый (расцветка меняется от голубого до фиолетового) плащ с крестом. Казакин (плащ) не только обозначал принадлежность к подразделению, но и должен был скрывать кирасу, которую надевать мушкетеры не любили даже в бою, а также прятать повседневную одежду. Это была единственная часть экипировки, которую мушкетеру предоставляло государство (ну и, конечно, мушкет).
2. Смущает отсутствие шпаг. Шпага была обычным холодным оружием, которое использовалось в пешем бою. В конном бою использовался палаш. Вообще все вооружение мушкетера состояло из: мушкета, шпаги и палаша, даги (кинжал с трехгранным лезвием, который использовался как вспомогательное оружие для левой руки) и пары пистолетов. Из всего выше перечисленного мы видим на картине только мушкет и все, что необходимо для стрельбы из него (хотя сошка тоже отсутствует).
3. На картине также не изображены перчатки, которые изготовлялись из замши. Мушкетер их носил практически постоянно, не снимая их ни в бою, ни в строю, ни во время несения караула во дворце.
4. Что касается головного убора, мы привыкли видеть широкополые шляпы, украшенные большим пером или плюмажами белого цвета. А на картине явно заметно их отсутствие на шляпах. Это довольно непривычно. Шляпа мушкетера изготавливалась из фетра. Внутри она имела металлическую чашку, которая не только придавала форму, но и служила защитой для головы по типу каски в боевых условиях. Видимо поэтому мушкетеры не любили кирасы, считая, что шляпа может их защитить. Также, как и перчатки, мушкетеры не снимали шляпы ни в помещении, ни за столом, ни в бою. Была единственная причина, по которой мушкетер мог снять шляпу, это присутствие дамы.
5. У всех героев на картине довольно короткие стрижки. Длинные волосы были не ради красоты и не являлись только данью моде. В волосы вплетались ремешки из сыромятной кожи. Наряду с широкополыми шляпами и широкими воротничками это служило в первую очередь для того, чтобы защитить шею от рубящего удара шпаги или сабли неприятеля.
Ответы Натальи Шакиной:
В оригинале картина называется Musketeer'sTale («Рассказ мушкетера»), она написана в 1897 году.
Первая часть вопроса: «Какой рукой Д’Артаньян нажимает на курок мушкета?»
Мой ответ:Мушкетер на этой картине А.-А. Лесреля, которого Вы назвали условно «Д’Артаньяном», будет нажимать на курок мушкета правой рукой. Такой вывод я делаю и-за того, что перевязь у него надета через левое плечо. Тогда как у «Атоса» и «Арамиса» перевязи надеты через правое плечо, из чего я делаю заключение, что они оба левши; в подтверждение этой версии, на мой взгляд, говорит то, что Атос держит трубку левой рукой, а Арамис держит бокал левой рукой.
Вот как выглядел порядок действий при стрельбе из мушкета: мушкет в левой руке, правой рукой насыпать порох в ствол, умять шомполом, отправить туда же пулю, пыж и утрамбовать. Высыпать пороха на затравочную полку, вставить фитиль, взвести курок (ПРАВОЙ РУКОЙ, ЕСЛИ СТРЕЛОК ПРАВША) и установить заряженный мушкет на подставку.
 
На приведенных иллюстрациях видно, что и мушкетер, и русский стрелец из пищали (оружие, сходное по принципу действия с мушкетом) имеют перевязь с пороховыми футлярами через левое плечо, при этом приклад держат на правом плече и на курок нажимают правой рукой. Значит, так же действует и наш Д’Артаньян с картины Лесреля.
Вторая часть вопроса: «Что-то тут не то... Как вы думаете, они уже в полной амуниции и готовы воевать?»
Мой ответ: Нет, думаю, что мушкетеры пока не в полной амуниции и еще не готовы воевать. Дело в том, что на них не надеты отличительные голубые плащи, показывающие принадлежность к королевским мушкетерам. А также у них нет никакого холодного оружия: шпаг или другого необходимого оружия (только у Атоса видна рукоятка какого-то короткого меча (тут я немножко не е соглашусь: то, что Вы приняли за рукоятку меча – это носик пороховницы, сделанной из гнутого рога)
А вообще-то, рассматривая картины Леслера, мне кажется, что Адольф-Александр, при всей его скрупулезной точности в написании деталей, не так уж въедливо относился к изучению военной науки VII века, как это делаем сейчас мы с вами, и его не очень заботило, какой рукой мушкетер будет нажимать на курок, через какое плечо у него перевязь с патронами, почему он забыл шпагу и зачем надел ботфорты на музыкальный вечер… Так было красиво!
Два Сертификата разлетелись к двум Натальям!
 
 
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Суббота, 02 Декабря 2023, 00:40 | Сообщение # 6220 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| … и еще огромный том информации от Натальи об истории мушкетеров, их одежде, оружии, не особо богатой жизни, о первых русских «мушкетерах» и даже о… бутылках! Все это очень интересно, почитайте, если вам интересно, Знаем ли мы, Что вышиваем? :))
Благодаря замечательному писателю Александру Дюма, королевские мушкетёры Франции всемирно известны, но вместе с тем окутаны нескончаемым количеством штампов и мифов, происходящих из весьма неисторичных экранизаций, уже переваливших за сотню. Тем не менее, история рот королевских мушкетёров гораздо более интересна, чем любые телесериалы и полнометражные фильмы.
Оказывается, мушкетеров в армиях XVIIвека было немало; так назывались все солдаты, вооруженные мушкетами (об этом виде оружия чуть позже). Как отмечает французский историк Жан-КристианПтифис, «вооружённые мушкетами солдаты в XVI веке тоже именовались так». То есть, в общем и целом это род пехоты, вооружённый передовым в то время оружием — огнестрельным. Мушкетёры служили не только во французской армии. Вооружены были мушкетами армии на севере Индии, в мусульманском Сефемидском государстве и, конечно, во всех европейских странах. Как правило, в бою мушкетёры стреляли медленно, очень тщательно целясь, словно снайперы: одна пуля — один человек должен упасть замертво.А вот у королевских мушкетеров была своя узкая и очень почётная роль (я думаю, что на вышиваемой нами картине Лесреля изображены именно королевские мушкетеры).
История подразделений королевских мушкетеров началась задолго до XVII века и восходит ко временам описанным другим великим писателем Вальтером Скоттом в историческом романе «Квентин Дорвард». В 1445 году Карл VII обзавёлся личной охраной, состоявшей из сотни стрелков-шотландцев, личная охрана короля менялась со временем, и в 1593 году в составе охраны появилась рота лёгкой кавалерии (карабинеров). Французский король Людовик XIII имел все основания беспокоиться за свою жизнь при дальних выездах. На королевский трон во Франции постоянно поглядывали разного рода герцоги — они ведь тоже были королевской крови. Людовик хотел быть уверенным, что выезд из дворца не обернётся несчастным случаем на охоте, когда сразу несколько охотников разрядили карабины в короля. И вот Людовик XIII, любивший военное дело, в 1622 году перевооружил отряд карабинеров мушкетами, и он стал ротой конных мушкетёров, выделившейся с 1629 года в самостоятельное подразделение. Этот год можно считать годом образования роты королевских мушкетёров, знакомых всем по книгам и фильмам.
Памятник Д’Артаньяну в Париже
Вот, что писал один из первых мушкетеров г-н де Пюисегюр о формировании роты: «..Его Величество перевел меня в мушкетеры по той причине, что я смелый воин, известный славными свершениями. Он пожелал сформировать роту из одних лишь дворянских представителей, лично отобранных из гвардии. Также в роту войдут отдельные солдаты, дослужившихся до офицерови имеющих большой опыт за спиной...».
По сути своей королевские мушкетёры в начале являлись внешней охраной дворца и обязаны были сопровождать монарха в любых поездках вне дворца. Эта служба требовала не только мгновенно вставать на защиту своего короля, но и соблюдать определённый протокол. А всё потому, что мушкетёры входили в ближний королевский круг. Так что нет ничего удивительного в том, что королевские мушкетеры ходили в Лувр, словно к себе домой. Там, по сути, и был их второй дом.
Поэтому вполне вероятно, прибавлю я от себя, что герои нашей картины находятся в одной из комнат Лувра, а здание, которое видно из окна, это просто другое крыло королевского дворца (это, конечно, просто мое допущение). Хотя с другой стороны не исключено, что наши мушкетеры находятся в одном из двух мушкетёрских отелей При каждом таком «отеле» были, кроме конюшен, еще и площадки для конных занятий и для парадов. Так что, кроме охраны королевского двора теперь мушкетеры ежедневно должны были выделять наряд из четырех солдат под командой сержанта для охраны «отеля» и конюшни.
По статусу королевские мушкетеры находились ниже личной охраны короля, однако набирались исключительно из гвардейских частей, куда попадали только беспорочные дворяне с 200-летней историей рода. Переход в мушкетёры считался значительным повышением.От них требовалась идеальная физическая форма и бесконечная преданность королю.Королевские мушкетёры должны были метко стрелять, отлично фехтовать и быть абсолютно бесстрашными.Именно по этим критериям в королевские мушкетёры отбирали, во-первых, очень молодых дворян, во-вторых, из очень хороших, зарекомендовавших себя как всегда хранивших свою честь и преданностью королю семей, в-третьих, лучше с окраин — амбициозность и отсутствие связей со знатью центральной Франции были лучшей рекомендацией того, что мушкетёры на службе будут из кожи вон лезть. Именно потому и де Тревиль, и Д’Артаньян, и как минимум два из трёх мушкетёров известного романа А. Дюма — гасконцы, по нашим меркам это, как если бы покорять столицу времён Российской империи приехали уроженцы, например, казачьей Кубани или грузинские князья.
Те из королевских мушкетеров, кто не находились на полях сражений, несли службу во дворце — даже в случае войны при короле оставалось по 100 мушкетёров от каждой роты. Они несли караул, охраняли знамёна и дежурили в королевских конюшнях.За верную службу король платил своим мушкетёрам жалование, но более чем скромное. Рядовой получал, к примеру, порядка 300 ливров в год, примерно столько же, сколько зарабатывал обычный извозчик.
Как понятно из названия, мушкетёр должен был пользоваться, прежде всего, мушкетом, то есть дульнозарядным длинноствольным стрелковым оружием, это единственное из вооружения, что давалось королём, остальное вооружение и снаряжение, коня и слугу (также обязательного для военных нужд)мушкетёр должен был приобретать сам (по другим источникам плащ мушкетера также выдавался). Недаром в 1740 году командование рекомендовало кандидатам в мушкетеры иметь личный годовой доход не менее 1500 фунтов, да еще быть готовыми изначально потратить такую же сумму на приобретение всего необходимого при поступлении в роту. Заявки на прием в мушкетеры кандидатур, неспособных на такие траты, даже не рассматривались.
Мушкет - тяжёлое (до 9 кг) и длинное (до 1400 мм) стрелковое оружие. Этот громоздкий предшественник винтовки приводился в действие кремневым замком или, как пушка, зажженным фитилем. В обоих случаях стрельба была делом сложным: дуло мушкета требовалось устанавливать на специальную сошку (подставку в виде рогатины), что позволяло хоть как-то прицелиться. Приклад мушкета располагался на специальной подушечке на плече. Не в последнюю очередь именно из-за этого каждого мушкетера должен был сопровождать слуга, который носил подставку, запас пороха и всевозможные приспособления для чистки капризного оружия. О кучности и точности боя говорить не приходится, они компенсировались залповым огнём и калибром – на расстоянии 200 м мушкетная пуля пробивала кирасу (нательное защитное снаряжение, закрывавшее грудь и спину воина); индивидуальную цель можно было поражать на расстоянии до 50 м.
Замки на мушкете были, как правило, фитильными; мушкетёр имел перевязь с дюжиной пенальчиков (футляров)с деревянными пробками (у наших стрельцовподобную перевязь называли берендейкой), причем один из пенальчиков обязательно использовали в качестве пороховницы-натруски – для досыпания пороха на ружейную полку и передачи огня заряду, а в остальных хранились сами пороховые заряды на один выстрел («огненное зелье»).Также к перевязи подвешивался мешок с пулями и фитиль. Пенальчики изготовлялись из металла, кости или дерева и хорошо оберегали порох от сырости. Так что при некоторых маневрах нещадно гремели, демаскируя бойца. И, чтобы избежать таких неприятностей, их обшивали кожей или прятали в особые мешочки из плотного сукна.
Перезарядка мушкета требовала несколько минут, поэтому мушкетёры, как правило, больше использовали холодное оружие, а королевские мушкетёры и вовсе считались посредственными снайперами. Также мушкетеры могли иметь и пару седельных пистолетов. Со временем мушкет превратился в парадное оружие, а мушкетёры чаще пользовались ружьём, приобретаемым, естественно, из собственных средств.
Королевский мушкетёр образца 1630 года. Знаменитый плащ, под которым проглядывает камзол с баской. Широкие штаны с пуговицами скреплены с чулками лентами.
Уже упоминалось, что в ближнем бою мушкет был бесполезен, поэтому основной наступательно-оборонительный комплекс мушкетёра составляло холодное оружие. Мушкетёр было вооружён обычной для того времени боевой шпагой, являющей собой тонкий меч, длиной около 1000 мм или чуть длиннее и весом от 1 до 1,5 кг. Шпагой и предпочитали действовать, ибо с ней можно было доказать свою настоящую храбрость; со шпагой мушкетёры героически врывались на бастионы, внушая законный трепет врагу. Фехтованию и конной езде обучали как родственники, так в полках, а также в многочисленных законных и незаконных школах и блистательных академиях, как например в академии Плювинеля. Шпага с «мушкетёрским» крестом и некоторые парадные экземпляры появились на закате рот мушкетёров. Реже в конном строю мушкетёры использовали кавалерийский палаш.
Боевая мушкетёрская шпага и дага
Обязательно во времена своего образования и расцвета мушкетёры носили с собой дагу – длинный кинжал, его держали в левой руке и на неё в основном принимали удар шпаги. Как правило, про дагу забывают даже в очень грамотных современных реконструкциях и не изображают её на иллюстрациях как вооружение мушкетёра, вместе с тем, дага весьма характерное оружие для мушкетёра. Дага является отголоском как раз боя на мечах, когда как такового фехтования не было, мечи между собой не соприкасались, а удар меча принимали на щит (в основном из-за боязни повредить дорогой и хрупкий клинок). В какой-то мере, дага является развитием щита или кулачного щита и латной перчатки, также дага использовалась как самостоятельное оружие в ближнем бою, особенно при рукопашной схватке.
Мало когда упоминают, что вооружение мушкетёров дополнял еще ибагинет (или байонет), то есть штык. Багинет появился в 1647 году и изначально вставлялся в ствол мушкета, позволяя хоть как-то противостоять коннице и пикинёрам, хотя большой популярностью в войсках не пользовался, предпочтение отдавалось шпаге и палашу.
Мушкетёры: 1. Барабанщик и гобоист, 1622 г. 2. Мушкетёр короля и гвардеец кардинала, 1646 г. 3. Гобоист, 1660 г. 5. Униформа мушкетёров 1-й роты в 1676 г. 6. Униформа мушкетёров 1-й роты в 1685 г. 10. Кираса, XVIII век.
Жизнь мушкетеров была нелегка. Получали они немного, как я уже упоминала, к тому же гвардейский этикет предписывал транжирить жалованье в кабаках. Денег у короля вечно не хватало, и его охранники на свои деньги покупали обмундирование, включая знаменитые плащи и шляпы с перьями. Требовалось одеваться как можно моднее, чтобы не отстать от ненавистных соперников — гвардейцев кардинала.
У мушкетёров короля была самая красивая во Франции форма — по желанию самого короля. Ну, вернее, элемент формы, - знаменитый лазоревый плащ с крестом. Этот короткий плащ назывался казакин и по сути являлся гербовой коттой , как у крестоносцев, показывающий принадлежность к тому или иному сюзерену или ордену. Прошедшие годы и скудость данных, а главное, полное отсутствие настоящих сохранившихся плащей предоставляют широкие возможности для художников вообще (и их коллег по костюмам, в частности) пофантазировать на данную тему.
Например, основной цвет плаща мушкетера. А ведь он варьируется от голубого к синему и далее аж до фиолетового! По описанию Филиппа де Виллье от 1657 года, «каждый мушкетер получал… синий плащ с серебряной или золотой окантовкой» (а вышивальщицы знают сколько существует оттенков синего )
Мушкетёрский плащ обшивался по краям серебряными галунами; спереди, сзади и по бокам плаща находились бархатные белые (или серебряные) кресты, нижняя часть которых была удлинена, с королевскими золотистыми лилиями на концах. У первой роты королевских мушкетеров в углах креста имелись четыре алых трилистника (иногда их называют языки пламени), у второй роты - серебряных. Все, хоть и не многочисленные источники свидетельствуют о том, что плащи XVII века доходили мушкетеру до бедер. Из свисающих боковин при необходимости посредством 150 пуговиц можно было сделать длинные рукава.Главное, что плащ должен был обозначать - принадлежность к подразделению, а также скрывать кирасу, которую надевать мушкетеры не любили даже в бою, и прятать повседневную одежду. Плащ мушкетера был первым введенным в армии предметом одежды, к которому подходили с точки зрения красоты и эстетики. Он задал определенную моду, открыл целое направление, оказав влияние на развитие военного обмундирования не только Франции, но и всей Европы.
Вот именно этих-то плащей и не хватает нашим мушкетерам на картине Лесреля!
Различались две мушкетерские роты также мастью коней: первая - серая - рота имела белых коней или серых в яблоках, вторая - чёрная рота - коней вороной масти. кстати, у первых двух рот различались эфесы – первая носила позолоту, а для второй главным металлом в декоре являлось серебро.В более поздние времена был введён красный мундир, где серые мушкетёры имели золотой галун по обшлагам, на шляпе, на полах камзола и по низу пистолетной седельной кобуры; чёрные мушкетёры второй роты соответственно имели серебряный галун. Ботфорты полагались чёрной кожи, шляпа чёрная с белыми перьями, лазоревые плащи-казакины были заменены в 1688 году на лазоревые супервесты (безрукавки).
Штандарты полка королевских мушкетеров. 1745 г.
Эфесы шпаг 1-й и 2-й рот королевских мушкетеров. 1762 г.
Пока не была введена жёсткая форма, под плащом-казакином мушкетёр носил любую одежду доступную ему по средствам (кстати, на нашей картине видно, что мушкетеры одеты довольно богато). Золотого шитья перевязи, лильские, миланские, брабантские и брюссельские кружева обильно украшали одежду мушкетёров. Также неизменным атрибутом мушкетёров была широкополая фетровая шляпа со страусовыми перьями и металлической чашкой внутри, она как придавала форму, так и носила чисто утилитарное назначение защиты головы по типу каски в боевых условиях. Шляпу не снимали ни в помещении, ни за столом, кроме случая приветствия дамы, перчатки тоже, как правило, не снимались ни за столом, ни в бою. Ну и на ногах мушкетеры носили туфли только во времена мира – на войне их заменяли ботфортами, поскольку те хорошо предохраняли ноги при передвижении верхом, причем даже длительных – за счет жесткой конструкции и надежной фиксации голеностопа.Ботфорты имели мощный высокий каблук. В моде были квадратные носы, а раструбы голенищ украшали кружевами, опять же по достатку владельца.Шпоры мушкетер носил, даже не имея лошади; как правило, их не снимали в помещении, а только загибали кверху, чтобы не испортить подолы дамских платьев.
 
Лишенные указом ЛюдовикаXIV возможности участвовать в дуэлях, мушкетеры 1-й и 2-й рот нашли другой способ «меряться размерами»: они развернули негласное соревнование между ротами по показу наивысшей роскоши. Это своеобразная «война кружев» не прекращалась даже во время военных походов! В стремлении утвердиться в качестве «самых крутых» мушкетеры тратили на украшательство своей формы бешеные деньги, совершенно несравнимые с получаемым ими жалованьем. Поэтому многие мушкетёры залезали в непомерные долги, только бы не ударить в грязь лицом.
Я уже несколько раз упоминала, что было две роты королевских мушкетёров; чёрные мушкетёры появились гораздо позже. Вначале была сотня рядовых мушкетёров первой, вернее, тогда единственной роты, сам король с 1634 года был капитаном, ещё было два лейтенанта и четыре корнета. Первым командиром роты был капитан Жан де Берар, шевалье, маркиз де Монтале, а далее фактическим командиром, носившим звание капитан-лейтенанта был Жан-Арман де Пейре, с 1643 года граф де Труавиль, более известный как де Тревиль (вспомним Дюма!). С 1646 года по 1657 год рота была распущена кардиналом Мазарини, но была восстановлена королём и её лейтенантом, а затем капитан-лейтенантом становится Шарль де Бац де Кастельмор, более известный как граф Д’Артаньян (внимание: историческая личность, а не литературный герой!). Он расширяет роту со ста двадцати до двухсот пятидесяти человек, иногда штатный состав доходит до трёхсот тридцати человек. Ранее мушкетёры квартировали, где придётся, сейчас создаётся «Дом мушкетёров», их первая казарма (об этом я уже писала выше).
Формируется вторая рота мушкетёров, некоторое время даже считавшаяся более престижной, чем первая, рядовые служили шесть месяцев в году, офицеры - четыре, капитан-лейтенант - три, произвольно распределяя время службы, но все были обязаны быть во время войны на театре военных действий. К концу царствования Людовика XIV каждая рота имела по штату двести пятьдесят рядовых и стала нести службу во внутренних покоях дворца, будучи уже личной охраной.
В 1746 году королевские мушкетёры в последний раз участвовали в битве при Фонтенуа и были распущены 15 декабря 1775 года из-за финансовых трудностей королевства. Попытки возродить роты мушкетёров успехом не увенчались, 1 января 1816 г. королевские мушкетёры были ликвидированы окончательно.
 
Мушкетёры первой и второй роты, 1740 год
Мушкетёры прославились не только битвами, но и зачастую участвовали в политических арестах и репрессиях, подавлении крестьянских восстаний, популярных, невзирая на запрещающие эдикты дуэлях, аферах, интригах, дебошах и непристойном поведении.
Настоящий Д’Артаньян, в частности, хотя и сделал блестящую военную карьеру, проявив себя отчаянным храбрецом, став «полевым маршалом» (генерал-майором), однако в основном занимался поручениями кардиналов, политическими интригами и арестами, знаменит, например незаконным и необоснованным арестом министра финансов Николя Фуке.Дуэли были популярны как во Франции, так в среде мушкетёров, причём о соблюдении каких-либо правил дуэльного кодекса, речи не шло – противников калечили намерено, использовали засады, добивали, применяли огнестрельное оружие против холодного.
Стоит ли говорить, что при довольно скромном содержании, питались мушкетёры «гасконской кухней», а это: сыр, хлеб, яичница и много кислого бургундского вина. Так что неудивительно, что в те времена во Франции было популярно выражение: «пить как мушкетер», означавшее «пить много и со знанием дела и только самые лучшие вина»...Поэтому повсеместные пьяные драки и дебоши мушкетёров были широко известны, даже приключались настоящие уличные сражения с десятками убитых и раненых. Это происходило при распивочных, коих было очень много. Мушкетёрские роты пополнялись провинциальными юношами, быстро впитывающими дурные наклонности и, невзирая на старания отцов-командиров образовать их и обучить манерам, моральный облик мушкетёров оставлял желать лучшего, их считали совершенно неуправляемыми.
Ну, думаю, что наши благородные мушкетёры – не такие!
PS. А теперь, как всегда, немного дополнительной информации, о чем Вы не спрашивали Но, возможно, это будет Вам также интересно, как было и мне. И еще мой риторический вопрос о том, что такое стоит у наших мушкетёров на столе, причем не только на этой вышиваемой нами картине, но и на других картинах Лесреля?
Сначала пару слов о вине и винных бутылках. Сюжеты многих картин А.-А. Лесреля посвящены, как мы уже знаем, XVII веку. А в этом веке во Франции вино очень редко пили из бутылок. Итальянские бутылки были очень хрупкими и требовали дополнительной оплетки из прутьев (вот, кстати, одну из таких бутылок мы наблюдаем на нашей картине), а более прочные бутылки научились делать промышленным способом в Англии в 1640 г.
Определить дату изготовления бутылки можно по форме:
В XVII в. стекольные мастерские располагались в лесах, т. к. дерево служило основным топливом при производстве стекла. До XVII в. разогреть кварцевый песок до нужной температуры при тогдашнем уровне техники не удавалось. Поэтому старинные изделия из стекла мутноваты и содержат маленькие пузырьки. И только в XVII в. мастера научились производить полностью прозрачное стекло. Кстати, в XVII в. пить вино из бокала – такой же знак социального отличия, как сейчас – дорогие часы. Голландский художник и теоретик искусства Жерар Лересс(1640- 1711) писал, что «художник должен изучать изящество, вращаясь среди социальной и интеллектуальной элиты, чтобы то, что он изображает, передавало высшие моральные принципы и идеальную красоту». В своем руководстве по рисованию он, в том числе, уделил внимание тому, как утонченный человек должен держать бокал: за основание, а не за ножку. Именно так держат свои бокалы знатные дамы на картинах Яна Вермеера. Обратите внимание на то, как держат бокалы персонажи многих картин Лесреля!
«Мушкетеры», А.-А. Лесрель, 1897 «Веселый мушкетёр», А.-А. Лесрель, 1907
 
«Перед дозором», А.-А. Лесрель, 1899 «Игра в карты»,А.-А. Лесрель, 1907
«Отдых после охоты», А.-А. Лесрель, 1890 (здесь бутылка более привычной нам формы)
Еще один важный для понимания картин Лесреля момент. В XVII в. ребенок считался маленьким взрослым. К примеру, зрелища вроде публичных казней или родов матери не считались чем-то, что детская психика вынести не может. То же самое касалось и вина: вино и пиво дети начинали употреблять очень рано, как правило, после 7 лет.
Есть такой исторический анекдот. Однажды восьмилетний Людовик XIII зашел вечером к своей сестре Елизавете и увидел, что ей наливают в кубок вино. Дофин возмутился: «Сестра, вы слишком молоды, чтобы пить вино; я пью его в этот час, но я на целый год старше!» и велел виночерпию более не подавать принцессе вина к ужину.
Кроме того, вино было основой многих гигиенических и медицинских препаратов того времени. Аристократы чистили зубы коралловым порошком или измельченными устричными раковинами, смешанными с белым вином. Поэтому дети, участвующие в распитии вина, на картинах XVII века - вполне закономерное явление.
Так вот, возвращаясь к Лесрелю, нужно отдать ему должное и еще раз отметить, что он воспроизводил в своих картинах все исторические подробности с большой тщательностью.
«Крещение Конде», А.-А. Лесрель, 1884
PPS 1
Но для меня осталось загадкой, что же за сосуд стоит на столах у кавалеров/мушкетёров помимо бутылок на многих картинах мастера? (см. предыдущие репродукции). Сосуд явно металлический, сложной формы (не гладкий), похож на высокий кубок, но с открывающейся, по всей видимости, крышкой, вот на этой картине это видно:
«Знаток», А.-А. Лесрель, 1914
Могу предположить, что это тоже мог быть сосуд для вина, поскольку стеклянных бутылок, как мы уже знаем, производилось недостаточно. На подсвечник тоже не особо похоже… А может, это могла быть и какая-то награда (приз, кубок), ведь одна из картин, где герой Лесреля держит такой сосуд, называется «Трофей»:
Посмотрите, какую картинку выбрало для обложки издательство «Азбука классики» для книги Александра Дюма «Двадцать лет спустя»в 2018 г.- это же знакомая нам картина «Рассказ мушкетёра», которую мы вышиваем!
PPS 3
В 1978 организатор сверхдальних пробегов француз Марк Буэ устроил необычную эстафету. Его бегуны преодолели расстояние от Парижа до Лондона по маршруту Д’Артаньяна, спешившего в Лондон за подвесками королевы. На всё про всё у участников пробега ушел 41 час, и в том же1978 на экраны нашей страны вышел фильм «Д’Артаньян и три мушкетёра» с Михаилом Боярским в главной роли. Марк Буэ, наверное, об этом не знал. А не то его бегуны, передавая эстафету, напевали бы песни из этого фильма, ну или хотя бы шептали судьбе: «Мерси боку»
PPS 4
В Восточной Европе аналогом мушкетёров в то время были русские стрельцы и украинские и русские казаки. Казаки одними из первых воинских формирований в мире были вооружены ружьями (еще в начале XVI века, благодаря их первым атаманам, в частности старосте Черкасскому, Евстафию Дашкевичу, потомку князей Глинских, Рюрика и Чингисхана), и к XVII веку обладали огромным опытом обращения со стрелковым оружием, считаясь одними из лучших воинов в Европе того времени. Так отряд казаков под предводительством атаманов Войска Запорожского Богдана Хмельницкого и Ивана Серко принимал участие в Тридцатилетней войне и в частности во взятии неприступной на то время крепости Дюнкерк, которая была взята благодаря казакам. Человек, который послужил прототипом главного героя романа известного французского писателя Александра Дюма «Три мушкетёра» (реальный Д'Артаньян) также участвовал в этой битве, т. е. он мог встречаться с казацкими вождями и воевать с ними бок о бок.
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Суббота, 02 Декабря 2023, 00:42 | Сообщение # 6221 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №11
036 Ален Шартье
Быль или сказка?
.. Я не перестаю удивляться и восхищаться интеллектуальным уровнем наших участников! Вот нас, вышивальщиц, считают «домохозяйками с пяльцами», а между тем наш вышивальщицы пишут настоящие искусствоведческие статьи, причем еще и переводят из с иностранных языков! А какой слог! Это безумно интересный материал, который очень приятно читать! Тем более, когда ты целый год вышиваешь картину, и можешь узнать о ней, об авторе, о героях, о технике живописи, и еще что-нибудь интересное!
…Ответы участников становятся все интереснее, расширеннее, длиннее… и еще длиннее :))
И целых восемь (!) стихотворений! Ну, поэтический сборник выпускать не будем, и оставим только стихотворение самого Алена Шартье
И вот я собрала все самое интересное, и сейчас "коротенько" вам расскажу.
Картина Ален Шартье была создана мастером в 1903 году. Время действия этой картины – Средневековье. В картинах Лейтона Средневековье чаще всего предстает как сказочное время. Вонь, грязь, дремучесть и жестокость этой эпохи остаются за скобками. А на картине «Ален Шартье», на которой изображены веселые, чистенькие придворные дамы в ярких одеяниях, наблюдающие за тем, как одна из них целует прикорнувшего у лестницы мужчину. В светлой, радостной картине, от которой веет беззаботностью и легкомыслием, нет ни намека на реалии тех лет - войну, кровь, зверства, дикие нравы. Мы попадаем будто в сказку. Обращает на себя внимание лестница: прекрасно написан камень, из которого она сделана, декор и это изваяние, напоминающее гаргулью на Нотр-Дам-де-Пари. А как передана фактура тканей на платьях прекрасных дам! А что здесь происходит? Почему прекрасная принцесса целует какого-то спящего юношу? Это же, наверное, как минимум неприлично! Оттого-то придворные дамы так изумлены, переглядываются и перешёптываются…
За основу для сюжета данного полотна художник взял легенду. Авторство ее спорно, не будем отвлекаться, нам не очень важно кто именно это был.
Легенда такова: дофина Франции Маргарита Стюарт встречает во время прогулки по саду спящего поэта Алена Шартье и целует его. Поэт, якобы, воскликнул: «Миледи, я удивлен, что вы проявили милость к такому некрасивому человеку, как я!». На упрёки своих фрейлин королева ответила, что «поцеловала не человека, а уста, одарённые поэтическим талантом, и поступок её оставит память о ней на века».
Согласно другим источникам ответ Маргариты был такой: "Я поцеловала не мужчину, но уста, из которых исходило столько золотых слов, прекрасных высказываний, серьезных замечаний и изящных речей."
А и правда, в 1436 году Маргарита Шотландская прибыла во Францию и стала дофиной Франции. При дворе Маргарита покровительствовала писателям и поэтам. Дофина прекрасно владела французским языком и сама сочиняла на нём стихи — рондо и баллады, и, действительно, могла восхищаться и поэзией Шартье….
… Но вот только самого Алена Шартье к этому времени уже несколько лет, как не было в живых. Дело в том, что в тот год, когда Маргарите исполнилось шесть лет, Алена Шартье не стало
Поэтому сцены с поцелуем у них и во Франции случиться - ну никак - не могло! К нашему сожалению…
Но выдуманная история всем понравилась. И появились стихи и картины на тему этого Поцелуя, и одну из них мы с вами вышиваем.
Есть другая картина Пьера-Шарля КОнта(Pierre-CharlesComte), написанная в 1859 году, которая называется «Поцелуй, или Ален Шартье и Маргарита Шотландская».
А кто же они, герои нашей вышивки?
Ален Шартье родился около 1385 года в Байе в Нормандии. Один его брат, Гийом, стал епископом Парижа, а другой, Томас, секретарем короля Карла VII. Ален же прославился как поэт, писатель и оратор, и даже получил прозвище "Французский Сенека". Внешне он не был привлекательным. Напротив, его считали ужасно некрасивым, если даже не сказать уродливым. Однако это не помешало ему получить образование в Парижском университете и поступить на королевскую службу. Ален Шартье работал секретарем и нотариусом при Карле VI, позже Карле VII. Он выполнял различные дипломатические миссии для короля, а в 1428 году его отправили в Шотландию для переговоров о браке Маргариты Шотландской с будущим Людовиком XI.
Его литературные работы, написанные в основном с 1415 по 1430 год, отличаются разнообразием тематики и формы. Шартье был поэтом, оратором, историком, моралистом и памфлетистом, писавшим на латыни и французском. Его прозаический памфлет– четырехлог написан в виде диалога между Францией и тремя сословиями королевства (духовенством, знатью и простолюдинами). В этом произведении рассказывается о страданиях крестьянства, злодеяниях церкви и злоупотреблениях феодальной армии, но утверждается, что Францию еще можно спасти, если противоборствующие группировки королевства отбросят свои разногласия перед лицом общего врага. (не правда ли, звучит очень современно и актуально на сегодняшний день?)
Стихи Шартье в основном являются аллегориями в придворной традиции.
Вот одно из его стихотворений:
Баллада прописных истин
Лишь негодяй опасен нам,
Лишь выскочка везде чванлив,
Лишь тропки вьются по холмам,
Лишь друг всегда с тобой правдив,
Лишь ревность отравляет разум,
Лишь зависть нас лишает сил,
Лишь роскошь тяготится сглазом,
И лишь счастливый всюду мил.
Лишь королю присягу дам,
Лишь подлый рад, грехи забыв,
Лишь голод тянется к столам,
Лишь юный ищет перспектив,
Лишь тот бедняк, кто слаб к заразам,
Лишь щедрый почесть заслужил,
Лишь во дворцах уютно вазам,
И лишь счастливый всюду мил.
Лишь здравый знает счёт деньгам,
Лишь холостяк братолюбив,
Лишь смерть – конец любым делам,
Лишь ей покорны, не кадив,
Лишь честный верит всем рассказам,
Лишь от любви – задор и пыл,
Лишь золото под стать алмазам,
И лишь счастливый всюду мил.
Каким закончить мне наказом?
Лишь тот поэт, кто стих сложил,
Лишь смерть заслуги явит разом,
И лишь счастливый всюду мил.
Умер Ален Шартье около 1433 года в Авиньоне, совсем молодым 40-45 лет от роду.
Маргарита Стюарт - дофина Франции (Маргарита Шотландская), принцесса из дома Стюартов, урождённая принцесса Шотландская, дочь Якова I, короля Шотландии, а также первая супруга дофина Франции Людовика, будущего короля Франции под именем Людовика XI.
Ее жизнь началась как в сказке, родилась в королевской семье, да еще и на Рождество 25 декабря 1424 года в Эдинбургском замке.
Маргарита была очень красивой и имела добрый нрав. Как и младшие сестры, она унаследовала от отца увлечение литературой и поэтическое дарование, имела личную библиотеку.
В 1427 (или 1428) году французский король Карл VII направил послов к Якову I с предложением о браке принцессы Маргариты с его сыном, принцем Людовиком.
 
Если бы у супругов не оказалось других детей, то их дочь могла унаследовать шотландскую которну. Но в этой семье королева дарила мужу едва ли не по ребенку в год, поэтому, когда прибыли французские посланники с предложением увезти Маргариту на континент, никто особенно не возражал.
Маргарите на тот момент исполнилось всего четыре года. Она хотя и принцесса, но все же еще ребенок, чье мнение вряд ли учитывалось. Переговоры от имени французского короля вёл поэт Ален Шартье,. Соглашение сторонами было достигнуто в ПЕрте 19 июля 1428 года
Тут необходимо предпринять небольшой экскурс в историю: шотландцы в период Столетней войны - естественные друзья французов. Друзья по принципу «враг моего врага – мой друг». Их отношения колебались от неплохих до откровенно замечательных. Как только англичане принимались активничать за Ла_Маншем, шотландцы начинали тыкать грозного соседа «вилкой в бок». Значит, надо было разворачиваться и наводить порядок на рубежах. Франция же получала передышку. И так до бесконечности, с незначительными вариациями.
И вот было решено скрепить давнюю, пусть и вынужденную, дружбу супружеским союзом детей: шотландской принцессы и французского принца. И вот, сказка продолжается, к Маргарите Шотландской сватается принц Людовик из самой Франции. Естественно, что сам он посвататься не может, он же еще маленький мальчик. Но в этом ничего необычного нет, очень часто королевских детей обручают еще в колыбели, а иногда их судьба решалась родителями в интересах государства еще до рождения. Принцессы были разменным товаром в руках венценосных родителей, а королевы — в руках мужей.
Как ни странно, возраст 11-12 лет для девушек, а для мальчиков — 13-14 был разрешенным для брака и для супружеских отношений.
Из двух королей этот брак больше всего был нужен именно Карлу – ведь он продолжал войну с англичанами на своих землях, и от шотландца ему требовалась как раз военная помощь. По брачному договору король Франции получал такую поддержку, а именно 6 тысяч воинов. Маргариту ожидало безбедное существование (стороны оговорили ее содержание и выплаты после заключение брака) и гарантированная корона. Даже если бы принц Людовик не дожил до брачного возраста, девушка должна была выйти замуж за следующего из рода Валуа.
Юной принцессе разрешили немного подрасти на родине. До 11 лет Маргарита воспитывалась при Дворе отца, и от Якова I переняла страстное увлечение литературой, а в особенности, поэзией. Шотландского государя вообще называли «король-поэт», и такой же талант унаследовала его старшая дочь. С самых малых лет принцесса увлекалась сочинительством, записывая свои произведения в специальные тетради.
В 1436 году наступил час расставания. В начале июня под усиленной охраной (опасались нападения англичан) принцессу перевезли через море, чтобы передать ее на французском берегу доверенным лицам короля Карла VII.
23 или 24 июня 1436 года тринадцатилетний жених Людовик Валуаи одиннадцатилетняя невеста Маргарита Стюартбыли представлены друг другу. На следующий день в часовне замка в Туре состоялась церемония бракосочетания.
Жених казался старше, чем был на самом деле. Его лицо было непроницаемым, во взгляде не чувствовалось ни намека на теплоту, а при взгляде на фигуру становилось понятно, что этот молодой человек склонен к полноте. Невеста была полной противоположностью: изящная, как статуэтка, улыбчивая и ослепительно красивая. Двор смотрел на нее с восхищением и одобрением. Ему давно не хватало блеска.
Свадебный пир оказался таким скромным, что более язвительные люди назвали бы его «убогим». Увы, у французов катастрофически не хватало денег на торжества. Сам король выглядел неряшливо, и даже не снимал шпор, садясь за стол. После пары здравиц Карл VII резко поднялся со своего места, знаменуя окончание праздника. Ошарашенные шотланцы наблюдали, как гасят свечи, а придворные суетливо уходят прочь. Такого приема они никак не ожидали…и обиделись…
После церемонии придворные медики посоветовали отложить консуммацию брака из-за относительной незрелости невесты и жениха.
…Между молодоженами не замечали ни тени симпатии. Дофин Людовик большую часть времени проводил в седле – он обожал охоту, и нежнее относился к своим псам, нежели к юной красавице-жене. Вернувшись «с полей» принц садился за стол и с молниеносной быстротой уничтожал так много съестного, что казалось, будто бы он никак не может насытиться.
Но Маргарита, при всем при этом, не выглядела удрученной. Она нашла при французском Дворе источник вдохновения для своих виршей, и единомышленников. Молодые знатные особы, приставленные к ней в качестве фрейлин, с удовольствием поддержали увлечение поэзией. Они приглашали в свой кружок самых именитых поэтов Франции.
Проходило время, но между дофином и его женой так и не произошло сближения. Людовик Валуа, наследный принц, демонстрировал все такое же холодное равнодушие.
У Маргариты были прекрасные отношения со свёкром Карлом VII и свекровью Марией Анжуйской, но счастья в браке с Людовиком Маргарита не испытала, как и радости материнства. Ее совместная жизнь с дофином не была счастливой - отношения между ними были напряженными, он её не любил, но почему-то это не мешало ему ревновать её к придворным поэтам…
Шотландская принцесса продолжала много писать. Муж, знавший об этом ее увлечении, не воспринимал поэзию всерьез. Складывалось ощущение, что его раздражает все, связанное с Маргаритой.
В начале августа 1445 года дофина простудилась. В слишком знойный день, находясь в Шалон-сюр-Марн, она то ли выпила ледяной воды, то ли переодевалась в своей каменной опочивальне, и вскоре почувствовала себя плохо. Началась лихорадка. Поначалу никто не придавал этому большого значения, но уже спустя неделю состояние Маргариты Шотландской сильно ухудшилось.Болезненное состояние принцессы усугубляли переживания из-за слухов о её супружеской неверности
Прекрасная дофина умерла в ночь на 16 августа 1424 года. . Её похоронили в Шалонском соборе, а позднее перезахоронили в Ланском аббатстве в Туаре.
Все стихи, написанные Маргаритой Шотландской, дофин Людовик сжег сразу же после ее смерти.
Прошло чуть больше пяти лет после её смерти, когда овдовевший супруг снова женился. Второй супругой Людовика стала Шарлотта Савойская, в браке с которой у него родились восемь детей, но до совершеннолетия дожили только три ребёнка: дофин Карл, будущий король Франции под именем Карла VIII, и принцессы Анна и Жанна.
А красавица Маргарита Шотландская так и не стала королевой Франции. Не оставила наследника. Не была любимой мужем. Сплошные "не". Но для нас осталась легенда о прекрасной принцессе, поцеловавшей некрасивого поэта.
И еще немножко о том, кому мы, собственно, должны быть благодарны за эту картину :
Достоверных сведений о жизни и творчестве Эдмунда БлераЛейтона (EdmundBlairLeighton) настолько мало, что сегодня известны только даты рождения и смерти художника, места рождения и смерти, и имя супруги художника, коей в 1885 году стала Кэтрин Нэш и от которой он имел сына Эрика Джеймса Блэр-Лейтони дочь Софи.
Известно, что художник окончил жизнь в Лондоне, в доме близ Бедфорского парка.
Эдмунд Блэр-Лейтон снискал репутацию «мистера Икс» среди живописцев, поскольку не оставил после себя дневников и не стремился афишировать свою частную жизнь – как ни странно, не существует даже упоминаний о нём в биографиях того времени. Художник не гнался за официальными регалиями: писал он в стиле прерафаэлитов, но не состоял в знаменитом Братстве; более 40 лет – с 1878 по 1920 год – выставлял свои работы в Королевской академии, но никогда не был её членом…
 
Эдмунд Блэр-Лейтон (1853 – 1922) был очень популярен при жизни, его работы пользовались спросом и любовью публики. А сегодня специалисты говорят о том, что историческая и художественная ценность полотен живописца настолько высока, что имя Эдмунда Блэра-Лейтона и его творческое наследие можно смело включать в золотой фонд мировой живописи.
Всю сознательную жизнь художник посвятил написанию картин на исторические темы. Работы Блэйра-Лейтона отражают его ностальгическое видение романтического, изящного, галантного прошлого. Главными темами его творчества стали эпоха Средневековья и Регентства. в качестве источников он использует не только историю, но и легенды и литературные произведения, кроме этого, художник писал и жанровые картины о современной ему Англии
Одним из главных отличий Блэйра-Лейтона от других художников-прерафаэлитов пожалуй является особое внимание к деталям. Его картины прекрасно прописаны и выглядят завершенными.Живописная манера художника почти фотографична, множество мелких исторических деталей на его картинах, отличающихся праздничной пышностью, прописаны с большой тщательностью и, по возможности, с натуры.Детали костюма выписаны с величайшей тщательностью. Платья, платки, прически, ленты, кружевные воротники, диадемы – все это великолепие точно передает дух реального либо мифологического времени.
Так и в нашей любимой картине Живописец Эдмунд Блэр Лейтонс исторической точностью воспроизвел костюмы 15 века. На принцессе королевский наряд: Атур на голове с прозрачной вуалью, длинное платье со шлейфом из золотого атласа, отделанное горностаем,
Лейтон получил репутацию дотошного художника. Его стиль называли слишком реалистическим. В конце XIX века редко кто писал тщательно прорисованные картины,поэтому Эдмунда и считали слишком придирчивым мастером.
Такое точное изображение предметов антиквариата и старинной мебели на картинах Лейтона благодаря тому, что художник коллекционировал и часто изображал эти предметы на своих картинах. Блэр-Лейтоночень гордился своей коллекцией, однако домашнийинтерьер , по словам современника, был «загроможден неплохой коллекцией старой мебели, оружия, изделий из металла, керамики и других уникальных реликвий прошлого».
Картины художника поразительно реалистичны – словно открывается скрытая ковром из плюща потайная калитка, ведущая в Зазеркалье. Зачарованный мир вдруг всплывает из прошлого и разворачивается на мгновение перед изумлёнными глазами. И вот уже мы сами спускаемся по замковым ступеням, слышим гул толпы, вдыхаем пьянящий аромат роскошных садовых роз или собираем в корзину спелые яблоки…
У картин Блэра-Лейтона обычно легко прочитывающийся сюжетв них нет тайных символов и замысловатых аллюзии, которые нужно додумывать.
Заслуживает внимания также талант Блэра-Лейтона давать краткие и точные названия своим картинам. Это даже не названия, а гениально лаконичные рассказы, несколькими словами описывающие целую историю. Из названия сразу понятно, что происходит: посвящение в рыцари, отъезд на войну, бегство из замка или что-то еще. Поэтому не очень типично для Лейтона, название картины по имени главного героя – поэта Ален Шартье .
Эдмунд родился в Лондоне 21 сентября 1853 г. Его отец умер, когда мальчику было всего около трёх лет, и мать с его старшей сестрой Фанни и будучи беременной младшей сестрой будущего живописца, вынуждена была переехать и открыть школу для девочек, позволявшую содержать семью. Не закончив обучение в школе, в возрасте пятнадцати лет он был направлен на работу к торговцу чаем в лондонском Сити.
Но юноша твердо решил следовать профессии своего отца, и в возрасте двадцати одного года, оставил работу и поступил в Школу Королевской академии.
Кстати, дебют Эдмунда Блэра-Лейтона в Королевской академии состоялся в тот же год, когда Фредерик Лейтон стал ее президентом, и вполне возможно, что Эдмунд подчеркнул свое второе имя (Блэр), сделав его частью своей фамилии (художника принято называть Блэр-Лейтон, а не просто Лейтон), чтобы избежать путаницы со своим знаменитым, но совершенно не связанным с ним однофамильцем.
Блэр-Лейтон всегда был тесно связан с Королевской академией и в течение сорока двух лет, с 1878 по 1920 годы, непрерывно выставлялся в ней. Несмотря на такую преданность, любопытно, что Королевская академия не стала делать Блэра-Лейтона ни ассоциированным, ни тем более действительным своим членом.
Блэр-Лейтон никогда не покидал ту живописную территорию, которую он «застолбил» ещё в начале своей карьеры. Это более примечательно, чем может показаться, поскольку исторические и литературные сюжеты, столь популярные в середине XIX века, становились все менее модными по мере того, как импрессионизм и другие формы французского реализма изменяли вкусы публики в конце 19в..
многие молодые художники, начавшие свою карьеру в той же традиции, как и Лейтон, в дальнейшем обратились к портретной живописи и другим более прибыльным жанрам. Типичными примерами являются Дж. У. Уотерхаус и Фрэнк Дикси.
Эдмунд Блэр-Лейтон не стал следовать модному курсу, но он адаптировал свои исторические сюжеты ко вкусам народа он стал выбирать сентиментальные и анекдотические сюжеты, в которых его аудитория могла видеть отражение своих повседневных надежд, страхов, горестей и стремлений. Как выразился автор ежегодного альманаха ArtAnnual«часто он изображал современную жизнь, но она всегда была под маской прошлого».
Творчество Блэра-Лейтона не такое простое, как может показаться на первый взгляд. Он исследовал многие исторические периоды, и его работы иногда обладают искусствоведческой глубиной, которая может удивить тех, кто привык считать его картины «живописью для развлечения».
действие картины «К оружию!» (Toarms!) (1888 г.), на которой юноша, выходящий из церкви за руку со своей невестой, сталкивается с вооруженным рыцарем, требующим немедленной записи в армию, происходит в лютеранской Германии.
Картина «Бог в помощь» (GodSpeed), появившаяся в Королевской академии в 1900 году, изображает молодую женщину, завязывающая узлом вышитый красный шарф на руку своего рыцаря, когда он отправляется на турнир верхом на лошади, в полном вооружении и с копьем, украшенным вымпелами (по средневековому поверью, это должно воссоединить влюблённых). Другие рыцари уже прошли под решеткой и выходят на поле битвы. Эта картина была первой из нескольких, написанных Блэром-Лейтоном в 1900-х годах, на которых рыцарь и его дама изображены в сценах, иллюстрирующих рыцарский кодекс; за ней в 1901 году последовала картина «Акколада, или Посвящение в рыцари» (TheAccolade), еще позже – в 1908 году – была создана картина «Посвящение» (Dedication). Оружие и доспехи, изображенные на всех этих картинах, несомненно, находились в собственной коллекции художника, которая, как известно, включала множество экземпляров.
  
Как можно понять из его биографии жизнь мастера в целом была спокойной и лишена каких-либо резких поворотов. Эдмунд Блэр-Лейтон, как истинный английский джентльмен, был безукоризненно постоянен, храня верность Королевской академии, Лондону, любимому району Бедфорд-парк и одной женщине. Щедрый и нежный сентябрь, ставший месяцем рождения художника, его и упокоил: солнце взошло 21 сентября 1853 года и закатилось навеки 1 сентября 1922-го…
Кратко уместить всю эту историю в 25 строк сумела Надежда Афанасьева. Она и становится победителем в 12 этапе нашей викторины «Все дело в деталях, или Знаем ли мы, что вышиваем?»
.. но я не могу не оценить замечательные, полные, подробные, иллюстрированные ответы еще двух участнинц: Инна Демиденко и Наталья Шакина также получают Призовые Сертификаты!!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Суббота, 02 Декабря 2023, 01:26 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Суббота, 02 Декабря 2023, 03:06 | Сообщение # 6222 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №12
110 Охотники на Привале
На кого охотятся охотники и какой предмет лишний?
… охотников у нас еще меньше, чем инженеров и оружейников :))
Но, после подробного изучения этой картины, я так думаю, наши дамы потянутся на охоту: кто на утку, кто на зайца, кто на рябчика, а кто даже на оленя ..
Да-да, версий и предположений у нас было много:
- например, что это охота с сетью на зайца - Да, на зайцев охотятся с сетями: но это длииинная сеть, ведь неизвестно, в какие кусты побежит заяц. Маленькие сети тоже есть, но только зимой, их ставят на заячьих тропах, которые зайцы протаптывают в снегу и по ним бегают. Но у нас не зима, а то, что вы приняли за сеть на зайца – это сетка от охотничьей сумки, видите какая она красивая: и разное плетение, и бахрома… Молодой купил.. выпендривается :))
- или предположили, что это охота на оленя – ну, здесь просто: в нашей средней полосе олени просто не водятся
Еще меня очень греют вот такие примечания: Инна пишет: «Картину «Охотники на привале» В. Перова я видела воочию в Третьяковской галерее в 2021 году. Понимаю, что для некоторых обыденное дело посетить Третьяковку, либо другие музеи и полюбоваться шедеврами живописи. Для меня же это было грандиозным событием, оставшемся в памяти на всю жизнь и каждый раз, когда вопросы викторины касаются картин, которые я видела в живую, это уже моя личная история.»
Еще были очень интересные рассуждения и соображения (правда взятые от одного и того же источника) – но об этом позже.
Делать здесь подробное описание картины не буду (помещу на форуме в теме Каритны и их истории…
Замечу лишь интересные факты о прототипах главных героев:
Прототипами охотников стали реальные люди, знакомые Василия Перова. В роли «враля», увлеченно рассказывающего небылицы, выступил врач Дмитрий Кувшинников, большой любитель ружейной охоты – тот самый, который послужил прототипом доктора Дымова в «Попрыгунье» Чехова.
Слева – Д. Кувшинников. Справа – центральный персонаж «Охотников на привале»
В образе иронично усмехающегося охотника Перов изобразил врача и художника-любителя Василия Бессонова.
Слева – Портрет В. Бессонова, 1869. Справа – недоверчивый слушатель, один из «Охотников на привале»
А прототипом для молодого охотника, наивно внимающего охотничьим байкам, послужил 26-летний Николай Нагорнов, будущий член московской городской управы.
 
Слева – Н. Нагорнов. Справа – удивленный слушатель «Охотников на привале»
Это подтверждает в своих воспоминаниях и его дочь. В 1962 г. она написала: «Кувшинников Д. П. был одним из ближайших друзей моего отца. Они часто ездили на охоту по птице. У отца была собака, и поэтому собирались у нас: Дмитрий Павлович, Николай Михайлович и доктор Бессонов В. В. Они изображены Перовым («Охотники на привале»). Кувшинников рассказывает, отец и Бессонов слушают. Отец – внимательно, а Бессонов – с недоверием…».
Вокруг этой картины Василия Перова с момента ее появления горели нешуточные страсти:
Критик В. Стасов восхищался работойи сказал, что «этот сюжет так же хорош, как и охотничьи рассказы Тургенева».
М. Салтыков-Щедрин критиковал картину за отсутствие непосредственности и жизненной правды, за наигранность эмоций: «Как будто при показывании картины присутствует какой-то актер, которому роль предписывает говорить в сторону: вот этот лгун, а этот легковерный, и приглашает зрителя не верить лгуну охотнику и позабавиться над легковерием охотника новичка. Художественная правда должна говорить сама за себя, а не с помощью толкований».
А вот Ф. Достоевский не соглашался с критическими отзывами: «Что за прелесть! Конечно, растолковать – так поймут и немцы, но ведь не поймут они, как мы, что это русский враль и что врет он по-русски. Мы ведь почти слышим и знаем, об чем он говорит, знаем весь оборот его вранья, его слог, его чувства».
Со времени появления картины она стала очень любимой в народе. По мотивам сюжета Перова были сделаны тысячи копий, изображение перенесено на гобелены, коврики, покрывала. Есть даже конфетные фантики.Эту симпатичную троицу вышивают, делают аппликации, выжигают и даже татуируют на теле. Календари, пазлы, алмазная мозаика, вышивка крестом и бисером — можно найти любой вариант. Появилась масса смешных и не очень карикатур, пародирующих сюжет картины. Получается, что Перов блестяще справился с задачей, так как картина обросла собственной историей и множеством параллельных задач.
И самое время поговорить О ХУДОЖНИКЕ:
Василий Перов родился 21 декабря 1833 в Тобольске.Он был незаконнорождённым ребёнком губернского прокурора Григория Карловича Криденера.просвещенного, свободомыслящего человека, который принимал у себя в доме ссыльных декабристов. Герб Криденеров изобилует королевскими лилиями, единорогами и розами, что свидетельствует о древности и знатности. Из-за того, что Перовбыл рожден вне брака, фамилию отца он не унаследовал. По бумагам он значился Васильевым, а Перовым его прозвал один дьячок, который его обучал. Это прозвище от слова перо и стало его фамилий, под которой он прожил всю жизнь.
Перов был даровитым мальчиком и проявил свой талант в рисовании. Однажды он заболел оспой и долго после неё ему не разрешалось выходить на улицу. Чтобы как-то скрасить это время Перов стал заниматься с выписанным из Арзамаса живописцем, которого пригласили изменить портрет главы семейства. Сначала у мальчика мало, что получалось, но потом он стал удивительно точно копировать картины, которые были дома. Так он решил, что будет непременно художником. Он попросил родителей устроить его в художественную школу в Арзамасе. мальчик упорно шёл к своей цели, все больше демонстрируя и оттачивая своё мастерство. Он стал писать портреты, которые были на редкость талантливыми. Отец убедился в способностях своего сына и благословил его на поступление в Училище живописи и ваяния в Москве.
<a class="link" href="https://moifotki.org/i/ab59b982e2d54abca5f21e63f1eaf1c4" rel="nofollow" target="_blank"> 
Василий Григорьевич Перов "Автопортрет"
Москва встретила Перова прохладно, он был один из многих, таких же талантливых подростков. Во время учебы он сильно нуждался. Отец к тому времени уже не мог помогать деньгами. Перову приходилось очень тяжело. Но все решил случай.
Один из учителей, Егор Яковлевич Васильев,добрый по своей натуре, обратил внимание на бедственное положение своего ученика и пригласил его жить на своей казённой квартире. Перов был счастлив, хоть и смущался своего бедного положения. Разглядев талант Перова, добрый учитель стал для него благодетелем, который помогал ему в течение 10 лет учёбы.
Перов учился усердно, проявив своей интерес к портретной живописи. Но не только портретами прославится Перов, в будущем почти всё его творчество станет обличением пороков, которые он будет видеть в обществе. Уже тогда он для себя решит, что в живопись надо вкладывать страсть и душу. Только так можно стать настоящим художником, а не просто рисовальщиком.
Будущий художник много гулял по Москве и наблюдал за жизнью людей. Это были его первые попытки писать в духе реализма, так, как он видит, так, как он чувствует. Художник воплощал все новые и новые идеи, показывал их своим товарищам и спрашивал мнение и то, что не нравилось его друзьям, он тут же уничтожал, безжалостно и быстро. Так погибла картина о Степане Разине.
В 1860 году Перов получает малую золотую медаль за картины «Сцена на могиле» и «Сын дьячка, произведённый в первый чин». Так постепенно он приходит к пониманию, что его путь – живопись в духе критического реализма, когда показывается, насколько обстоятельства жизни человека и его характер зависят от социальной среды.
Первый успех не заставил себя долго ждать. Всего через год он получил первое одобрение публики. Его работы "Проповедь в селе", "Чаепитие в Мытищах" и "Сельский крестный ход на Пасху", производят впечатление на зрителей. Он находит своё место в живописи, став остроумным жанристом-сатириком,
В.Г. Перов «Проповедь в селе»1862г.
Его картины стали либеральными, острыми и запоминающимися, как раз такими, какими хотела их видеть русская интеллигенция. Можно сказать, Перов стал модным и был этому несказанно рад. Иногда его картины были настолько злыми, что даже учителя огорчались. Но художник не оставлял своего намерения писать на ту тему, которая волновала его душу.
Но так или иначе всё творчество Перова — это живописная критика происходивших в то время в обществе явлений.
В.Г. Перов «Сельский крестный ход на Пасху», 1861 год.
В 1862 году у художника случилась первая любовь. Его супругой стала Елена Шейнс. Художник был счастлив.
И в этом же 1862 году Василий Перов получил стипендию и пансион от Императорской Академии художеств и по традиции отправился за границу вместе с молодой женой. Он посещал музеи Берлина, Дрездена, Парижа, делал наброски в самых бедных городских кварталах. Однако, в отличие от многих других художников, Перов тяготился заграничной жизнью и страстно желал вернуться домой. Получив от Академии разрешение на досрочное возвращение, он вернулся в Москву, где и прошла вся его дальнейшая жизнь. После возвращения на родину художник продолжал создавать полотна на социальные сюжеты. На картинах 1860-х годов появлялись угнетенные крестьяне, изможденные городские дети, безвольные служащие у богатых господ. Позже Михаил Нестеров, ученик Василия Перова, назвал живописца «подлинным певцом скорби».
Перов стал очень известным художником, у которого покупали картины. Быт был устроен. Жена подарила ему трех сыновей.. Но вскоре идиллия его жизни разрушилась. Елена умерла, оставив его с тремя совсем маленькими сыновьями. Художник не находил себе покоя, этот удар его подкосил. Через некоторое время, будто бы мало ему горя было, умирают два его сына, в живых остаётся только младшенький по имени Владимир.
В.Г. Перов "Портрет Елены ЭдмундовныШейнс" (Перовой) 1868г.
С Перовым случается настоящая метаморфоза, его творчество перестает быть злободневным, появляются сюжеты драматического содержания. Все отмечают, что картины становятся добрее, душевнее и человечнее.
В. Г.Перов "Проводы покойника" 1865г.ГТГ.
В. Г. Перов "Тройка. Ученики-мастеровые везут воду" 1866г.ГТГ
После смерти жены, он сосредоточился на работе, став преподавателем. Его карьера пошла в гору, и за картину "Птицелов" он получает звание профессора. Критик Стасов назовёт её:
"... отрывком из лучшего и талантливейшего, что есть в охотничьих очерках Тургенева"...
В. Г.Перов "Птицелов" 1870 г.
В 1869 году Перов объединился с группой художников, и вместе они основали Товарищество передвижных художественных выставок. На первой выставке передвижников в 1871 году появились картины Перова со сценками из жизни русской провинции «Охотники на привале», «Рыболов» и несколько портретов. Его работы получались простыми и реалистичными, со строгой композицией и сдержанным колоритом.
ОН пишет их непросто показывая внешний вид модели, а пытается раскрыть характер. Так он создаст более 60 портретов, среди них зритель найдет людей множества профессии , и многих знаменитых соверменников: Александра Островского, Ивана Тургенева , Федора Достоевского.
«Что ни тип, что ни лицо, что ни характер, то особенность выражения всякого чувства. Глубокий художник тем и познается, что изучает, подмечает все эти особенности и потому его произведение бессмертно, правдиво и жизненно» — утверждал В. Г. Перов.
  
Спустя несколько лет после кончины жены Елены Василий Григорьевич женился во второй раз в 1872 году, его избранницей стала Елизавета Егоровна Друганова. Супруга была рядом с живописцем до конца его дней
В это плодотворное время художник заболевает чахоткой, простудившись на охоте. Болезнь омрачает жизнь художника.Постепенно живой и наблюдательный характер начнёт у Перова меняться. Он будет чувствовать, что творческие силы его покидают. Работать он продолжит, но уже понимая, что вряд ли способен написать такие сильные работы как раньше. Он снова начнёт уничтожать свои картины, вырезая из них целые части.
В конце своей недолгой жизни он обратится к историческому жанру, задумав написать серию картин про Пугачёва. Для этого он совершит путешествие по Уралу, но в итоге получится лишь одна картина, на которую уйдет 7 лет. Эта картина «Суд Пугачева».
В. Г.Перов "Суд Пугачева" 1879 г.
Затем его творчество станет религиозным.
Жизнь Перова оборвётся в 48 лет в 1882 году. Он похоронен в Москве на кладбище Донского монастыря.
А его младший сын Владимир от первого брака продолжит его дело, также став художником.
………………………………….
А теперь тот самый источник, который нашли наши участники.
Тексты их немного разнятся, но суть одинаковая:
… в деталях сцена отдыха трёх товарищей вовсе не правдива. Персонажи неправильно обращаются с оружием, а их снаряжение и добыча относятся к разным видам охоты. Кажется, живописец выбрал тему, в которой мало что понимал…
На самом деле Перов прекрасно разбирался в охоте. Художник ходил на зверя «во все времена года и без устали».
А «Охотников на привале» Перов создавал как картину-анекдот, чтобы понимающий зритель смеялся над ней не меньше, чем над совсем уж завиральными охотничьими историями.
Итак, детали картины:
"Давайте обратим внимание для начала на добычу. Это заяц-русак и рябчик с тетеревом. Причем выписаны они с такой точностью, что по линьке зайца можно понять, что дело происходит в конце осени.. Странность заключается в том, что тушка зайца не повреждена. Согласно правилам псовой охоты убитого зайца обязательно надо было отколоть (ткнуть кинжалом между лопаток), отпазанить (отрезать передние лапы) и приторочить к седлу. А ни одной запряженной лошади мы на картине не видим, соответственно и седла тоже. Зато мы можем заметить, что на картине также изображены две птицы. В разных источниках указывается разная информация: это утки, тетерева или рябчики. В любом случае эти птицы не могли быть убиты на той же охоте, что и заяц. Среда обитания у них разная."
Разрешите мне, дорогие мои, по ходу чтения этого материала, я буду делать некоторые замечания: На картине действительно заяц-русак, тетерев-косач и … тетерка! Да-да, эта пестренькая, серенькая – это тетерка, а не рябчик! Рябчик раза в два меньше, да и окраска у него более яркая, рыженькая. Так что наш рябчик счастливо живет в лесу, а охотники добыли в поле тетеревов.
"Лошади нам тоже не пригодятся: охота на зайцев с гончими вполне может быть и без лошадей, охотники будут ждать в засаде, пока собаки не выгонят на них зайца. Но собак должно быть несколько и это, безусловно, будут гончьи.
Что касается охотничьего снаряжения, то и здесь есть над чем посмеяться. Любой опытный охотник всегда заботиться о своем ружье и никогда не положит его дульной частью на землю во избежание засорения канала ствола. На картине же изображено оружие английской фирмы «Энфилд». Оно считалось первоклассным и было очень дорогим.
Один из охотников — новичок, это видно по его новому снаряжению и дорогим сапогам на каблуках Но в любом случае опытные охотники должны были бы указатьему на ошибку в экипировке.На охоте очень важна обувь. Чтобы выследить добычу, нужно не один час побродить по степи, оврагам, перелескам. Опытный охотник никогда не пойдет на охоту в обуви на высоких каблуках, как новичок, изображенный на полотне.
Дальше еще интереснее. На земле лежит слегка помятый рожок, такие используются, чтобы собирать гончих в стаю. Но никаких гончих на картине нет. Изображенный пёс — либо легавая, либо борзая (у знатоков нет единого мнения). В любом случае на псовой охоте не нужны ружья. А здесь ружья как раз есть — мы их видим на картине. Так что рожок — еще одна деталь, подчеркивающая вранье. "
… и здесь я не согласна с такой трактовкой правильного ответа: Рожок – это действительно лишний предмет на этой охоте, но не про вранье, а, скорее, про неопытность новичка, над которым зрители и подсмеиваются хотя и сами были когда-то таким же :))
Итак, правильные ответы!
… мы считаем, что ПОЛНОГО и ТОЧНОГО правильного ответа сегодня нет…
НО есть две половинки
Наталья Шакина совершенно верно написала, :
Если отвечать коротко и внятно, оставив за кадром все прочитанные детали, связанные с особенностями охоты на дичь ,и всю цепь рассуждений и выводов, к которым я пришла, изучив информацию из разных источников, то мой ответ такой: охотники охотились в лесу на птиц (у них есть ружья и изображена добыча - тетерев и рябчик),
И я готова принять это как правильный ответ на первую часть вопроса, с оговоркой, что это не рябчик, а тетерка, и охотились они скорее в поле, а не в лесу (осенняя охота на перепелов чаще всего в поле)
НО вот во второй части вопроса Наталья написала: а лишнее здесь всё, что связано с охотой на зайца – собственно, убитый заяц, рожок для созыва гончих, сеть (пишут, что сетью – тенетами – зайцев тоже можно ловить).
Как говорится, требуются уточнения
Наталья Килина наоборот, совершенно правильно написала: « А вот рожок на этой картине абсолютно лишний. Дело в том, что он использовался на псовой охоте, чтобы собирать в стаю гончих. Но никаких гончих на картине нет. Изображенный пёс — либо легавая, либо борзая. Да и на псовой охоте ружья вовсе не нужны, так как дичь берет собака. Так что на ружейной охоте рожок не нужен»
Мы засчитываем это за полответа! С оговоркой, что охота на зайца с гончьими может быть как псовой так и ружейной. Но гончьих на картине, действительно нет, и созывать в рожок некого.
Но в первой части вопроса Наталья считает, что это «Заяц-русак. Скорее всего именно на него охотились наши герои.»
Нет, мы думаем, что это не так… Заяц здесь .. случайный, но не лишний. Он вполне мог бы .. случайно .. оказаться на этой охоте.
… откуда он взялся ? – спросите вы. … ну.. на охоте всякое бывает я даже смею предположить, что это первая добыча молодого охотника. Вот он ждал-ждал, вдруг кто-то выскочил из норы пред самым носом , молодой от неожиданности выстрелил, и, представляете! – попал! А что? Новичкам везет! .... и это будет первая байка в его охотничьей картере :)))
А у нас сегодня две Натальи подстрелили по пол-вопроса и получают по полсертификата!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Воскресенье, 03 Декабря 2023, 19:17 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 16:46 | Сообщение # 6223 | Тема: Программа поощрения Первоотшивов |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| У Ольги финал 436 Натюрморт с китайской вазой
У Надежды 3/4 386 На берегу реки (м)
ПОЗДРАВЛЯЕМ!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
|
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 19:19 | Сообщение # 6224 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Вопрос №13
На каких картинах из нашего каталога художник изобразил себя и своего товарища?
Как вы меня порадовали, дорогие моивнимательные и любознательные! Как много ответов!Версий множество, кто-то назвал не всё,кто-то – больше чем требовалось, но абсолютно все правильно назвали Александра
Иванова и Николая Гоголя на картинеИванова «Явление Христа народу»
   
Еще называли изображенных на картинахисторических личностей, знакомых между собой персонажей, родственников, жен,
матерей, детей… но… нам был нужен художник и его друг! А таких картин у нас в
каталоге всего три. Ой! Это я уже подсказала :))Уже по традиции, есть у нас естьстихотворение от Натальи Килиной, потрясающее стихотворение Петра Вяземского, посвященное АалександруИванову и картине его жизни. Но.. читайте стихотворение медленно и глядя на
картину – впечатление просто космически-объемное!
АЛЕКСАНДРУ АНДРЕЕВИЧУ ИВАНОВУ Я видел древний Иордан.
Святой любви и страха полный,
В его евангельские волны,
Купель крещенья христиан,
Я погружался троекратно,
Молясь, чтоб и душа моя
От язв и пятен бытия
Волной омылась благодатно.От оных дум, от оных дней,
Среди житейских попечений,
Как мало свежих впечатлений
Осталось на душе моей!
Они поблекли под соблазном
И едким холодом сует:
Во мне паломника уж нет,
Во мне, давно сосуде праздном.Краснею, глядя на тебя,
Поэт и труженик-художник!
Отвергнув льстивых муз треножник
И крест единый возлюбя,
Святой земли жилец заочный,
Ее душой ты угадал,
Ее для нас завоевал
Своею кистью полномочной.И что тебе народный суд?
В наш век блестящих скороспелок,
Промышленных и всяких сделок,
Как добросовестен твой труд! В одно созданье мысль и чувство,
Всю жизнь сосредоточил ты;
Поклонник чистой красоты,
Ты свято веровал в искусство.В избытке задушевных сил,
Как схимник, жаждущий спасенья,
Свой дух постом уединенья
Ты отрезвил, ты окрилил.
В искусе строго одиноком
Ты прожил долгие года,
И то прозрел, что никогда
Не увидать телесным оком.Священной книги чудеса
Тебе явились без покрова,
И над твоей главою снова
Разверзлись в славе небеса.
Глас вопиющего в пустыне
Ты слышал, ты уразумел —
И ты сей день запечатлел
С своей душой в своей картине.Спокойно лоно светлых вод;
На берегу реки Предтеча;
Из мест окрестных, издалече,
К нему стекается народ;
Он растворяет упованью
Слепцов хладеющую грудь;
Уготовляя божий путь,
Народ зовет он к покаянью.А там спускается с вершин
Неведомый, смиренный странник:
«Грядет он, господа избранник,
Грядет на жатву божий сын.
В руке лопата; при́дет время,
Он отребит свое гумно,
Сберет пшеничное зерно
И в пламя бросит злое семя.Сильней и впереди меня
Тот, кто идет вослед за мною;
Ему — припав к ногам — не стою
Я развязать с ноги ремня.
Рожденья суетного мира,
Покайтесь: близок суд. Беда
Древам, растущим без плода:
При корне их лежит секира».Так говорил перед толпой,
В недоуменьи ждавшей чуда,
Покрытый кожею верблюда
Посланник божий, муж святой.
В картине, полной откровенья,
Всё это передал ты нам,
Как будто от Предтечи сам
Ты принял таинство крещенья.
30 июня 1858
Ну, коль у нас вопрос в некоторой мере про автопортрет – Наталья нас немного просветит в этой области:
Автопортрет в искусстве – это особая, даже не страница, а целая книга в становлении всего человечества. У этого жанра изобразительного искусства одно из самых богатых исторических наследий, ведь с самого зарождения изобразительного искусства человек пытался рисовать самого себя.
Если разобрать слово «автопортрет» по составу, то нетрудно догадаться, что это за жанр искусства. Автор делает свой портрет, чтобы у нас была возможность лицезреть не только его мастерство, но и скрытую сущность того, кто всё это изобразил.
Изображения себя делятся на две категории: профессиональные и личностные. К первой относятся портреты возле мольбертов и скульптурных станков, с кисточками за ушами и так далее. То есть, глядя на такой портрет, любой зритель поймёт, что перед ним художник. Вторая категория – это все остальные.
Кроме двух основных видов, есть четыре подвида, которые могут присутствовать в любой категории. Вот ещё какими бывают автопортреты:
• Отдельный или естественный. Когда автор не хочет, чтобы кто-то разделял его компанию, он пишет себя в одиночестве. В крайнем случае рядом может оказаться любимая зверушка или боевой конь.
• Групповой. Не любящие одиночество авторы пишут рядом с собой тех, кого любят или ненавидят или кого хотели бы видеть почаще. То есть на таких творениях всегда есть другие люди.
• Вставной. Очень интересный подвид. Его любят авторы больших сюжетных картин с большим числом персонажей. Очень часто среди толпы можно найти и самого художника. Он может быть в профессиональном облике, как К. Брюллов в «Последнем дне Помпеи» или в замаскированном, как С. Боттичели в «Поклонении волхвов».
  
• Символический или представительский. Иногда нам хочется побыть кем-то. Художники такие же люди, но им проще. Они могут изобразить себя, кем угодно. В этом разделе как раз такие личные изображения.
Зачем художники пишут автопортреты? Странный вопрос. А зачем люди смотрятся в зеркало? На себя посмотреть. Вот кого вы в первую очередь ищите на групповой фотографии, точно зная, что вы там есть? Ну, себя родного, конечно. Почему? Потому что хотим мы того или не хотим самолюбием нас Бог не обделил (не один Нарцисс страдал этой болезнью). В какой-то степени оно есть у всех людей. Художники такие же люди – они тоже хотят взглянуть на себя со стороны.Сегодня, когда у каждого в кармане смартфон,нет ничего проще, как сделать своё фото. Нам легко оставить свой облик и для себя, и для потомков. Если взять мастеров прошлого, то сделать «селфи» они могли, только нарисовав автопортрет.
К тому же большинство великих художников – это не менее великие трудяги. А в то время, как и в наше, «кто не работает, тот не ест». Натурщикам надо платить, а денег нет, вот и приходилось многим работать и «за того парня».
Были и такие, кто через этот вид искусства желал выразить свой взгляд на жизнь, своё мировоззрение, какие-то идеи. И не столь важно по какой причине создан автопортрет. Главное – мы видим произведения великих художников, и знаем, как выглядел сам гений!
*************************************************************************************************************************************************
Итак, коротко правильный ответ выглядит так:
1 № 309 «ЯЛЕНИЕ ХРИСТА НАРОДУ» (1837—1857) -Александр Андреевич Иванов.
Эту знаменитую картину художник писал в Италии, где в конце 1837г. он знакомится с Н.В.Гоголем. Иванов был в полном восторге от русского писателя. Гоголь стал духовным авторитетом для художника. Черты самого Гоголя можно увидеть на картине среди встречающих Мессию. Фигура, ближайшая к Христу(в красном хитоне) . Себя художник изобразил — в облике странника(в серой шляпе с посохом), сидящего неподалеку от Иоанна Крестителя.
2 № 088 «НЕРАВНЫЙ БРАК»(1862г) - Пукирев Василий Владимирович.
На полотне справа за невестой мы видим статного молодого человека, который скрестил руки. Он смотрит на жениха так, словно сверлит его взглядом. В нём узнается сам художник. А вот рядом с художником, также за невестой стоит человек, который смотрит прямо на нас, зрителей. Его взор очень неоднозначный. Вроде бы ощущение, что он сочувствует молодой невесте, но в то же время его взгляд какой-то недобрый. Есть версия, что образ списан с товарища художника по Московскому Училищу живописи, ваяния и зодчества - Петра Шмелькова.
3 №330 «В РИМСКОЙ ОСТЕРИИ» (1896г.) – Карл Генрих Блох.
На заднем плане картины сидит группа хорошо одетых мужчин. Художник изобразил себя, сидящего к нам спиной. А вот мужчина, сидящий к нам лицом и слушающий собеседника, был другом и благодетелем Карла Блоха . Он же и стал покупателем данной картины – Это известный меценат Мориц Мельхиор.
Да, ХУДОЖНИК и ЕГО ДРУГ в нашей коллекции изображены на трех картинах: "Явление Христа народу", "Неравный барк" и "В римской остерии" .И абсолютно точных верных ответа у нас тоже три: Натальи Килиной, Надежды Афанасьевой и Натальи Шакионй! Приз тоже делим на троих!
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Воскресенье, 03 Декабря 2023, 20:52 |
| |
| |
| fondu4ok | Дата: Воскресенье, 03 Декабря 2023, 21:06 | Сообщение # 6225 | Тема: Картины: их истории и оригинальное обрамление |
|
Клуб на Лавочке
Модератор
| Ну а теперь для гурманов:
Монументальное произведение, на котором, как мне думается, изображен автопортрет художника и имеется (или задумывалось?) изображение его друзей, - это «Явление Христа народу», одно из самых известных полотен в истории русского искусства, созданное в 1837—1857 годах. Очень интересная история связана с этим масштабным полотном.
Александр Андреевич Ива́нов (1806 - 1858) —русский живописец и график, один из последних крупных представителей классицистической школы, ставший завершителем традиции и одновременно её реформатором; создатель произведений на библейские и антично-мифологические сюжеты. Академик Императорской Академии художеств (с 1836 г.).
 
А. А. Иванов. Автопортрет. 1828 год С. П. Постников. Портрет А. А. Иванова. Около 1873 года
По этому полотну, полному глубокого символизма и философского смысла, написано множество исследований и книг, оно разобрано и изучено буквально по штрихам и пикселям и пересказать суть всех исследований (даже вкратце) в рамках нашего проекта и хронометража выпуска никак не представляется возможным.
20 лет жизни... Такова цена шедевра, для которого в Третьяковской галерее построили отдельны йзал. Его размер просто ошеломляет своими габаритами 540 на 750 см. Картина «Явление Христа народу» должна была стать для художника Александра Иванова итогом заграничной стажировки, а стала смыслом жизни.
Для задуманного огромного полотна А. Иванов искал сюжет «всемирный», но еще никем не исполненный. На тот момент художники часто изображали либо проповедь Крестителя, либо крещение Иисуса Христа.
«…На первых страницах увидел я сущность всего Евангелия – увидел, что Иоанну Крестителю поручено было Богом приготовить народ к принятию учения Мессии, а наконец и лично Его представить народу! …Предмет сей никем еще не делан...», - писал Александр Иванов в письме отцу из Рима.
Идею никто не одобрил – ни Общество поощрения художников, которое могло поддерживать материально, ни отец, посчитавший ее слишком сложной. Но Иванов был одержим идеей мессианства. Он считал, что цель искусства – преобразить человечество.Так картина «Явление Христа народу» стала главной в его жизни. Одни называли мастера чудаком, другие – святым. О его работе знали все, но мастерская в Риме была закрыта для публики. Иванов бедствовал, так как не брал другие заказы, чтобы не отвлекаться. Отказался от семьи, чтобы не мешала работе, не смог приехать в Россию на похороны родителей, став на долгие годы «римским затворником».
Помимо самой картины до наших дней дошло более 600 отдельных сюжетов-этюдов, предшествующих основной работе, которые более подробно изображают тот или иной фрагмент полотна.В своей работе художник полностью отступил от канонов художественного академизма, поставив своей целью не только изображение известного исторического события, но и передачу посредством него важных глубокомысленных христианских идей и реакции различных людей на них. Довершил художник свое отступление от академической манеры исполнения акцентированием внимания не на теле человека, а на его лице и эмоциональных переживаниях.
Итак, в основе сюжета картины лежит библейский сюжет о первом появлении Христа в народе. Александр Андреевич считал этот момент наиболее важным, можно сказать, фундаментальным, в истории христианства. Именно после того, как люди увидели воочию Иисуса, началось нравственное совершенствование человечества, познание истинного смысла жизни.
Действие происходит на берегу реки Иордан, в котором очищались от своих грехов первые приверженцы новой религии – христианства. Центральной фигурой полотна является Иоанн Креститель, которому Бог уже рассказал о приходе спасителя на землю.На картине изображен именно тот момент, когда Иоанн впервые узрел собственными глазами Иисуса Христа, приближающегося к нему. Каждый его жест, каждая черточка его лица буквально дышат одухотворением и волнением, вот он миг, когда пророк дождался своего Мессию!
Рядом с пророком стоят апостолы, будущие ученики Спасителя, которым после его воскрешения будут разносить по миру благую весть о земной жизни Иисуса Христа.
Из вод Иордана выходят еще два персонажа картины – молодой мальчик и старик, внимательно внемлющие словам пророка, мальчик с интересом и воодушевлением выглядывает из-за толпы, чтобы внимательнее рассмотреть Мессию. Вот они – уже уверовавшие в Христа Спасителя.
По другую сторону от Иоанна Крестителя расположились люди разных возрастов, одни из которых уже очистились в водах священной реки, а другие только собираются. На лицах некоторых из них мы видим радость, а на лицах других – недоверие, они все еще сомневаются в правдивости рассказов о Мессии. Чуть дальше, на холме, мы видим толпу еврейских священников, которые со злобой смотрят на Иисуса, именно они впоследствии и станут причиной дальнейшей казни Спасителя.
Центральным звеном этой цепочки различных людских характеров и настроений является сам Иисус Христос, который находится вдали от всех персонажей картины. Его фигура преисполнена величием, но лицо просматривается плохо, так как целью автора было отображение реакции людей на приход Спасителя, а не он сам. Возможно, Иванов сделал силуэт Иисуса немного размытым еще и потому, что само христианство для людей в этот момент является чем-то непонятно-возвышенным и таинственным.
«В это самое время, когда всё движется таким различными движениями, показывается вдали Тот Самый, во имя Которого уже совершилось крещение, - и здесь настоящая минута картины. <…> Он в небесном спокойствии и чудном отдалении, тихой и твёрдой стопой уже приближается к людям» - так писал о сюжете картины известный русский писатель Николай Гоголь в 1846 году.
В первых эскизах Христос стоял возле Иоанна Предтечи. Потом Иванов решил отделить фигуру. Исследователи пытаются понять причину: может быть, потому что встретить Христа может только тот, кто хочет этой встречи?
Иванов долго работал над этим образом. Иконографической основой стал лик Пантократора, выполненный в технике мозаики еще в византийскую эпоху. Иванов зарисовал его в Сицилии.
Отдельно следует сказать о фигуре раба, подающего одежду своему господину. Его образ является чуть ли не самым колоритным во всей картине. На его лице отображена целая гамма чувств: от недоверия и смятения, до радости, умиления и восторга. Можно быть уверенными, что впоследствии этот раб стал ярым приверженцем новой религии, настолько сильны в нем чувства, вызванные словами Иоанна Крестителя и появлением Мессии.
Александр Андреевич Иванов был первым художником, который перед тем, как приступить к работе, решил досконально изучить все особенности того места и той эпохи, которую он собирался изображать. Им было исследовано огромное количество археологических и исторических источников, в том числе Евангелие, а также древние стенные росписи и иконы, дожившие до наших дней. Художником был проделан колоссальный труд, результаты которого мы можем видеть на картине «Явление Христа народу». Даже пейзаж, списанный с итальянской природы, которая очень похожа на палестинскую, изображен с неимоверной точностью.
Огромной заслугой автора является его глубокое понимание человеческой психологии. Каждого участника картины Иванов искал среди реальных людей, высматривая в них нужные ему черты характера и внешности, затем писал с него этюд, и уже после первоначальных набросков вносил участника в общий сюжет картины, добавив ему нужные эмоции.
Эта работа сделана была художником мастерски! Разглядывая полотно, невозможно поверить в то, что художник не видел всего происходящего в реальности. Настолько тонко он подметил психологические особенности каждого из участников сюжета.
Работа над этим масштабным произведением так и не была закончена автором, к концу жизни он стал разочаровываться в своем монументальном труде, к тому же подвело Иванова и зрение, не позволявшее и дальше заниматься ему живописью. Но даже в таком недоделанном виде картина поражает зрителя своей сильной эмоциональной нагрузкой, передающей разницу в общечеловеческих ценностях.
Вернемся к вопросу, который был задан: а где же на картине изображен сам автор, Александр Иванов? Да вот же он!
Сидящий странник с посохом (фрагмент картины)
Сидящий странник с посохом находится в группе людей, непосредственно примыкающих к Иоанну Крестителю. Автор полотна называл этого персонажа «странником» или «инкогнито». В собрании Третьяковской галереи хранится этюд для этого персонажа, получивший название «Путешественник». Некоторые исследователи творчества Иванова считают, что образ странника представляет собой автопортрет самого́ художника.
Странник сидит в тени, у нагромождения камней, под сенью дерева. Он в уединении созерцает «величественную картину погружённой в торжественное молчание природы, явившей миру образ совершенного человека». В отличие от других персонажей, в той или иной мере являющихся участниками события, странник — только зритель, «в душу которого происходящее не вносит никакой смуты, беспокойства, потребности действовать или допрашивать собственную совесть». По словам исследователя Николая Машковцева, «„Странник“-Иванов живёт глазами», поскольку роль очевидца исторического события «без остатка поглощает его сознание», а его образ «пронизан лучами счастья», так как он видит, что «чаяния людей осуществились».Другой исследователь Михаил Алленовписал, что «внутреннее содержание образа больше, нежели просто портретное сходство с автором».
Немного всё более сложная история с друзьями художника, изображенными на полотне. Понятно, что всякое может случиться за 20 лет, и первоначальные задумки автора могут измениться до неузнаваемости. Но всё же, изучив материалы в интернете, я решила написать об этих друзьях.
Уже упоминалось, что 20-летний труд русского живописца был окутан завесой тайны. Мастерская в Италии была закрыта для публики. Но тот факт, что Александр Иванов использовал в качестве моделей своих римских знакомых, широко известен. К примеру, среди встречающих Мессию можно увидеть черты Н. В. Гоголя. Особенно явно создатель «Мертвых душ» «читается» в этюдах Иванова.
Поговорим об этом подробнее.
В 1840-х годах Александр Иванов много общался со знаменитым писателем Николаем Васильевичем Гоголем, с которым он познакомился в Риме в конце 1830-х годов (по-видимому, не раньше 1838 года). Живописец был в полном восторге от русского писателя (в переписке с отцом он называет его «лучшим ... писателем»).Они были очень похожи по взглядам – оба видели какой-то большой смысл в своем творчестве, оба ради него отказались от семьи. Гоголь писал про Иванова: «Теперь все чувствуют нелепость упрека в медленности и лени такому художнику, который, как труженик, сидел всю жизнь свою над работою и позабыл даже, существует ли на свете какое-нибудь наслаждение, кроме работы». И вот еще: «Иванов… уже давно умер для всего остального мира, кроме своей работы», — писал Николай Гоголь. Именно благодаря его письмам в России узнали о создании картины и о жизни Иванова.
Гоголь стал духовным авторитетом для Иванова и даже участвовал в композиции картины по просьбе художника. В процессе работы над отдельными персонажами и группами «Явления Мессии» (так изначально мастер называл свою картину) художник также часто советовался с Гоголем, в частности, при создании образа раба. Интересно, что именно Гоголь предложил заменить вариант названия полотна «Явление Мессии» на «Явление Христа народу».
Существует предположение, что они вместе выбирали, куда на полотне можно было бы «поместить» русского писателя. Родилось несколько вариантов:
Вариант 1: В позе «дрожащего отца»
Дрожащий отец и его сын
В правой части полотна на переднем плане находятся фигуры «дрожащих» — мальчика и его отца. Мальчик испуганно прижался к отцу, но его взгляд обращён к Иоанну Крестителю. Отец, сутулясь, дрожа от холода и как бы стесняясь своей наготы, пытается накинуть на своё тело рубашку. При этом он не скрывает улыбки, неподдельная радость которой выделяет его из всех остальных персонажей. Предполагается, что прототипом «дрожащего» отца и мог быть Николай Гоголь.Сходство с писателем особенно заметно на этюдах, предшествующих картине.
Любопытно, что в мальчике, изображенном рядом с отцом,также угадывается реальный исторический персонаж, очень хорошо знакомый и Гоголю, и Иванову, - молодой граф Иосиф Михайлович Виельгорский, адъютант и камер-паж цесаревича Александра Николаевича. С Александром ИвановымВиельгорского познакомил Н. В.Гоголь. Об этом в записной книжке Виельгорского сделана запись 20 декабря 1838 года: «Гоголь. Открытие нового Корреджио» (под «новымКорреджио», безусловно, имелся в виду Александр Иванов).Идея изображения Виельгорского в сыне также принадлежала Н. В. Гоголю.
 
Фигура дрожащего отца на эскизе А. А. Иванова Голова мальчика(портрет И. М. Виельгорского) в повороте головы дрожащего мальчика на эскизе А. А. Иванова
Кстати, граф И. М. Виельгорский в 1839 г. в возрасте 22 лет скончался в Риме от туберкулёза на руках у писателя. Под впечатлением от этого события Гоголь написал произведение «Ночь на вилле».
И. М. Виельгорский, портрет работы неизвестного художника. Середина 1830-х годов
Но на окончательном варианте картины художник изменил своих «дрожащих» героев, придав их лицам еврейские черты, сделав их кожу более смуглой, а волосы – черными.
ариант 2: Гоголь в группе «ближайших»
Возможно, этот вариант был предложен Гоголю художником. «Ближайшие» - значит, ближайшие ко Христу. Центром композиции картины становится Спаситель, который идёт навстречу людям. И в группе ближайших к нему явно выделяется фигура, похожая на Гоголя: длинные волосы, длинный и острый, будто птичий, нос, красная одежда (вариант эскиза в Русском музее). Кроме того, если посмотрим на картину, то увидим, что все персонажи парные, и без пары остались только Христос и Гоголь. Как бы знак того, что они образуют пару. Все персонажи устремлены ко Христу или поворачиваются к нему, и только Гоголь изображён кающимся, стоящим на одной линии с Христом, смотрящим в одном направлении с Ним.
Гоголь на эскизе «Явления Христа народу»
Однаков окончательном варианте картины Гоголя нет.Есть похожий на него персонаж в простой хламиде темно-кирпичного цвета, однако, очевидно, что фигура Гоголя меняется: нет птичьего носа, волосы растрёпаны, персонаж повёрнут в сторону Мессии, т. е. пропадает идея единения с Христом.
Человек, лишь немного похожий на Гоголя, на окончательном варианте картины
Несмотря на несхожесть с Гоголем на окончательном варианте картины некоторые исследователи творчества Иванова тем не менее видят в «ближайшем к Христу» «отражение образа и духовного состояния Гоголя». В частности, Николай Машковцев писал, что «сравнение лица „ближайшего“ со всеми эскизами и рисунками Иванова, имеющими отношение к Гоголю, и сопоставление его профиля с профилем посмертной маски писателя позволяют распознать в „ближайшем“ несомненные признаки гоголевского лица». Михаил Алленов также полагал, что «эту фигуру Иванов писал с Гоголя», отмечая, что в окончательной версии картины она «претерпела существенные изменения» по сравнению с эскизами.
При этом как сам художник, так и те, кто с ним общался, ни прямо, ни косвенно не свидетельствовали о связи «ближайшего к Христу» с образом писателя, а сама фигура появлялась в эскизах, созданных еще до знакомства Иванова и Гоголя и, вроде бы, по задумке автора это должна была быть фигура мытаря (сборщика податей и пошлин). Основываясь на этом, исследователь Светлана Степанова называет присутствие образа Гоголя «одним из устойчивых мифов, вызванных искренним намерением исследователей увидеть скрытые смыслы и подтексты в картине».
Если всё же образ Гоголя задумывался на полотне, то почему он так видоизменился на окончательном варианте картины? Версии:
Точной информации об этом нет – снова зыбкая почва для предположений.
Версия первая.
В 1846-1847 гг. в отношениях Гоголя и Иванова происходит охлаждениеиз-за статьи Гоголя «Исторический живописец Иванов», где Гоголь старается поддержать Иванова, который находится в очень стесненных материальных обстоятельствах в Риме. Николай Васильевич хотел этой статьей подогреть интерес читателей к творчеству художника, что очень не понравилось Иванову. Художник не хотел всеобщей известности, не хотел, чтобы в его мастерскую толпами ходили люди. Но вряд ли этот случай мог стать причиной тому, что Иванов убрал Гоголя с картины, потому что даже после этого случая писатель продолжал оставаться авторитетом для него.
Версия вторая.
Гоголь сам выступил инициатором того, чтобы его убрали из картины. Дело в том, что Иванов написал портрет Гоголя в 1841г. Существует два списка этого портрета. Один был подарен Жуковскому, а другой Погодину, который опубликовав этот портрет в своём журнале «Москвитянин» без разрешения писателя. Гоголь считал, что вышел на этой картине забулдыгой, таким его представили читателям, а потому он просто не мог стоять в кругу «ближайших» ко Христу, потому что у зрителя не получилось бы объективно воспринять эти два образа.
А. А. Иванов. Портрет н. В. Гоголя. 1841 год
Таким образом, на картине А. А. Иванова «Явление Христа народу» присутствует автопортрет художника (тип автопортрета–личностный вставной), а также – (не знаю, как назвать) – «шлейф» от друзей автора, Николая Васильевича Гоголя и Иосифа Михайловича Виельгорского.
(по материалам Натальи Шакиной)
Моя "ЛАВОЧКА Фондучка" - www://fondu4ok.com
Вышиваю ЭстЭ 155 "Дорога в детство"
Сообщение отредактировал fondu4ok - Воскресенье, 03 Декабря 2023, 21:55 |
| |
| |
|
